Edición de «Arte»

{{Artículo destacado}}
[[Archivo:Sebastiano Ricci 002.jpg|thumb|250px|''[[Alegoría#La alegoría en el Arte|Alegoría]] del arte'' (1690-1694), de [[Sebastiano Ricci]].]]El '''arte''' (del [[latín]] ''ars'', ''artis'', y este calco del [[Idioma griego|griego]] τέχνη, ''téchnē'')<ref>{{Cita DLE|arte}}</ref> es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad [[estética]] y también [[Comunicación|comunicativa]], mediante la cual se expresan [[idea]]s, [[Emoción|emociones]] y, en general, una visión del [[mundo]], a través de diversos recursos [[Artes plásticas|plásticos]], [[Lingüística|lingüísticos]], [[Sonido|sonoros]], corporales y mixtos.<ref>{{Harvsp|Tatarkiewicz|2002|pp=63-67}}</ref> El arte es un componente de la [[cultura]], que refleja en su concepción las bases [[Economía|económicas]] y [[Sociedad|sociales]], y la transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del ''[[Homo sapiens]]'' el arte tuvo en principio una función [[Rito|ritual]], [[Magia|mágica]] o [[Religión|religiosa]] ([[arte paleolítico]]), pero esa función cambió con la evolución del [[ser humano]], adquiriendo un componente estético y una función social, [[Pedagogía|pedagógica]], [[Comercio|mercantil]] o simplemente [[Ornamento|ornamental]].

La noción de arte continúa sujeta a profundas disputas, dado que su definición está abierta a múltiples interpretaciones, que varían según la cultura, la época, el movimiento, o la sociedad para la cual el término tiene un determinado sentido. El vocablo "arte" tiene una extensa acepción, y puede designar cualquier actividad humana realizada con esmero y dedicación, o cualquier conjunto de reglas necesarias para desarrollar de forma óptima una actividad: se habla así de “[[arte culinario]]”, “[[Medicina|arte médico]]”, “[[artes marciales]]”, “[[Pesca comercial#Tipos de artes de pesca|artes de arrastre]]” en la [[pesca]], etc. En ese sentido, arte es [[sinónimo]] de capacidad, habilidad, talento o experiencia. Sin embargo, más comúnmente se suele considerar al arte como una actividad creativa del ser humano, por la cual produce una serie de objetos ([[Obra de arte|obras de arte]]) que son singulares y cuya finalidad es principalmente estética. En ese contexto, arte sería la generalización de un concepto expresado desde antaño como “[[bellas artes]]”, actualmente algo en desuso y reducido a ámbitos [[Academia|académicos]] y [[Administración pública|administrativos]]. De igual forma, el empleo de la palabra arte para designar la realización de otras actividades ha venido siendo sustituido por términos como "[[técnica]]" u "[[Profesión|oficio]]". En este artículo se trata de arte entendido como un medio de expresión humano de carácter creativo.

Francisco Umbral, en su novela ''[[Mortal y rosa]]'', preñada de variopintas reflexiones, afirma: «Arte es reducir las cosas a uno solo de sus rasgos, enriquecer el universo empobreciéndolo, quitarle precisión para otorgarle sugerencia».<ref>{{Cita libro|apellido=Umbral|nombre=Francisco|título=Mortal y rosa|año-original=1975|editorial=Planeta|año=1996|colección=Nuestros Clásicos Contemporáneos|ubicación=Barcelona|página=57}}</ref>

== Concepto ==
{{AP|Teoría del arte}}

[[Archivo:Attributs de la peinture, de la sculpture et de l'architecture - Anne Vallayer-Coster.jpg|thumb|280px|''Atributos de la pintura, la escultura y la arquitectura'' (1769), de [[Anne Vallayer-Coster]].]]

La definición de arte es abierta, [[Subjetividad|subjetiva]] y discutible. No existe un acuerdo unánime entre [[historia]]dores, [[filósofo]]s o [[artista]]s. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» ([[Tomás de Aquino]]); «el arte es aquello que establece su propia regla» ([[Johann Christoph Friedrich Schiller|Schiller]]); «el arte es el estilo» ([[Max Dvořák]]); «el arte es expresión de la sociedad» ([[John Ruskin]]); «el arte es la libertad del genio» ([[Adolf Loos]]); «el arte es la idea» ([[Marcel Duchamp]]); «el arte es la novedad» ([[Jean Dubuffet]]); «el arte es la acción, la vida» ([[Joseph Beuys]]); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» ([[Dino Formaggio]]); «el arte es la mentira que nos ayuda a ver la verdad» ([[Pablo Picasso]]); «arte es vida, vida es arte» ([[Wolf Vostell]]).

El [[concepto]] ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el [[Renacimiento]] solo las [[artes liberales]] eran consideradas arte; la [[arquitectura]], la [[escultura]] y la [[Pintura artística|pintura]] eran consideradas “[[manualidades]]”. El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano a través del cual manifiesta sus ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su función puede variar desde la más práctica hasta la más ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero. En el {{Siglo|XX||s}} se pierde incluso el sustrato material: decía [[Joseph Beuys|Beuys]] que la vida es un medio de expresión artística, destacando el aspecto vital, la acción. 

El término arte procede del [[latín]] ''ars'', y es el equivalente al término [[idioma griego|griego]] τέχνη (''téchne'', de donde proviene ‘[[técnica]]’). Originalmente se aplicaba a toda la producción realizada por el hombre y a las disciplinas del saber hacer. Así, artistas eran tanto el [[cocinero]], el [[jardinero]] o el [[Arquitecto|constructor]], como el [[Pintura artística|pintor]] o el [[poeta]]. Con el [[tiempo]] la derivación latina (''ars'' -> arte) se utilizó para designar a las disciplinas relacionadas con las artes de lo estético y lo emotivo; y la derivación griega (''téchne'' -> técnica), para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones intelectuales y de artículos de uso.<ref>Omar Argerami: ''Psicología de la creación artística'' (p. 23-30). Buenos Aires: Columbia, 1968.</ref> En la actualidad es difícil encontrar que ambos términos (arte y técnica) se confundan o utilicen como sinónimos.

=== Evolución histórica del concepto de arte ===
[[Archivo:Château de Versailles, salon des nobles, Dibutade ou l'Origine de la peinture, Jean-Baptiste Regnault.jpg|thumb|250px|''El origen de la Pintura'' (1786), de [[Jean-Baptiste Regnault]]. Según una leyenda de [[Plinio el Viejo]], la pintura la inventó una muchacha griega que trazó la silueta de su novio antes de partir a la guerra para perpetuar su recuerdo (''[[Historia natural (obra de Plinio)|Naturalis Historia]]'', XXXV, 15).<ref>Mariani (2022), p. 17.</ref>]]
En la [[Arte y cultura clásica|antigüedad clásica grecorromana]], una de las principales cunas de la [[civilización]] [[Occidente|occidental]] y primera cultura que reflexionó sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de "destreza": destreza para construir un objeto, para comandar un [[ejército]], para convencer al público en un [[debate]], o para efectuar mediciones [[Agronomía|agronómicas]]. En definitiva, cualquier habilidad sujeta a reglas, a preceptos específicos que la hacen objeto de aprendizaje y de evolución y perfeccionamiento técnico. En cambio, la [[poesía]], que venía de la [[Inspiración artística|inspiración]], no estaba catalogada como arte. Así, [[Aristóteles]], por ejemplo, definió el arte como la «permanente disposición a producir cosas de un modo racional», y [[Quintiliano]] estableció que era aquello «que está basado en un método y un orden» (''via et ordine'').<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 39.</ref> [[Platón]], en el ''[[Protágoras (diálogo)|Protágoras]]'', habló del arte, opinando que es la capacidad de hacer cosas por medio de la [[inteligencia]] a través de un aprendizaje. Para Platón el arte tiene un sentido general, es la capacidad creadora del ser humano.<ref>Beardsley-Hospers (1990), p. 20.</ref> [[Casiodoro]] destacó en el arte su aspecto productivo, conforme a reglas, señalando tres objetivos principales del arte: enseñar (''doceat''), conmover (''moveat'') y complacer (''delectet'').<ref>Tatarkiewicz (1989), vol. II, p. 87-88.</ref>

Durante el [[Renacimiento]] se empezó a gestar un cambio de mentalidad, separando los oficios y las ciencias de las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces un tipo de [[filosofía]] o incluso de [[profecía]] –para lo que fue determinante la publicación en 1549 de la traducción [[italia]]na de la ''[[Poética (Aristóteles)|Poética]]'' de Aristóteles–. En este cambio intervino considerablemente la progresiva mejora en la situación social del artista, debida al interés que los nobles y ricos prohombres italianos empezaron a mostrar por la [[belleza]]. Los productos del artista adquirieron un nuevo estatus de objetos destinados al consumo estético y, por ello, el arte se convirtió en un medio de promoción social, incrementándose el [[mecenazgo]] artístico y fomentando el [[coleccionismo]].<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 43.</ref> Surgieron en ese contexto varios tratados [[Teoría|teóricos]] acerca del arte, como los de [[Leon Battista Alberti]] (''[[Leon Battista Alberti#De Pictura (1436)|De Pictura]]'', 1436-1439; ''[[Leon Battista Alberti#De re ædificatoria (1450)|De re aedificatoria]]'', 1450; y ''[[Leon Battista Alberti#De statua (1464)|De Statua]]'', 1460), o ''Los Comentarios'' (1447) de [[Lorenzo Ghiberti]]. Alberti recibió la influencia aristotélica, pretendiendo aportar una base científica al arte. Habló de ''decorum'', el tratamiento del artista para adecuar los objetos y temas artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue el primero en periodificar la [[historia del arte]], distinguiendo antigüedad clásica, periodo [[Edad Media|medieval]] y lo que llamó “renacer de las artes”.<ref>Beardsley-Hospers (1990), p. 44.</ref>

[[Archivo:Jan Vermeer - The Art of Painting - Google Art Project.jpg|thumb|left|250px|''[[El arte de la pintura|Alegoría de la pintura]]'' (1666), de [[Johannes Vermeer]].]]
Con el [[manierismo]] comenzó el arte moderno: las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista, basada en la [[ciencia]], a las múltiples bellezas del manierismo, derivadas de la [[naturaleza]]. Apareció en el arte un nuevo componente de [[imaginación]], reflejando tanto lo fantástico como lo [[grotesco]], como se puede percibir en la obra de [[Pieter Brueghel el Viejo|Brueghel]] o [[Giuseppe Arcimboldo|Arcimboldo]]. [[Giordano Bruno]] fue uno de los primeros pensadores que prefiguró las ideas modernas: decía que la creación es infinita, no hay centro ni límites –ni [[Dios]] ni hombre–, todo es movimiento, dinamismo. Para Bruno hay tantos artes como artistas, introduciendo la idea de originalidad del artista. El arte no tiene normas, no se aprende, sino que viene de la inspiración.<ref>Tatarkiewicz (1991), vol. III, p. 367-368.</ref>

Los siguientes avances se hicieron en el {{siglo|XVIII||s}} con la [[Ilustración]], donde comenzó a producirse cierta autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de la religión y de la representación del poder para ser fiel reflejo de la voluntad del artista, centrándose más en las cualidades sensibles de la obra que no en su significado.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 21.</ref> [[Jean-Baptiste Dubos]], en ''Reflexiones críticas sobre la poesía y la pintura'' (1719), abrió el camino hacia la relatividad del gusto, razonando que la estética no viene dada por la razón, sino por los sentimientos. Así, para Dubos el arte conmueve, llega al espíritu de una forma más directa e inmediata que el conocimiento [[Razón (filosofía)|racional]]. Dubos hizo posible la popularización del gusto, oponiéndose a la reglamentación [[Academia|académica]], e introdujo la figura del "genio" como atributo dado por la naturaleza y que está más allá de las reglas.

En el [[romanticismo]], surgido en [[Alemania]] a finales del {{Siglo|XVIII||s}} con el movimiento denominado ''[[Sturm und Drang]]'', triunfó la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, desarrollando la noción de genio –el arte es la expresión de las emociones del artista–, que comienza a ser [[Mito|mitificado]].<ref>Beardsley-Hospers (1990), p. 65.</ref> Autores como [[Novalis]] y [[Friedrich von Schlegel]] reflexionaron sobre el arte: en la revista ''Athenäum'', editada por ellos, surgieron las primeras manifestaciones de la autonomía del arte ligado a la naturaleza. Para ellos, en la obra de arte se encuentran el interior del artista y su propio lenguaje natural.<ref>Givone (2001), p. 65-66.</ref>

[[Archivo:Johan Zoffany - Tribuna of the Uffizi - Google Art Project.jpg|thumb|300px|''El tribunal de los Uffizi'' (1772-1778), de [[Johann Zoffany]].]]
[[Arthur Schopenhauer]] dedicó el tercer libro de ''[[El mundo como voluntad y representación]]'' a la [[teoría del arte]]: el arte es una vía para escapar del estado de infelicidad propio del hombre. Identificó [[conocimiento]] con creación artística, que es la forma más profunda de conocimiento. El arte es la reconciliación entre [[voluntad]] y [[conciencia]], entre objeto y sujeto, alcanzando un estado de [[contemplación]], de [[felicidad]]. La conciencia estética es un estado de contemplación desinteresada, donde las cosas se muestran en su pureza más profunda. El arte habla en el idioma de la [[intuición]], no de la reflexión; es complementario de la filosofía, la [[ética]] y la religión. Influido por la [[filosofía oriental]], manifestó que el hombre debe liberarse de la voluntad de vivir, del "querer", que es origen de insatisfacción. El arte es una forma de librarse de la voluntad, de ir más allá del "yo".<ref>Beardsley-Hospers (1990), p. 68.</ref>

[[Richard Wagner]] recogió la ambivalencia entre lo sensible y lo espiritual de Schopenhauer: en ''Ópera y drama'' (1851), Wagner planteó la idea de la “[[obra de arte total]]” (''Gesamtkunstwerk''), donde se haría una síntesis de la poesía, la palabra –elemento masculino–, con la [[música]] –elemento femenino–. Opinaba que el [[lenguaje]] primitivo sería [[Vocal|vocálico]], mientras que la [[consonante]] fue un elemento racionalizador; así pues, la introducción de la música en la palabra sería un retorno a la inocencia primitiva del lenguaje.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 370-373.</ref>

A finales del {{Siglo|XIX||s}} surgió el [[esteticismo]], que fue una reacción al [[utilitarismo]] imperante en la época y a la fealdad y el materialismo de la era industrial. Frente a ello, surgió una tendencia que otorgaba al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de [[Théophile Gautier]] “[[Parnasianismo|el arte por el arte]]” (''l'art pour l'art''), llegando incluso a hablarse de “religión estética”.<ref>Eco (2004), p. 329.</ref> Esta postura pretendía aislar al artista de la sociedad, para que buscase de forma autónoma su propia inspiración y se dejase llevar únicamente por una búsqueda individual de la belleza.<ref>Beardsley-Hospers (1990), p. 70.</ref> Así, la belleza se aleja de cualquier componente [[moral]], convirtiéndose en el fin último del artista, que llega a vivir su propia vida como una obra de arte –como se puede apreciar en la figura del [[dandi]]–.<ref>Eco (2004), p. 333.</ref> Uno de los teóricos del movimiento fue [[Walter Pater]], que influyó sobre el denominado [[decadentismo]] [[Reino Unido|inglés]], estableciendo en sus obras que el artista debe vivir la vida intensamente, siguiendo como ideal a la belleza. Para Pater, el arte es “el círculo mágico de la existencia”, un mundo aislado y autónomo puesto al servicio del [[placer]], elaborando una auténtica [[metafísica]] de la belleza.<ref>Givone (2001), p. 114.</ref>

[[Archivo:Courbet LAtelier du peintre.jpg|thumb|left|300px|''[[El taller del pintor]]'' (1855), de [[Gustave Courbet]].]]
Por otro lado, [[Charles Baudelaire]] fue uno de los primeros autores que analizaron la relación del arte con la recién surgida era industrial, prefigurando la noción de “belleza moderna”: no existe la belleza eterna y absoluta, sino que cada concepto de lo bello tiene algo de eterno y algo de transitorio, algo de absoluto y algo de particular. La belleza viene de la [[pasión (emoción)|pasión]] y, al tener cada individuo su pasión particular, también tiene su propio concepto de belleza. En su relación con el arte, la belleza expresa por un lado una idea “eternamente subsistente”, que sería el “alma del arte”, y por otro un componente relativo y circunstancial, que es el “cuerpo del arte”. Así, la [[Dualismo|dualidad]] del arte es expresión de la dualidad del hombre, de su aspiración a una felicidad ideal enfrentada a las pasiones que le mueven hacia ella. Frente a la mitad eterna, anclada en el [[arte clásico]] antiguo, Baudelaire vio en la mitad relativa el [[arte moderno]], cuyos signos distintivos son lo transitorio, lo fugaz, lo efímero y cambiante –sintetizados en la [[moda]]–. Baudelaire tenía un concepto [[Neoplatonismo|neoplatónico]] de belleza, que es la aspiración humana hacia un ideal superior, accesible a través del arte. El artista es el “héroe de la modernidad”, cuya principal cualidad es la [[melancolía]], que es el anhelo de la belleza ideal.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 324-329.</ref>

En contraposición al esteticismo, [[Hippolyte Taine|Hippolyte-Adolphe Taine]] elaboró una teoría [[Sociología|sociológica]] del arte: en su ''Filosofía del arte'' (1865-1869) aplicó al arte un [[determinismo]] basado en la [[raza]], el contexto y la [[Periodización|época]] (''race'', ''milieu'', ''moment''). Para Taine, la estética, la “ciencia del arte”, opera como cualquier otra disciplina científica, basándose en parámetros racionales y empíricos. Igualmente, [[Jean Marie Guyau]], en ''Los problemas de la estética contemporánea'' (1884) y ''El arte desde el punto de vista sociológico'' (1888), planteó una visión [[Evolucionismo|evolucionista]] del arte, afirmando que el arte está en la vida, y que evoluciona como esta; y, al igual que la vida del ser humano está organizada socialmente, el arte debe ser reflejo de la sociedad.<ref>Givone (2001), p. 102-104.</ref>

La [[Historia de la estética#Estética sociológica|estética sociológica]] tuvo una gran vinculación con el [[realismo pictórico]] y con movimientos políticos de izquierdas, especialmente el [[socialismo utópico]]: autores como [[Henri de Saint-Simon]], [[Charles Fourier]] y [[Pierre Joseph Proudhon]] defendieron la función social del arte, que contribuye al desarrollo de la sociedad, aunando belleza y utilidad en un conjunto armónico. Por otro lado, en el [[Reino Unido]], la obra de teóricos como [[John Ruskin]] y [[William Morris]] aportó una visión [[Funcionalismo|funcionalista]] del arte: en ''Las piedras de Venecia'' (1851-1856) Ruskin denunció la destrucción de la belleza y la vulgarización del arte llevada a cabo por la sociedad industrial, así como la degradación de la [[clase obrera]], defendiendo la función social del arte. En ''El arte del pueblo'' (1879) pidió cambios radicales en la economía y la sociedad, reclamando un arte “hecho por el pueblo y para el pueblo”. Por su parte, Morris –fundador del movimiento [[Arts & Crafts]]– defendió un arte funcional, práctico, que satisfaga necesidades materiales y no solo espirituales. En ''Escritos estéticos'' (1882-1884) y ''Los fines del arte'' (1887) planteó un concepto de arte utilitario pero alejado de sistemas de producción excesivamente tecnificados, próximo a un concepto del socialismo cercano al [[corporativismo]] [[Edad Media|medieval]].<ref>Givone (2001), p. 112-113.</ref>

[[Archivo:Snowdance.jpg|thumb|200px|Representación de ''[[El cascanueces]]'', de [[Piotr Chaikovski]].]]
Por otro lado, la función del arte fue cuestionada por el escritor [[Rusia|ruso]] [[Lev Tolstoi]]: en ''¿Qué es el arte?'' (1898) se planteó la justificación social del arte, argumentando que siendo el arte una forma de comunicación solo puede ser válido si las emociones que transmite pueden ser compartidas por todos los hombres. Para Tolstoi la única justificación válida es la contribución del arte a la [[fraternidad (filosofía)|fraternidad]] humana: una obra de arte solo puede tener valor social cuando transmite valores de fraternidad, es decir, emociones que impulsen a la unificación de los pueblos.<ref>Beardsley-Hospers (1990), p. 73.</ref>

En esa época se empezó a abordar el estudio del arte desde el terreno de la [[psicología]]: [[Sigmund Freud]] aplicó el [[psicoanálisis]] al arte en ''[[Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci]]'' (1910), defendiendo que el arte sería una de las maneras de representar un deseo, una pulsión reprimida, de forma sublimada. Opinaba que el artista es una figura [[Narcisismo|narcisista]], cercana al niño, que refleja en el arte sus deseos, y afirmó que las obras artísticas pueden ser estudiadas como los [[Ensueño|sueños]] y las [[enfermedades mentales]], con el psicoanálisis. Su método era [[Semiótica|semiótico]], estudiando los [[símbolo]]s, y opinaba que una obra de arte es un símbolo. Pero como el símbolo representa un determinado concepto simbolizado, hay que estudiar la obra de arte para llegar al origen creativo de la obra.<ref>Givone (2001), p. 108-109.</ref> Igualmente, [[Carl Gustav Jung]] relacionó la psicología con diversas disciplinas como la filosofía, la sociología, la religión, la [[mitología]], la [[literatura]] y el arte. En ''Contribuciones a la psicología analítica'' (1928), sugirió que los elementos simbólicos presentes en el arte son “imágenes primordiales” o “arquetipos”, que están presentes de forma innata en el “subconsciente colectivo” del ser humano.<ref>Givone (2001), p. 110-111.</ref>

[[Wilhelm Dilthey]], desde la [[Historia de la estética#Estética cultural|estética cultural]], formuló una teoría acerca de la unidad entre arte y vida. Prefigurando el [[Vanguardismo|arte de vanguardia]], Dilthey ya vislumbraba a finales del {{Siglo|XIX||s}} cómo el arte se alejaba de las reglas académicas, y cómo cobraba cada vez mayor importancia la función del público, que tiene el poder de ignorar o ensalzar la obra de un artista determinado. Encontró en todo ello una “anarquía del gusto”, que achacó a un cambio social de interpretación de la realidad, pero que percibió como transitorio, siendo necesario hallar «una relación sana entre el pensamiento estético y el arte». Así, ofreció como salvación del arte las “[[ciencias del espíritu]]”, especialmente la psicología: la creación artística debe poder analizarse bajo el prisma de la interpretación psicológica de la fantasía. En ''Vida y poesía'' (1905) presentó la poesía como expresión de la vida, como ‘vivencia’ (''Erlebnis'') que refleja la realidad externa de la vida. La creación artística tiene pues como función intensificar nuestra visión del mundo exterior, presentándolo como un conjunto coherente y pleno de sentido.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 379-380.</ref>

=== Visión actual ===

[[Archivo:Fontaine Duchamp.jpg|thumb|250px|''Fuente'', de [[Marcel Duchamp]]. El {{Siglo|XX||s}} supone una pérdida del concepto de belleza clásica para conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador.]]
El {{Siglo|XX||s}} ha supuesto una radical transformación del concepto de arte: la superación de las ideas [[Racionalismo|racionalistas]] de la Ilustración y el paso a conceptos más subjetivos e individuales, partiendo del movimiento romántico y cristalizando en la obra de autores como [[Kierkegaard]] y [[Nietzsche]], suponen una ruptura con la tradición y un rechazo de la belleza clásica. El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas: la subjetividad del tiempo de [[Bergson]], la [[Teoría de la relatividad]] de [[Albert Einstein|Einstein]], la [[mecánica cuántica]], la teoría del psicoanálisis de Freud, etc. Por otro lado, las nuevas [[tecnología]]s hacen que el arte cambie de función, debido a que la [[fotografía]] y el [[cine]] ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores producen la génesis del [[arte abstracto]], el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos.<ref>Eco (2004), p. 415-417.</ref> El arte actual tiene oscilaciones continuas del gusto, cambia simultáneamente junto a este: así como el arte clásico se sustentaba sobre una metafísica de ideas inmutables, el actual, de raíz [[kant]]iana, encuentra gusto en la conciencia social de placer ([[cultura de masas]]). También hay que valorar la progresiva disminución del [[analfabetismo]], puesto que antiguamente, al no saber leer gran parte de la población, el arte gráfico era el mejor medio para la transmisión del conocimiento –sobre todo religioso–, función que ya no es necesaria en el {{Siglo|XX||s}}.

Una de las primeras formulaciones fue la del [[marxismo]]: de la obra de [[Karl Marx|Marx]] se desprendía que el arte es una “[[superestructura (marxismo)|superestructura]]” cultural determinada por las condiciones sociales y económicas del ser humano. Para los marxistas, el arte es reflejo de la realidad social, si bien el propio Marx no veía una correspondencia directa entre una sociedad determinada y el arte que produce. [[Georgi Plejánov]], en ''Arte y vida social'' (1912), formuló una estética [[Materialismo dialéctico|materialista]] que rechazaba el “arte por el arte”, así como la individualidad del artista ajeno a la sociedad que lo envuelve.<ref>Beardsley-Hospers (1990), p. 79-80.</ref> [[Walter Benjamin]] incidió de nuevo en el arte de vanguardia, que para él es «la culminación de la dialéctica de la modernidad», el final del intento totalizador del arte como expresión del mundo circundante. Intentó dilucidar el papel del arte en la sociedad moderna, realizando un análisis semiótico en el que el arte se explica a través de signos que el hombre intenta descifrar sin un resultado aparentemente satisfactorio. En ''La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica'' (1936) analizó la forma cómo las nuevas técnicas de reproducción industrial del arte pueden hacer variar el concepto de este, al perder su carácter de objeto único y, por tanto, su halo de reverencia mítica; esto abre nuevas vías de concebir el arte –inexploradas aún para Benjamin– pero que supondrán una relación más libre y abierta con la obra de arte.<ref>Givone (2001), p. 122-124.</ref>

[[Theodor W. Adorno]], como Benjamin perteneciente a la [[Escuela de Fráncfort]], defendió el arte de vanguardia como reacción a la excesiva tecnificación de la sociedad moderna. En su ''Teoría estética'' (1970) afirmó que el arte es reflejo de las tendencias culturales de la sociedad, pero sin llegar a ser fiel reflejo de esta, ya que el arte representa lo inexistente, lo irreal; o, en todo caso, representa lo que existe pero como posibilidad de ser otra cosa, de trascender. El arte es la “negación de la cosa”, que a través de esta negación la trasciende, muestra lo que no hay en ella de forma primigenia. Es apariencia, mentira, presentando lo inexistente como existente, prometiendo que lo imposible es posible.<ref>Givone (2001), p. 125-127.</ref>

[[Archivo:Island Pagoda, about 1871, from the album, Foochow and the River Min.jpg|thumb|left|300px|''Isla Pagoda en la desembocadura del río Min'' (1870), de [[John Thomson (fotógrafo)|John Thomson]]. La [[fotografía]] supuso una gran revolución a la hora de concebir el arte en el {{Siglo|XIX||s}} y el XX.]]
Representante del [[pragmatismo]], [[John Dewey]], en ''Arte como experiencia'' (1934), definió el arte como “culminación de la naturaleza”, defendiendo que la base de la estética es la experiencia sensorial. La actividad artística es una consecuencia más de la actividad natural del ser humano, cuya forma organizativa depende de los condicionamientos ambientales en que se desenvuelve. Así, el arte es “expresión”, donde fines y medios se fusionan en una experiencia agradable. Para Dewey el arte, como cualquier actividad humana, implica iniciativa y creatividad, así como una interacción entre sujeto y objeto, entre el hombre y las condiciones materiales en las que desarrolla su labor.<ref>Givone (2001), p. 129-131.</ref>

[[José Ortega y Gasset]] analizó en ''[[La deshumanización del arte]]'' (1925) el arte de vanguardia desde el concepto de “sociedad de masas”, donde el carácter minoritario del arte vanguardista produce una [[Élite|elitización]] del público consumidor de arte. Ortega aprecia en el arte una “deshumanización” debida a la pérdida de perspectiva [[Historia|histórica]], es decir, de no poder analizar con suficiente distancia crítica el sustrato sociocultural que conlleva el arte de vanguardia. La pérdida del elemento realista, imitativo, que Ortega aprecia en el arte de vanguardia, supone una eliminación del elemento humano que estaba presente en el arte [[Naturalismo (arte)|naturalista]]. Asimismo, esta pérdida de lo humano hace desaparecer los referentes en que estaba basado el arte clásico, lo que supone una ruptura entre el arte y el público, y genera una nueva forma de comprender el arte que solo podrán entender los iniciados. La percepción estética del arte deshumanizado es la de una nueva sensibilidad basada no en la afinidad sentimental –como se producía con el arte romántico–, sino en un cierto distanciamiento, una apreciación de matices. Esa separación entre arte y humanidad supone un intento de devolver al hombre a la vida, de rebajar el concepto de arte como una actividad secundaria de la experiencia humana.<ref>Givone (2001), p. 222-230.</ref>

En la escuela [[semiótica]], [[Luigi Pareyson]] elaboró en ''Estética. Teoría de la formatividad'' (1954) una estética [[hermenéutica]], donde el arte es interpretación de la [[verdad]]. Para Pareyson el arte es “formativo”, es decir, expresa una forma de hacer que, «a la vez que hace, inventa el modo de hacer». En otras palabras, no se basa en reglas fijas, sino que las define conforme se elabora la obra y las proyecta en el momento de realizarla. Así, en la formatividad la obra de arte no es un “resultado”, sino un “logro”, donde la obra ha encontrado la regla que la define específicamente. El arte es toda actividad que busca un fin sin medios específicos, debiendo hallar para su realización un proceso creativo e innovador que dé resultados originales de carácter inventivo.<ref>Givone (2001), p. 151-153.</ref> Pareyson influyó en la denominada Escuela de [[Turín]], que desarrollará su concepto [[Ontología|ontológico]] del arte: [[Umberto Eco]], en ''[[Obra abierta]]'' (1962), afirmó que la obra de arte solo existe en su interpretación, en la apertura de múltiples significados que puede tener para el espectador; [[Gianni Vattimo]], en ''Poesía y ontología'' (1968), relacionó el arte con el ser, y por tanto con la verdad, ya que es en el arte donde la verdad se muestra de forma más pura y reveladora.<ref>Givone (2001), p. 154.</ref>

[[Archivo:Little Nemo moon.jpg|thumb|200px|El [[Historieta|cómic]] ha sido una de las últimas incorporaciones a la categoría de [[bellas artes]]. En la imagen [[Little Nemo in Slumberland]], el primer gran clásico del cómic publicado en 1905.]]
Una de las últimas derivaciones de la filosofía y el arte es la [[postmodernidad]], teoría sociocultural que postulaba la vigencia de un periodo histórico que habría superado el proyecto [[Modernidad|moderno]], es decir, la raíz cultural, política y económica propia de la [[Edad Contemporánea]], marcada en lo cultural por la [[Ilustración]], en lo político por la [[Revolución francesa]] y en lo económico por la [[Revolución industrial]]. Frente a las propuestas del arte de vanguardia, los postmodernos no planteaban nuevas ideas, ni éticas ni estéticas; tan solo reinterpretaban la realidad que les envuelve, mediante la repetición de imágenes anteriores, que pierden así su sentido. La repetición encierra el marco del arte en el arte mismo, se asume el fracaso del compromiso artístico, la incapacidad del arte para transformar la vida cotidiana. El [[arte postmoderno]] vuelve sin pudor al sustrato material, a la obra de arte-objeto, al “arte por el arte”, sin pretender hacer ninguna evolución, ninguna ruptura. Algunos de sus más importantes teóricos han sido [[Jacques Derrida]] y [[Michel Foucault]].<ref>Bozal (1993), p. 8-18.</ref>

Como conclusión, cabría decir que las viejas fórmulas que basaban el arte en la creación de belleza o en la imitación de la naturaleza han quedado obsoletas, y hoy día el arte es una cualidad dinámica, en constante transformación, inmersa además en los medios de comunicación de masas, en los canales de consumo, con un aspecto muchas veces efímero, de percepción instantánea, presente con igual validez en la idea y en el objeto, en su génesis conceptual y en su realización material.<ref name=ref_duplicada_1>Tatarkiewicz (2002), p. 51-53.</ref> [[Morris Weitz]], representante de la [[Historia de la estética#Empirismo lógico|estética analítica]], opinaba en ''El papel de la teoría en la estética'' (1957) que «es imposible establecer cualquier tipo de criterios del arte que sean necesarios y suficientes; por lo tanto, cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica y no simplemente algo que sea difícil de obtener en la práctica». Según Weitz una cualidad intrínseca de la creatividad artística es que siempre produce nuevas formas y objetos, por lo que «las condiciones del arte no pueden establecerse nunca de antemano». Así, «el supuesto básico de que el arte pueda ser tema de cualquier definición realista o verdadera es falso».<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 62-63.</ref>

En el fondo, la indefinición del arte estriba en su reducción a determinadas categorías –como imitación, como recreación, como expresión–; el arte es un concepto global que incluye todas estas formulaciones y muchas más, un concepto en evolución y abierto a nuevas interpretaciones, que no se puede fijar de forma convencional, sino que debe aglutinar todos los intentos de expresarlo y formularlo, siendo una síntesis amplia y subjetiva de todos ellos.

{{cita|El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque.|[[Władysław Tatarkiewicz]], ''Historia de seis ideas'' (1976).<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 67.</ref>}}

== Clasificación ==

[[Archivo:Hortus Deliciarum, Die Philosophie mit den sieben freien Künsten.JPG|thumb|250px|''Las siete artes liberales'', imagen del ''Hortus deliciarum'' ({{Siglo|XII||s}}), de [[Herrad von Landsberg]].]]
La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que pueden considerarse artísticas, ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: como se ha visto anteriormente, durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas; así, entraban en esa denominación tanto las actuales [[bellas artes]] como la [[artesanía]] y las [[ciencia]]s, mientras que quedaban excluidas la [[música]] y la [[poesía]]. Una de las primeras clasificaciones que se hicieron de las artes fue la de los filósofos [[Sofismo|sofistas]] [[presocráticos]], que distinguieron entre “artes útiles” y “artes placenteras”, es decir, entre las que producen objetos de cierta utilidad y las que sirven para el entretenimiento. [[Plutarco]] introdujo, junto a estas dos, las “artes perfectas”, que serían lo que hoy consideramos ciencias. [[Platón]], por su parte, estableció la diferencia entre “artes productivas” y “artes imitativas”, según si producían objetos nuevos o imitaban a otros.<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 82.</ref>

Durante la era [[Antigua Roma|romana]] hubo diversos intentos de clasificar las artes: [[Quintiliano]] dividió el arte en tres esferas: “artes teóricas”, basadas en el estudio (principalmente, las ciencias); “artes prácticas”, basadas en una actividad, pero sin producir nada (como la [[danza]]); y “artes poéticas” –según la [[etimología]] griega, donde ποίησις (''poíêsis'') quiere decir ‘producción’–, que son las que producen objetos. [[Cicerón]] catalogó las artes según su importancia: “artes mayores” (política y estrategia militar), “artes medianas” (ciencias, poesía y [[retórica]]) y “artes menores” (pintura, escultura, música, [[Actuación|interpretación]] y [[atletismo]]). [[Plotino]] clasificó las artes en cinco grupos: las que producen objetos físicos (arquitectura), las que ayudan a la naturaleza ([[medicina]] y [[agricultura]]), las que imitan a la naturaleza (pintura), las que mejoran la acción humana (política y retórica) y las intelectuales ([[geometría]]).<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 84-85.</ref>

Sin embargo, la clasificación que tuvo más fortuna –llegando hasta la era moderna– fue la de [[Galeno]] en el {{Siglo|II||s}}, que dividió el arte en “[[artes liberales]]” y “[[artes vulgares]]”, según si tenían un origen intelectual o manual. Entre las liberales se encontraban: la [[gramática]], la [[retórica]] y la [[dialéctica]] –que formaban el [[trivium]]–, y la [[aritmética]], la [[geometría]], la [[astronomía]] y la [[música]] –que formaban el [[quadrivium]]–; las vulgares incluían la arquitectura, la escultura y la pintura, pero también otras actividades que hoy consideramos artesanía.<ref>Tatarkiewicz (2000), vol. I, p. 318.</ref>

Durante la [[Edad Media]] continuó la división del arte entre artes liberales y vulgares –llamadas estas últimas entonces “[[Artes mecánicas|mecánicas]]”–, si bien hubo nuevos intentos de clasificación: [[Boecio]] dividió las artes en ''ars'' y ''artificium'', clasificación similar a la de artes liberales y vulgares, pero en una acepción que casi excluía las formas manuales del campo del arte, dependiendo este tan solo de la mente. En el {{Siglo|XII||s}}, [[Radulfo de Campo Lungo]] intentó hacer una clasificación de las artes mecánicas, reduciéndolas a siete, igual número que las liberales. En función de su utilidad cara a la sociedad, las dividió en ''ars victuaria'', para alimentar a la gente; ''lanificaria'', para vestirles; ''architectura'', para procurarles una casa; ''suffragatoria'', para darles medios de transporte; ''medicinaria'', que les curaba; ''negotiatoria'', para el comercio; ''militaria'', para defenderse.<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 42.</ref>

En el {{Siglo|XVI||s}} empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no solo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que durante el [[Renacimiento]] adquirió el nombre de ''arti del disegno'' (artes del [[diseño]]), por cuanto comprendían que esta actividad –el diseñar– era la principal en la génesis de las obras de arte.<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 45.</ref>

[[Archivo:Las Meninas 01.jpg|thumb|left|250px|''[[Las Meninas]]'' (1656), de [[Velázquez]], fue un alegato de la figura del pintor como artista inspirado, frente a la condición de simple artesano que hasta entonces se tenía del oficio de pintor.]]
Sin embargo, faltaba aglutinar estas artes del diseño con el resto de actividades consideradas artísticas (música, poesía y [[teatro]]), tarea que se desarrolló durante los dos siglos siguientes con varios intentos de buscar un nexo común a todas estas actividades: así, el [[Humanismo renacentista|humanista]] [[Florencia|florentino]] [[Giannozzo Manetti]] propuso el término “artes ingeniosas”, donde incluía las artes liberales, por lo que solo cambiaba el vocablo; el filósofo [[Neoplatonismo|neoplatónico]] [[Marsilio Ficino]] elaboró el concepto de “artes musicales”, argumentando que la música era la inspiración para todas las artes; en 1555 [[Giovanni Pietro Capriano]] introdujo en su ''De vera poetica'' la acepción “artes nobles”, apelando a la elevada finalidad de estas actividades; [[Lodovico Castelvetro]] habló en su ''Correttione'' (1572) de “artes memoriales”, ya que según él estas artes buscaban fijar en objetos la memoria de cosas y acontecimientos; [[Claude-François Menestrier]], historiador [[Francia|francés]] del {{Siglo|XVII||s}}, formuló la idea de “artes pictóricas”, remarcando el carácter visual del arte; [[Emanuele Tesauro]] ideó en 1658 la noción de “artes poéticas”, inspirado en la célebre cita de [[Horacio]] ''[[ut pictura poesis]]'' (la pintura como la poesía), describiendo el componente poético y [[Metáfora|metafórico]] de estas artes; ya en el {{siglo|XVIII||s}}, coincidieron en un mismo año (1744) dos definiciones, la de “artes agradables” de [[Giambattista Vico]], y la de “artes elegantes” de [[James Harris (gramático)|James Harris]]; por último, en 1746, [[Charles Batteux]] estableció en ''Las bellas artes reducidas a un único principio'' la concepción actual de [[bellas artes]], remarcando su aspecto de imitación (''imitatio'').<ref>Tatarkiewicz (2002), pp. 46-48.</ref>

Batteux incluyó en las bellas artes pintura, escultura, música, poesía y danza, mientras que mantuvo el término artes mecánicas para el resto de actividades artísticas, y señaló como actividades entre ambas categorías la [[arquitectura]] y la retórica, si bien al poco tiempo se eliminó el grupo intermedio y la arquitectura y la retórica se incorporaron plenamente a las bellas artes. Sin embargo, con el tiempo, esta lista sufrió diversas variaciones, y si bien se aceptaba comúnmente la presencia de arquitectura, pintura, escultura, música y poesía, los dos puestos restantes oscilaron entre la danza, la retórica, el teatro y la [[jardinería]], o, más adelante, nuevas disciplinas como la [[fotografía]] y el [[cine]]. El término “bellas artes” hizo fortuna, y quedó fijado como definición de todas las actividades basadas en la elaboración de objetos con finalidad estética, producidos de forma intelectual y con voluntad expresiva y trascendente. Así, desde entonces las artes fueron “bellas artes”, separadas tanto de las ciencias como de los oficios manuales. Por eso mismo, durante el {{Siglo|XIX||s}} se fue produciendo un nuevo cambio terminológico: ya que las artes eran solo las bellas artes, y el resto de actividades no lo eran, poco a poco se fue perdiendo el término ‘bellas’ para quedar solo el de ‘artes’, quedando la acepción ‘arte’ tal como la entendemos hoy día. Incluso sucedió que entonces se restringió el término “bellas artes” para designar las artes visuales, las que en el Renacimiento se denominaban “artes del diseño” (arquitectura, pintura y escultura), siendo las demás las “artes en general”. También hubo una tendencia cada vez más creciente a separar las artes visuales de las literarias, que recibieron el nombre de “bellas letras”.<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 49.</ref> Se podría decir que las “bellas artes” son aquellas que cumplen con ciertas características estéticas dignas de ser admiradas: tienen como objetivo expresar la belleza aunque esta sea definida por el artista o por la particular perspectiva del observador, cayendo en la ambigüedad de lo que es bello. [[Gary Martin]] señaló que debido a que constituye una experiencia subjetiva, a menudo se dice que «la belleza está en el ojo del observador». Las “bellas artes” han tenido históricamente tal adjetivo debido a que representan la máxima expresión sentimental del ser humano desde épocas remotas.

Sin embargo, pese a la aceptación general de la clasificación propuesta por Batteux, en los siglos siguientes todavía se produjeron intentos de nuevas clasificaciones del arte: [[Immanuel Kant]] distinguió entre “artes mecánicas” y “artes estéticas”; [[Robert von Zimmermann]] habló de artes de la representación material (arquitectura y escultura), de la representación perceptiva (pintura y música) y de la representación del pensamiento (literatura); y [[Alois Riegl]], en ''Arte industrial de la época romana tardía'', dividió el arte en arquitectura, plástica y ornamento. [[Georg Wilhelm Friedrich Hegel|Hegel]], en su ''[[Georg Wilhelm Friedrich Hegel#Estética|Estética]]'' (1835-1838), estableció tres formas de manifestación artística: arte simbólico, clásico y romántico, que se relacionan con tres formas diferentes de arte, tres estadios de evolución histórica y tres maneras distintas de tomar forma la idea:

<center>
{| class="wikitable" style="margin:0 25px"
|-
! Arte
! Historia
! Idea
! Forma
|-
| Simbólico || Infancia || Desajuste || Arquitectura
|-
| Clásico || Madurez || Ajuste || Escultura
|-
| Romántico || Vejez || Desbordamiento || Pintura, música y poesía 
|}
</center>

En la idea, primero hay una relación de desajuste, donde la idea no encuentra forma; después es de ajuste, cuando la idea se ajusta a la forma; por último, en el desbordamiento, la idea sobrepasa la forma, tiende al infinito. En la evolución histórica, equipara infancia con el [[arte prehistórico]], antiguo y oriental; madurez, con el [[arte griego]] y [[Arte de la Antigua Roma|romano]]; y vejez, con el arte [[Cristianismo|cristiano]]. En cuanto a la forma, la arquitectura (forma monumental) es un arte [[Tectónica|tectónico]], depende de la materia, de pesos, medidas, etc.; la escultura (forma [[Antropomorfismo|antropomórfica]]) depende más de la forma [[Volumen|volumétrica]], por lo que se acerca más al hombre; la pintura, música y poesía (formas suprasensibles) son la etapa más espiritual, más desmaterializada. La creación artística no ha de ser una [[mimesis]], sino un proceso de libertad espiritual. En su evolución, cuando el artista llega a su límite, se van perdiendo las formas sensibles, el arte se vuelve más conceptual y reflexivo; al final de este proceso se produce la “muerte del arte”.<ref>Givone (2001), pp. 50-54.</ref>

Pese a todo, estos intentos de clasificación resultaron un tanto baldíos y, cuando parecía que por fin se había llegado a una definición del arte universalmente aceptable, después de tantos siglos de evolución, los cambios sociales, culturales y tecnológicos producidos durante los siglos {{Siglo|XIX}} y {{Siglo|XX}} han comportado un nuevo intento de definir el arte con base en parámetros más abiertos y omnicomprensivos, intentando abarcar tanto una definición teórica del arte como una catalogación práctica que incluyese las nuevas formas artísticas que han ido surgiendo en los últimos tiempos (fotografía, cine, cómic, nuevas tecnologías, etc.). Como el de [[Juan Acha]] con su ensayo ''Arte y sociedad. Latinoamérica: el producto artístico y estructura'' (1979), cuya compleja organización de las artes es según su aplicación y origen; en grupos como "Cuerpo-Objeto", "Superficie-Objetos", "Superficies-Icónicas", "Superficies-Literarias", "Espectáculos" y "Audiciones". Y otra más simple en ''Lógica del Límite'' (1991) de [[Eugenio Trías]], en la que el artista es como un ''habitante'' y a un determinado oficio artístico como un ''habitáculo'', que constituyen tres grandes áreas del arte: artes estáticas o del espacio, artes mixtas y artes temporales o dinámicas.
<center>
{| class="wikitable" style="margin:0 25px"
|-
! Artes estáticas o espaciales
! Artes mixtas
! Artes dinámicas o temporales
|-
| Arquitectura || Cine || Música
|-
| Escultura || Teatro || Danza 
|-
| Pintura || Ópera || Literatura
|}
</center>

Estos intentos, un tanto infructuosos, han producido en cierta forma el efecto contrario, acentuando aún más la indefinición del arte, que hoy día es un concepto abierto e interpretable, donde caben muchas fórmulas y concepciones, si bien se suele aceptar un mínimo denominador común basado en cualidades estéticas y expresivas, así como un componente de creatividad.<ref name=ref_duplicada_1 />

Cinco artes son comúnmente citadas en el {{Siglo|XIX||s}}, a las cuales en el {{Siglo|XX||s}} se le añadirán cuatro más para llegar a un total de nueve artes, sin que sean capaces los expertos y críticos de ponerse de acuerdo sobre la clasificación de un "décimo arte".

Al final del {{Siglo|XX||s}}, la siguiente lista establece las nuevas clasificaciones, al igual que el número de musas antiguas: 
# [[Arquitectura]] 
# [[Escultura]] 
# [[Artes visuales]], que incluyen la [[pintura]], el [[dibujo]] y el [[grabado]]
# [[Música]] 
# [[Literatura]], que incluye la [[poesía]] 
# [[Artes escénicas]], que incluyen el [[teatro]], la [[danza]], el [[mimo]] y el [[circo]] 
# [[Cinematografía]]
# [[Fotografía]]
# [[Historieta]]

Ciertos críticos e historiadores consideran otras artes en la lista, como la [[gastronomía]], la [[perfumería]], la [[televisión]], la [[moda]], la [[publicidad]], la [[animación]] y los [[videojuegos]]. En la actualidad existe aún cierta discrepancia sobre cuál sería el “décimo arte”.<ref>Tatarkiewicz (2002), p. 53.</ref>

== Elementos del fenómeno artístico ==

[[Archivo:Albrecht Dürer, Selbstbildnis mit 26 Jahren (Prado, Madrid).jpg|thumb|250px|''[[Autorretrato de Durero (Prado)|Autorretrato]]'' (1498), de [[Alberto Durero]].]]

* [[Artista]]: se denomina artista a aquella persona que, o bien practica un arte, o bien destaca en él. Por definición, un artista es quien elabora una obra de arte; así pues, y en paralelo a la evolución del concepto de arte que hemos visto anteriormente, en épocas pasadas un artista era cualquier persona que trabajase en las artes liberales o vulgares, desde un [[gramática|gramático]], un [[astronomía|astrónomo]] o un [[música|músico]] hasta un [[albañil]], un [[alfarería|alfarero]] o un [[ebanistería|ebanista]]. Sin embargo, hoy día se entiende por artista a alguien que practica las [[bellas artes]]. Aun así, el término artista puede tener diversas acepciones, desde el artista como creador, hasta el artista como el que tiene en la práctica de un arte su profesión. Así, a menudo llamamos artistas a [[actor]]es o músicos que solo interpretan obras creadas por otros autores. También se suele emplear el vocablo artista para diferenciar a quien practica una actividad liberal para distinguirlo del que practica un oficio: en ese sentido, se suele decir “pintor artista” para diferenciarlo de un “pintor de brocha gorda”. Al artista se le supone una disposición especialmente sensible frente al mundo que lo rodea: ha desarrollado su propio punto de vista, así como su creatividad, una buena técnica y un medio de comunicación hacia el espectador por medio de sus obras. El artista adquiere su propio dominio de la técnica y su desarrollo artístico intelectual para llegar al camino del profesionalismo. Con esta personalidad, el artista se manifiesta hacia el mundo tratando de reflejar lo que acontece –o le gustaría que aconteciera– en él.<ref>Souriau (1998), p. 142.</ref>
* [[Obra de arte]]: una obra es una realización material, que tiene una existencia objetiva y que es perceptible sensiblemente. El término proviene del [[latín]] ''opera'', que deriva de ''opus'' (‘trabajo’), por lo que equivale a trabajo como objeto, es decir, como resultado de un trabajo. Una obra de arte puede ser tanto el objeto material en sí –una pintura, una escultura, un grabado– como una producción intelectual donde la artisticidad se encuentra en el momento de su ejecución o captación por medio de los sentidos: así, en la literatura, el arte se encuentra más en la lectura de la obra que en el lenguaje escrito que le sirve de vehículo de comunicación, o en el medio material ([[libro]], [[revista]]) que le sirva de soporte; en música, el arte se encuentra en su percepción auditiva, no en la [[partitura]] en que se ve reflejada. Así, en el [[arte conceptual]] se valora más la concepción de la obra de arte por parte del artista que su realización material. En ese sentido una obra de arte puede tener varios niveles de elaboración: decía [[Erwin Panofsky|Panofsky]] que, al escribir una [[carta]], se cumple básicamente el objetivo de comunicar; pero si se escribe poniendo especial atención en la [[caligrafía]], puede tener un sentido artístico valorable ''per se''; y si, además, se escribe en un tono poético o literario, la carta trasciende su sustrato material para convertirse en una obra de arte valorable por sus cualidades intrínsecas. Por otro lado, hay que valorar la percepción del receptor: un objeto puede no estar elaborado con finalidades artísticas pero ser interpretado así por la persona que lo percibe –como en los ''[[ready-made]]'' de [[Marcel Duchamp|Duchamp]]–. Igualmente, una obra de arte puede tener diversas interpretaciones según la persona que lo valore, como remarcó [[Umberto Eco]] con su concepto de “[[obra abierta]]”. Y una misma obra puede ser percibida como artística por unos y como no artística por otros: decía [[Marcel Mauss]] que «es obra de arte el objeto que es reconocido como tal por un grupo social definido». Así, habría que reconocer que una obra de arte es un objeto que tiene un valor añadido, sea este valor un concepto artístico, estético, cultural, sociológico o de diversa índole.<ref>Souriau (1998), p. 838.</ref> En conclusión, se podría decir que una obra de arte es un hecho sensorial, realizado artificialmente, con intencionalidad comunicativa y orientación lúdica. La obra de arte, para ser considerada como tal, debe trascender su sustrato material para adquirir una significación trascendente, basada tanto en su aspecto estético como en el histórico, al ser reflejo de un lugar y tiempo determinados, así como de una determinada cultura que subyace en la génesis de toda obra de arte.<ref>Brandi (2002), p. 15.</ref>

{{cita|Sea cual sea su antigüedad y clasicismo, una obra de arte es en acto y no sólo potencialmente una obra de arte cuando pervive en alguna experiencia individualizada. En cuanto pedazo de pergamino, de mármol, de tela, permanece (aunque sujeta a las devastaciones del tiempo) idéntica a sí misma a través de los años. Pero como obra de arte se recrea cada vez que es experimentada estéticamente.|[[John Dewey]], ''El arte como experiencia'' (1934).<ref name=ref_duplicada_2>Brandi (2002), p. 14.</ref>}}

[[Archivo:Performance.jpg|thumb|250px|Una ''[[performance]]'', ejemplo de actividad artística que requiere un público.]]

* [[Espectador|Público]]: un factor cada vez más determinante en el mundo del arte es el del público, la gente que acude a [[museo]]s o [[Exposición|exposiciones]] y que manifiesta cada vez más un sentido crítico y apreciativo del arte, y puede influir en las modas y los gustos artísticos. En siglos anteriores, el arte era un círculo cerrado al que solo tenían acceso las clases más favorecidas, que eran las que encargaban y adquirían obras de arte. Sin embargo, desde la apertura de los primeros museos públicos en el {{siglo|XVIII||s}}, la participación del público en general en la apreciación del arte ha sido cada vez mayor, favorecida sobre todo por el aumento de medios de comunicación de masas (prensa, libros, revistas y, más recientemente, medios digitales e [[Internet]]). Asimismo, las nuevas corrientes artísticas, sobre todo desde pasada la [[Segunda Guerra Mundial]], han favorecido la participación del público en la propia génesis del hecho artístico, a través de acciones artísticas como los ''[[happening]]s'' y las ''[[performance]]s''.<ref>Villa (2003), p. 55.</ref>
* [[Percepción]]: la percepción del arte es un fenómeno subjetivo, motivado no solo por el hecho sensorial sino por el aspecto de mentalidad inherente, que depende de la cultura, la educación, etc. La percepción es un proceso activo y selectivo, el ser humano tiende a seleccionar la percepción más sencilla, así como a ver las cosas globalmente –por ejemplo, tendemos a ver las cosas [[Simetría|simétricas]] aunque no lo sean–. De la percepción sensorial dependen factores como la textura, la forma y el color, así como la [[geometría]], la [[proporción]] y el [[ritmo]].
* [[Materia]] y [[técnica]]: el proceso artístico comienza con la elaboración mental de la obra por parte del artista, pero esta se ha de plasmar en materia, proceso que se realiza a través de la técnica. La materia tiene una noción constitutiva, creadora, y es parte esencial de la creación artística. También puede aportar diferentes concepciones estéticas, como el uso del [[hierro]] y el [[vidrio]] en la [[Arquitectura moderna|arquitectura contemporánea]]. A su vez, la técnica es la manera cómo el artista da forma a la obra de arte, cómo moldea la materia para conseguir expresar aquello que desea crear. Los materiales y la técnica van evolucionando con el tiempo, y pueden ser definitorios de un determinado lenguaje o estilo artístico.<ref>Azcárate (1983), p. 9-12.</ref>
* Función del arte: el arte puede cumplir diversas funciones, según la voluntad del propio artista o según la interpretación que de la obra haga el público:
** Práctica: el arte puede tener una utilidad práctica siempre y cuando cumpla diversas premisas de satisfacer necesidades o de tener una finalidad destinada a su uso o disfrute, como es el caso de la arquitectura, o bien de la [[artesanía]] y las [[artes aplicadas]], [[Artes decorativas|decorativas]] e [[Artes industriales|industriales]].
** Estética: el arte está estrechamente vinculado a una finalidad estética, es decir, de provocar sentimientos o emociones, o bien suscitar belleza y admiración en todo aquel que contempla la obra de arte.
** Simbólica: el arte puede estar revestido de una función simbólica cuando pretende trascender su simple materialidad para ser un símbolo, una forma de expresión o comunicación, un lenguaje por el cual se expresa una idea que debe ser descifrable para el público al cual va dirigida.
** Económica: el arte, como producto elaborado por el hombre, no deja de ser un objeto que puede estar motivado con fines económicos, bien en su concepción o bien en su posterior [[mercantilización]].
** Comunicativa: el arte es un medio de comunicación, por el cual se expresan ideas o conceptos, o bien se recrean estados de ánimo. En este sentido, puede ser tanto crítico como propagandístico del mensaje que desea transmitir.
** Imitativa: el arte ha pretendido históricamente ser fiel reflejo de la realidad, al menos hasta la aparición de la fotografía y el cine en el {{Siglo|XX||s}}. Así, el arte ha sido un medio ideal para plasmar el mundo, la forma de vida de las diversas culturas y civilizaciones que se han sucedido a lo largo del tiempo.
** Crítica: el arte puede tener una voluntad crítica, bien de tipo político, religioso o social, haciéndose eco de las reivindicaciones sociales de cada periodo histórico.

[[Archivo:Museo del Prado (Madrid) 04.jpg|thumb|250px|[[Museo del Prado]].]]

* [[Museo]]s: son instituciones dedicadas al estudio, conservación y exposición de obras de arte. El origen de los museos está en el coleccionismo, donde a la obra de arte se le añade un valor histórico o cultural, o bien de admiración o singularidad. A partir del {{Siglo|XVIII||s}} comenzaron a abrirse las colecciones al público, surgiendo los museos de protección estatal ([[British Museum]], 1753; [[Uffizi]], 1769; [[Louvre]], 1789; [[Museo del Prado|Prado]], 1819; [[Altes Museum]] de [[Berlín]], 1830; [[National Gallery de Londres|National Gallery]], 1838; [[Museo del Hermitage|Hermitage]], 1851), al tiempo que surgieron las academias, instituciones que regulan el proceso creativo, educativo y formativo del arte. El [[Consejo Internacional de Museos]] (ICOM) define el museo como «una institución sin ánimo de lucro, permanente, al servicio de la sociedad y su desarrollo, abierto al público, que adquiere, conserva, investiga, comunica y exhibe testimonios materiales de la evolución de la naturaleza y del hombre, con finalidades de estudio, de educación y de delectación». Existen dos disciplinas vinculadas al estudio de los museos: la [[museografía]] estudia la vertiente técnica y estructural de los museos (arquitectura, equipamiento, medios de exposición); y la [[museología]] analiza el museo desde una perspectiva histórica, social y cultural.<ref>AA.VV. (1991), p. 678.</ref>
* [[Academia]]s de arte: son instituciones encargadas de preservar el arte como fenómeno cultural, de reglamentar su estudio y su conservación, y de promocionarlo mediante exposiciones y concursos; originalmente, servían también como centros de formación de artistas, aunque con el tiempo perdieron esta función, traspasada a instituciones privadas. Las primeras academias surgieron en [[Italia]] en el {{Siglo|XVI||s}}: en 1562, la [[Accademia del Disegno]] en [[Florencia]]; en 1577, la [[Accademia di San Luca]] en [[Roma]]. Posteriormente, cabe destacar la Académie Royal d’Art, fundada en [[París]] en 1648; la [[Akademie der Künste]] de [[Berlín]] (1696); la [[Real Academia de Bellas Artes de San Fernando]] de [[Madrid]] (1744); la Academia Rusa de Artes de [[San Petersburgo]] (1757); y la [[Royal Academy of Arts]] de [[Londres]] (1768). Las academias de arte a menudo han sido criticadas como centros conservadores, anclados en el gusto por el arte clásico, excesivamente reglamentadas, llegando incluso a que el término “[[arte académico]]” sea sinónimo de un arte de corte clásico y tipo [[Canon (arte)|canónico]], de repetición de formas tradicionales. Hoy en día, las academias tienen más que nada una función institucional, representativa y de asesoramiento.<ref>AA.VV. (1991), p. 19.</ref>
* [[Fundación (derecho)|Fundaciones]] de arte: conocidas como el “tercer sector”, ya que son privadas pero no persiguen fines lucrativos, por lo que se sitúan entre los museos y las galerías de arte, las fundaciones son instituciones de ámbito privado y [[Filantropía|filantrópico]] encargadas de difundir y fomentar el arte. Entre sus funciones se cuentan tanto la conservación de obras de arte –generalmente estas fundaciones tienen sus propias colecciones– como el estímulo y fomento de la creatividad artística, a través de [[Beca (subvención)|becas]] para jóvenes artistas. Instancia intermedia entre la sociedad civil y el estado, las fundaciones favorecen la participación ciudadana en las esferas culturales, fomentando la democratización del estamento artístico. Entre las diversas fundaciones internacionales destacan la [[Fundación Maeght]], la del Chase Manhattan Bank, la [[Fundación Beyeler]], la [[Fundación Cartier]], la [[Lucio Fontana|Fundación Lucio Fontana]], la [[Fundación Calouste Gulbenkian]], la [[Fundación Solomon R. Guggenheim]], la [[Robert Mapplethorpe|Fundación Robert Mapplethorpe]], la [[Vincent Van Gogh|Fundación Vincent Van Gogh]], etc.; en [[España]], la [[Fundación Miró]], la [[Fundación Antoni Tàpies]], la [[Banco Bilbao Vizcaya Argentaria|Fundación BBVA]], la [[CaixaForum Barcelona|Fundación Caixa Fòrum]], la [[Telefónica|Fundación Telefónica]], la [[Fundación Juan March]], la [[Fundación Gala-Salvador Dalí]], la [[Museo Thyssen-Bornemisza|Fundación Thyssen-Bornemisza]], etc.<ref>Villa (2003), pp. 120-123.</ref>
* [[Coleccionismo]]: es una actividad, generalmente de índole privada, destinada a la creación de colecciones de obras de arte. Desde siempre, el hombre ha sentido fascinación por el arte, hecho que le ha llevado a la adquisición de obras de arte, para su disfrute personal o, desde el crecimiento del mercado artístico en el [[Renacimiento]], como inversión económica. Las colecciones particulares de arte han rivalizado a menudo con los museos en cuanto a cantidad y calidad de obras de arte y, gracias a donaciones filantrópicas, han sido origen muchas veces de la ampliación o creación de nuevos museos. El coleccionismo empezó de forma amplia en la [[antigua Roma]], fruto generalmente de botines de guerra de los países conquistados. Durante la [[Edad Media]] fue común el atesoramiento de piezas de valor ([[orfebrería]], obras de [[marfil]] y [[ébano]]) y de [[Reliquias cristianas|reliquias]]. Sin embargo, el auge del coleccionismo se produjo en el Renacimiento, cuando nobles y mecenas encargaron y adquirieron gran número de obras de arte para sus palacios y villas. Circunscrito en principio a la [[aristocracia]], a partir del {{Siglo|XVIII||s}} el coleccionismo pasó también a la [[burguesía]] y a los ricos hombres de negocios, ya que el arte tenía entonces un marcado componente de ostentación social. Desde entonces, la figura del coleccionista privado ha sido fundamental para el éxito del mercado artístico.<ref>AA.VV. (1991), p. 213.</ref>

[[Archivo:Giovanni Paolo Panini – Ancient Rome.jpg|thumb|300px|''Galería de arte con vistas de la Roma antigua'' (1754-1757), de [[Giovanni Paolo Pannini]].]]

* [[Mercado del arte|Mercado artístico]]: la valoración de la obra de arte como mercancía susceptible de ser adquirida por una contraprestación económica comienza con la toma de conciencia de la singularidad del arte, de su valor como obra única e irrepetible, unido a aspectos como su antigüedad, su calidad, su autenticidad, etc. El comercio artístico surgió en [[Grecia]] y [[Roma]], pero se consolidó en el [[Renacimiento]]: en el {{Siglo|XVI||s}} existían ya en [[Venecia]] y [[Florencia]] lonjas especializadas en la transacción del arte. En el {{Siglo|XVII||s}} el principal centro comercializador de arte fueron los [[Países Bajos]], donde una creciente burguesía hacía del arte un reflejo de su estatus social. En el {{Siglo|XIX||s}} el mercado del arte cobró una gran difusión, en paralelo a la apertura de los museos públicos y a la realización de exposiciones internacionales donde se exhibían los mejores productos, tanto artísticos como industriales, de todos los países. Proliferó entonces la apertura de [[galería de arte|galerías]] privadas de arte, y apareció la figura del [[marchante de arte]], que a menudo jugaría un papel relevante en su relación con los artistas, y llegaría a cobrar un protagonismo propio en la [[historia del arte]] (como [[Daniel-Henry Kahnweiler]] o [[Ambroise Vollard]]). También aparecieron casas de [[subasta]]s, como las famosas [[Christie's]] y [[Sotheby's]] [[Reino Unido|británicas]], la [[Francia|francesa]] [[Drouot]], la [[Alemania|alemana]] [[Lempertz]], la [[italia]]na [[Finarte (Arte)|Finarte]] o las [[España|españolas]] [[Casa de subastas Brok|Brok]], [[Ansorena]] y [[Casa de subastas Durán|Durán]].<ref>AA.VV. (1991), p. 615.</ref>
* [[Feria]]s de arte: uno de los principales medios de comercialización del arte son las ferias, donde los artistas dan a conocer sus obras, mientras que el público puede apreciarlas y estar al corriente de las diversas novedades que se van sucediendo en el tiempo. Las ferias han ido adquiriendo cada vez mayor relevancia, existiendo un circuito donde a lo largo del año diversas ciudades de todo el mundo acogen ferias de diversa índole. Actualmente su cometido no es solo comercial, sino también cultural e institucional, ya que suponen una fuente de difusión del arte. Una de las primeras ferias conocidas fue la celebrada en el Salone degli Innocenti de la Academia de [[Florencia]], donde en 1564 se vendieron 17 de 25 cuadros pintados en homenaje a [[Miguel Ángel]] tras su fallecimiento. En 1737 se abrió la muestra bienal del Salón Carré del [[Louvre]], organizada por la Académie Royal d’Art, una de las primeras ferias abiertas a un público mayoritario. En la actualidad destacan: la [[Bienal de Venecia]], la [[Documenta]] de [[Kassel]], la [[Bienal de São Paulo]], la Trienal de [[Milán]], la feria [[ARCO]] de [[Madrid]], la FIAC de [[París]], [[Art Basel|ArtBasel]] de [[Basilea]], etc.<ref>Villa (2003), p. 91-96.</ref>
* [[Exposición|Exposiciones]]: uno de los factores clave en la difusión del arte, sobre todo actualmente, es la organización de exposiciones, públicas o privadas, de arte antiguo o contemporáneo, individuales o colectivas, temáticas o antológicas. Las primeras exposiciones surgieron en [[Gran Bretaña]] a finales del {{Siglo|XVIII||s}}, propiciadas por el exilio de artistas provocado por la [[Revolución francesa]]. En el {{Siglo|XIX||s}} surgieron las [[Exposición Universal|exposiciones universales]], primeros fenómenos de masas donde se exponían las principales novedades tanto del mundo del arte como de la ciencia, la industria y cualquier otra actividad humana. Desde entonces se han sucedido las exposiciones por todo el mundo, circunscritas a menudo en los propios museos de arte, como forma de favorecer una mayor afluencia de público. Actualmente, son habituales las exposiciones antológicas e itinerantes, que suelen recorrer los principales centros artísticos mundiales. Otro factor a tener en cuenta, sobre todo dada la temporalidad de estas exposiciones, es la cada vez mayor importancia de los catálogos, únicos testimonios del conjunto de obras de arte expuestas de forma, muchas veces, irrepetible. La exposición itinerante más visitada fue la de ''[[Arte degenerado]]'', organizada en 1937 por el ministro de [[propaganda]] [[Nazismo|nazi]] [[Joseph Goebbels]], que fue visitada por unos tres millones de personas en diversas ciudades alemanas a lo largo de cuatro años.<ref>Villa (2003), pp. 71-73.</ref>

{{VT|Falsificación (arte)|Robo de arte}}

== Disciplinas artísticas ==

{{Imagen múltiple
 | posición_tabla = right
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 | ancho = 250
 | foto1 = Wrightfallingwater.jpg | texto1 = [[Arquitectura]]: [[Casa de la Cascada]] (1939), de [[Frank Lloyd Wright]].  
 | foto2 = Van Gogh - Starry Night - Google Art Project.jpg | texto2 = [[Pintura]]: ''[[La noche estrellada]]'' (1889), de [[Vincent van Gogh]].  
 | foto3 =Cappella palluzzi-albertoni di giacomo mola (1622-25), con beata ludovica alberoni di bernini (1671-75) e pala del baciccio (s. anna e la vergine) 05.jpg| texto3 = [[Escultura]]: ''Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni'' (1671-1674), de [[Gian Lorenzo Bernini]].
 | foto4 = MozartFluteQuartetInD.JPG | texto4 = [[Música]]: ''Cuarteto para flauta'' (1777), de [[Wolfgang Amadeus Mozart]].
 | foto5 = calligraphy.malmesbury.bible.arp.jpg | texto5 = [[Literatura]]: Ejemplo de [[caligrafía]] en [[latín]] que representa una ''[[Biblia]]'' de 1407.
}}
Las artes creativas a menudo son divididas en categorías más específicas, como las [[artes decorativas]], las [[artes plásticas]], las [[artes escénicas]] o la [[literatura]]. Así, la pintura es una forma de arte visual, y la poesía es una forma de literatura. Algunos ejemplos son:

;[[Artes visuales]] 
* [[Arquitectura]]: es el arte de proyectar y construir [[edificio]]s. Denominada a veces como el “arte del espacio”, la arquitectura es un proceso técnico y de diseño que procura mediante diversos materiales la construcción de estructuras que organizan el espacio para su utilización por el ser humano. Inicialmente destinada a la construcción de viviendas, con el tiempo se ha ido diversificando en distintas tipologías con fines muy diversos, desde espacios de culto religioso hasta instalaciones militares, pasando por edificios públicos ([[ayuntamiento]]s, [[escuela]]s, [[universidad]]es, [[hospital]]es, [[biblioteca]]s, [[museo]]s, etc.), [[fábrica]]s, instalaciones [[Deporte|deportivas]], obras de [[ingeniería]] ([[puente]]s, [[carretera]]s), estaciones de transporte ([[ferrocarril]]es, [[puerto]]s, [[aeropuerto]]s), etc. Igualmente, la arquitectura ha asumido con el tiempo diversas competencias, como el [[urbanismo]], el [[paisajismo]], obras de [[salud pública]] ([[Alcantarilla (construcción)|alcantarillado]], [[Canal (ingeniería)|canalizaciones]]), etc.
* [[Body art|Arte corporal]]: es el que utiliza el [[cuerpo humano]] como soporte. Incluye actividades como el [[maquillaje]], el [[vestuario]], la [[peluquería]], el [[tatuaje]], el [[piercing]], etc.
* [[Arte digital]]: es el realizado por medios [[Señal digital|digitales]], como el [[vídeo]] o la [[informática]], vinculado a menudo a las [[Instalación artística|instalaciones]], o que utiliza diversos soportes, como [[Internet]]; un ejemplo son los [[videojuegos]].
* [[Arte efímero]]: es el que tiene una duración determinada en el tiempo, ya que en la génesis de su concepción estriba ya el hecho de que sea perecedero. Incluye diversas formas de [[arte conceptual]] y de [[Arte de acción|acción]], como el ''[[happening]]'' y la ''[[performance]]''. También engloba diversas actividades como la [[gastronomía]], la [[perfumería]], la [[pirotecnia]], etc. Un punto esencial de este tipo de actividades es la participación del público.
* [[Artes decorativas]] o [[Artes aplicadas|aplicadas]]: término aplicado preferentemente a las [[artes industriales]], así como a la pintura y la escultura, cuando su objetivo no es el de generar una obra única y diferenciada, sino que buscan una finalidad [[Ornamento|decorativa]] y ornamental.
* [[Artes gráficas]]: son las que se realizan por medio de un proceso de [[impresión]]; así, son artes gráficas tanto el [[grabado]] como la [[fotografía]], el [[cartel]]ismo o el [[cómic]], o cualquier actividad artística que utilice un medio impreso. En su realización intervienen, por un lado, la creación de un [[diseño]] y, por otro, su traslado a un determinado sustrato —como el [[papel]]—. Las artes gráficas aparecieron con la invención de la [[imprenta]] por [[Johannes Gutenberg]] hacia 1450, y fue agrupando todos los oficios que se relacionaban con la impresión [[Tipografía|tipográfica]]. Más tarde, la necesidad de generar impresiones de mejor calidad propició la aparición de la preimpresión o [[fotomecánica]].
* [[Artes industriales]]: son las desarrolladas con una elaboración [[industria]]l o [[Artesanía|artesanal]] pero persiguiendo una cierta finalidad estética, sobre todo en la elaboración de determinados objetos como vestidos, viviendas y utensilios, así como diversos elementos de decoración. Muchas artes decorativas son también industriales.
* [[Artes y oficios]]: son las que comportan un trabajo manual, que puede tener un carácter artesanal o industrial. Engloba diversas actividades como la [[cerámica]], la [[Cuero|corioplastia]], la [[ebanistería]], la [[forja]], la [[jardinería]], la [[joyería]], el [[mosaico]], la [[orfebrería]], la [[tapicería]], la [[Vitral|vidriería]], etc.
* [[Cine]]matografía: técnica basada en la reproducción de imágenes en movimiento, el cine surgió con el invento del [[cinematógrafo]] por los [[hermanos Lumière]] en 1895. Si bien en principio únicamente suponía la captación de imágenes del natural, como si fuese un [[documental]], enseguida la cinematografía evolucionó hacia la narración de historias mediante la utilización de [[Guion cinematográfico|guiones]] y procesos técnicos como el [[montaje]], que permitían rodar escenas y ordenarlas de forma que presentase una historia coherente. Con la incorporación de elementos tomados del [[teatro]] —proceso iniciado por [[Georges Méliès|Méliès]]—, el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad, siendo bautizado como el ''séptimo arte'', término propuesto por [[Ricciotto Canudo]] en 1911.
* [[Dibujo]]: representación gráfica realizada por medio de líneas, trazos y sombras, elaborados mediante [[lápiz]], [[pluma]] u objetos similares. El dibujo está en la base de casi cualquier obra artística, pues la mayoría de obras pictóricas se realizan sobre un [[Croquis|esbozo]] dibujado sobre el [[lienzo]], sobre el que posteriormente se pinta; igualmente, muchas esculturas son diseñadas primero en dibujo, e incluso la arquitectura se basa en planos dibujados. Aparte de esto, el dibujo tiene una indudable autonomía artística, y son innumerables los dibujos realizados por la mayoría de grandes artistas a lo largo de la Historia.
* [[Diseño]]: es la traza o [[delineación]] de cualquier elemento relacionado con el ser humano, sea un edificio, un vestido, un peinado, etc. Utilizado habitualmente en el contexto de las artes aplicadas, ingeniería, arquitectura y otras disciplinas creativas, el diseño se define como el proceso previo de configuración mental de una obra, mediante esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquier soporte. El diseño tiene un componente funcional y otro estético, ha de satisfacer necesidades y a la vez puede agradar a los sentidos. Comprende multitud de disciplinas y oficios dependiendo del objeto a diseñar y de la participación en el proceso de una o varias personas o especialidades.
* [[Escultura]]: es el arte de modelar figuras en [[volumen]], mediante diversos materiales como el [[barro]], la [[piedra]], la [[madera]], el [[metal]], etc. Es un arte espacial, donde el autor se expresa mediante volúmenes y formas dimensionales. En la escultura se incluyen todas las artes de [[Talla de madera|talla]] y [[cincel]], junto con las de [[fundición]] y [[molde]]ado, y a veces el arte de la [[alfarería]]. Puede ser en talla exenta –también llamada de [[bulto redondo]]– o en [[relieve (arte)|relieve]] sobre diversas superficies.
* [[Fotografía]]: es una técnica que permite obtener imágenes del mundo sensible y fijarlas en un soporte material –una película sensible a la [[luz]] o un sensor digital–. La fotografía primitiva se basaba en el principio de la [[cámara oscura]], con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. La fotografía moderna comenzó con la construcción del [[daguerrotipo]] por [[Louis-Jacques-Mandé Daguerre]], a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción. Pese a tomar sus imágenes de la realidad, la fotografía fue enseguida considerada un arte, pues se reconoce que la visión aportada por el fotógrafo a la hora de elegir una toma o encuadre es un proceso artístico, realizado con una voluntad estética.
* [[Grabado]]: el grabado es una técnica de elaboración de [[estampa]]s artísticas mediante una plancha de madera o metal trabajada según diversos procedimientos: [[Aguafuerte (Técnica de grabado)|aguafuerte]], [[aguatinta]], [[Grabado#Grabado calcográfico|calcografía]], [[grabado al buril]], [[grabado a media tinta]], [[grabado a punta seca]], [[linograbado]], [[litografía]], [[serigrafía]], [[xilografía]], etc.
* [[Historieta]]: la historieta o cómic es una representación gráfica mediante la cual se narra una historia a través de una sucesión de [[viñeta]]s, en las que mediante dibujos –en color o blanco y negro– y textos enmarcados en unos recuadros llamados “[[Globo (historieta)|bocadillos]]” o globos se va presentando la acción narrada, en un sentido lineal. Derivada de la [[caricatura]], la historieta se desarrolló a partir del {{Siglo|XIX||s}} sobre todo en medios [[Periodismo|periodísticos]], en tiras insertadas generalmente en las secciones de entretenimiento de los [[periódico]]s, aunque pronto adquirieron autonomía propia y empezaron a ser editadas en forma de álbumes. Aunque comenzó dentro del género [[humor]]ístico, posteriormente aparecieron historietas de todos los géneros, alcanzando gran éxito a nivel popular durante el {{Siglo|XX||s}}.
* [[Pintura]]: es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de [[pigmento]]s de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural ([[fresco]], [[Pintura al temple|temple]]) o de [[caballete]] ([[Pintura al temple|temple]], [[Pintura al óleo|óleo]], [[Pintura al pastel|pastel]]), e igualmente puede clasificarse según su género ([[retrato]], [[Arte de paisajes|paisaje]], [[bodegón]], etc.). La pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, el mundo circundante, reflejando en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas que han sucedido a lo largo del tiempo, así como sus costumbres y condiciones materiales.

;[[Artes escénicas]]
* [[Danza]]: la danza es una forma de expresión del cuerpo humano, que consiste en una serie de movimientos rítmicos al compás de una música –aunque esta última no es del todo imprescindible–. Entre sus modalidades figura el [[ballet]] o danza clásica, aunque existen innumerables tipos de danzas [[Rito|rituales]] y [[Folklore|folclóricas]] entre las diversas culturas y sociedades humanas, así como infinitud de bailes populares. Las técnicas de danza requieren una gran concentración para dominar todo el cuerpo, con especial hincapié en la flexibilidad, la coordinación y el ritmo.
* [[Teatro]]: es un arte escénico que tiene por objetivo la representación de un [[drama]] literario, a través de unos [[actor]]es que representan unos papeles establecidos, combinado con una serie de factores como son la [[escenografía]], la [[música]], el espectáculo, los [[efectos especiales]], el [[maquillaje]], el [[vestuario]], los objetos de [[atrezzo]], etc. Se realiza sobre un [[escenario]], siendo parte esencial de la obra el dirigirse a un público. El teatro puede incluir, en exclusiva o de forma combinada, diversos tipos de modalidades escénicas, como la [[ópera]], el [[ballet]] y la [[pantomima]].

;[[Música|Artes musicales]] 
* [[Canto coral]]: es el realizado por un grupo de voces, bien masculinas o femeninas, o mixtas, que interpretan una canción o melodía de forma conjunta, aunando sus voces para ofrecer una sola voz musical. Entre las diversas formas de canto coral figura el [[canto gregoriano]].
* [[Música sinfónica]]: la [[música]] es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la [[melodía]], la [[armonía]] y el [[ritmo]]. En su vertiente [[Sinfonía|sinfónica]], se considera que es la música instrumental interpretada por una [[orquesta]] formada por los principales [[instrumentos de viento]] ([[Instrumentos de madera|madera]] y [[Instrumentos de metal|metal]]), [[Instrumentos de cuerda|cuerda]] y [[Instrumento de percusión|percusión]].
* [[Ópera]]: es un arte donde se combina la música con el canto, sobre la base de un guion ([[libreto]]) interpretado según los principios de las artes escénicas. La interpretación es realizada por cantantes de diversos registros vocales: [[bajo (voz)|bajo]], [[barítono]], [[tenor]], [[contralto]], ''[[mezzosoprano]]'' y [[soprano]].

;[[Literatura|Artes literarias]]
* [[Narrativa]]: es el arte de escribir en [[prosa]], recreando en [[palabra]]s sucesos reales o ficticios, que el escritor dispone de forma adecuada para su correcta comprensión por el lector, con finalidades informativas o recreativas, expresadas con un [[lenguaje]] que puede variar desde un aspecto descriptivo hasta otro imaginario o de diversa índole. Entre las diversas formas de narrativa se encuentran la [[novela]] y el [[cuento]].
* [[Poesía]]: es una composición literaria basada en la [[métrica]] y el [[ritmo]], dispuesta a través de una estructura de [[verso]]s y [[estrofa]]s que pueden tener diversas formas de [[rima]], aunque también pueden ser de [[verso libre]]. Su contenido puede ser igualmente realista o ficticio, aunque por lo general la poesía siempre suele tener un aspecto evocador e intimista, siendo el principal vehículo de expresión del componente más emotivo del ser humano.
* [[Drama]]: es una forma de escritura basada en el [[diálogo]] de diversos personajes, que van contando una historia a través de la sucesión [[Cronología|cronológica]] y [[Argumento|argumental]] de diversas escenas donde se va desarrollando la acción. Aunque tiene un carácter literario autónomo, generalmente está concebido para ser representado de forma [[Teatro|teatral]], por lo que el drama está íntimamente ligado a las artes escénicas.

== Estilos artísticos ==

{{AP|Movimiento artístico}}
Cada [[periodo histórico]] ha tenido unas características concretas y definibles, comunes a otras regiones y culturas, o bien únicas y diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los tiempos. De ahí surgen los estilos artísticos, que pueden tener un origen [[Geografía|geográfico]] o [[Cronología|temporal]], o incluso reducirse a la obra de un artista en concreto, siempre y cuando se produzcan unas formas artísticas claramente definitorias. "Estilo" proviene del [[latín]] ''stilus'' (‘punzón’), escrito en época [[Edad Media|medieval]] como ''stylus'' por influencia del término [[Idioma griego|griego]] στύλος (''stylos'', ‘columna’). Antiguamente se denominaba así a un tipo de punzón para escribir sobre tablillas de [[cera]]; con el tiempo, pasó a designar tanto el instrumento como el trabajo del escritor y su manera de escribir. El concepto de estilo surgió en literatura, pero pronto se extendió al resto de artes, especialmente música y danza. Actualmente se emplea este término en su sentido [[Metonimia|metonímico]], es decir, como aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del artista, o bien, en sentido más genérico, de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente. Así, el estilo puede ser tanto un conjunto de caracteres formales, bien individuales –la forma de escribir, de componer o de elaborar una obra de arte por parte de un artista–, o bien colectivos –de un grupo, una época o un lugar geográfico–, como un sistema orgánico de formas, en que sería la conjunción de determinados factores la que generaría la forma de trabajar del grupo, como en el [[arte románico]], [[Arte gótico|gótico]], [[barroco]], etc. Según [[Henri Focillon|Focillon]], un estilo es «un conjunto coherente de formas unidas por una conveniencia recíproca, sumisas a una lógica interna que las organiza».

Estos caracteres individuales o sociales son signos distintivos que permiten diferenciar, definir y catalogar de forma empírica la obra de un artista o un grupo de artistas adscritos a un mismo estilo o “[[Movimiento artístico|escuela]]” –término que designa un grupo de autores con características comunes definitorias–. Así, la “[[estilística]]” es la ciencia que estudia los diversos signos distintivos, objetivos y unívocos, de la obra de un artista o escuela. Este estudio ha servido en la [[Historia del arte]] como punto de partida para el análisis del devenir histórico artístico basado en el estilo, como se puede apreciar en alguna escuela [[Historiografía|historiográfica]] como el [[formalismo (arte)|formalismo]].<ref>Souriau (1998), p. 540-541.</ref>

El estilo estudia al artista y a la obra de arte como materialización de una idea, plasmada en la materia a través de la técnica, lo que constituye un lenguaje formal susceptible de análisis y de catalogación y periodificación. Por otro lado, así como la similitud de formas crean un lenguaje y, por tanto, un estilo, una misma forma puede tener distinta significación en diversos estilos. Así, los estilos están sujetos a una dinámica evolutiva que suele ser cíclica, recurrente, perceptible en mayor o menor grado en cada periodo histórico. Se suelen distinguir en cada estilo, escuela o periodo artístico diversas fases –con las naturales variaciones concretas en cada caso–: “fase preclásica”, donde se comienzan a configurar los signos distintivos de cada estilo concreto –se suelen denominar con los prefijos ‘proto’ o ‘pre’, como el [[prerromanticismo]]–; “fase clásica”, donde se concretan los principales signos característicos del estilo, que servirán de puntos de referencia y supondrán la materialización de sus principales realizaciones; “fase manierista”, donde se reinterpretan las formas clásicas, elaboradas desde un punto de vista más subjetivo por parte del autor; “fase barroca”, que es una reacción contra las formas clásicas, deformadas a gusto y capricho del artista; “fase arcaizante”, donde se vuelve a las formas clásicas, pero ya con la evidente falta de naturalidad que le es intrínseca –se suele denominar con el prefijo ‘post’, como el [[postimpresionismo]]–; y “fase recurrente”, donde la falta de referentes provoca una tendencia al [[Eclecticismo (arte)|eclecticismo]] –se suelen denominar con el prefijo ‘neo’, como en [[neoclasicismo]]–.<ref>Azcárate (1983), p. 14-16.</ref>

{{Galería de imágenes
   | título = '''Estilos artísticos'''
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| Kouros Asclepeion Paros Louvre.jpg|'''Fase preclásica''':<br />''[[Kurós]]'' del [[Asclepeion]] de [[Paros]].
| Discobulus.jpg|'''Fase clásica''':<br />''[[Discóbolo]]'', de [[Mirón]].
| Apollo Saurocton Louvre.jpg|'''Fase manierista''':<br />''[[Apolo Sauróctono]]'', de [[Praxíteles]].
| Laocoon and His Sons.jpg|'''Fase barroca''':<br />''[[Laocoonte y sus hijos]]'', de Agesandro, Polidoro y Atenodoro de [[Rodas]].
| Grupo de Orestes y Pílades (Museo del Prado).jpg|'''Fase arcaizante''':<br />''[[Ofrenda de Orestes y Pílades|Grupo de San Ildefonso]]'', [[escultura romana]] inspirada en modelos griegos.
| IMG 3972 - Canova - Napoleone Bonaparte - Milano, Cortile del Palazzo di Brera - Foto Giovanni Dall'Orto 19-jan 2007.jpg|'''Fase recurrente''':<br />''Napoleón divinizado'', de [[Antonio Canova]], escultura [[Escultura neoclásica|neoclasicista]] inspirada en modelos clásicos grecorromanos.
}}

== Géneros artísticos ==

{{AP|Tema artístico}}
Un género artístico es una especialización temática en que se suelen dividir las diversas artes. Antiguamente se denominaba “pintores de género” a los que se ocupaban de un solo tema: [[retrato]]s, [[Arte de paisajes|paisajes]], pinturas de [[flor]]es, [[animal]]es, etc. El término tenía un cierto sentido peyorativo, ya que parecía que el artista que trataba solo esos asuntos no valía para otros, y se contraponía al “pintor de historia”, que en una sola composición trataba diversos elementos (paisaje, arquitectura, figuras humanas). En el {{siglo|XVIII||s}}, el término se aplicó al pintor que representaba escenas de la vida cotidiana, opuesto igualmente al pintor de historia, que trataba temas [[Historia|históricos]], [[Mitología|mitológicos]], etc. En cambio, en el {{Siglo|XIX||s}}, al perder la pintura de historia su posición privilegiada, se otorgó igual categoría a la historia que al paisaje, retrato, etc. Entonces la pintura de género pasó a ser la que no trataba las principales cuatro clases reconocidas: historia, retrato, paisaje y marina. Así, un pintor de género era el que no tenía ningún género definido. Por último, al eliminar cualquier jerarquía en la representación artística, actualmente se considera [[pintura de género]] cualquier obra que represente escenas de la vida cotidiana, temas anecdóticos, al tiempo que aún se habla de géneros artísticos para designar los diversos temas que han sido recurrentes en la [[Historia del arte]] (paisaje, retrato, desnudo, bodegón), haciendo así una síntesis entre los diversos conceptos anteriores.<ref>Souriau (1998), p. 612.</ref>

* Géneros pictóricos: se suelen clasificar en cuanto a su contenido temático: [[retrato]] y [[autorretrato]], [[Desnudo (género artístico)|desnudo]], [[bodegón]] y [[Vanitas|vanidades]], [[Arte de paisajes|paisaje]] y [[marina (pintura)|marina]], pintura de [[mitología]], [[Pintura histórica|pintura de historia]], [[pintura religiosa]], [[pintura de género]], etc.
* Géneros literarios: los géneros literarios son los distintos grupos o categorías en que podemos clasificar las obras literarias atendiendo a su contenido. La [[retórica]] clásica los ha clasificado en tres grupos importantes: lírico, épico y dramático. A éstos algunos suelen añadir el didáctico ([[oratoria]], [[ensayo]], [[biografía]], [[crónica]]).
* Géneros musicales: se basan en criterios como el ritmo, la instrumentación, las características armónicas o melódicas o la estructura. La música clásica, académica o música culta es uno de los tres grandes géneros en los que se puede dividir la música en general, junto con la música popular y la música tradicional o folclórica.
* Géneros cinematográficos: primero se clasificaron en dos grandes grupos: [[comedia]] y [[tragedia]]; más tarde, se fueron diversificando: [[cine de acción]], [[suspense]] (''thriller'' en inglés), [[cine bélico]], de [[ciencia ficción]], [[cine de aventuras]], [[western]], de [[artes marciales]], [[cine fantástico]], [[cine de terror]], de [[Cine catástrofe|catástrofes]], [[cine épico]], [[cine histórico]], [[cine musical]], [[cine policiaco]], [[cine negro]], [[Cine Gore|gore]], [[Erotismo|erótico]], [[cine de animación]], [[cine documental]], [[cine experimental]], [[clase B (cine)|clase B]], etc.
* En [[arquitectura]], en vez de géneros se habla de tipologías, que dependen de la configuración global, la técnica, la construcción y la decoración. Tenemos así tipologías como la [[Iglesia (edificio)|iglesia]], el [[palacio]], el [[castillo]], la [[vivienda]], el [[rascacielos]], la [[fábrica]], etc.

{{Galería de imágenes
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| Archivo:Mona Lisa, by Leonardo da Vinci, from C2RMF retouched.jpg|'''[[Retrato]]''':<br />''[[La Gioconda]]'' (1503), de [[Leonardo da Vinci]].
| Archivo:Claude Lorrain 008.jpg|'''[[Arte de paisajes|Paisaje]]''':<br />''[[Puerto con el embarque de la Reina de Saba]]'' (1648), de [[Claudio de Lorena]].
| Archivo:Diego Velázquez - Rokeby Venus.jpg|'''[[Desnudo (género artístico)|Desnudo]]''':<br />''[[Venus del espejo]]'' (1647-1651), de [[Diego Velázquez]].
| Archivo:Paul Cézanne - Still Life with Onions - Google Art Project.jpg|'''[[Bodegón]]''':<br />''[[Bodegón con cebollas]]'' (1895-1900), de [[Paul Cézanne]].
}}

== Técnicas artísticas ==

[[Archivo:Johann Sebastian Bach.jpg|thumb|200px|right|[[Johann Sebastian Bach]], considerado el gran maestro del [[contrapunto]].]]
;[[Música]]
* [[Armonía]]: es la ciencia que enseña a constituir los acordes (conjuntos de sonidos) y que sugiere la manera de combinarlos en la manera más equilibrada, consiguiendo así sensaciones de relajación (armonía consonante) o de tensión (armonía disonante). Establece un estilo de composición esencialmente vertical, entre notas que se tocan al unísono.
* [[Contrapunto]]: es la técnica que se utiliza para componer música [[Polifonía|polifónica]] mediante el enlace de dos o más melodías (también voces o líneas) independientes que se escuchan simultáneamente. De mayor complejidad que la armonía, da un mayor énfasis al desarrollo horizontal de la composición, que se establece mediante las relaciones interválicas entre sucesivas notas.
* [[Homofonía (música)|Homofonía]] y [[Monodia]]: es una [[textura musical]] donde dos o más partes musicales se mueven simultáneamente desde el punto de vista armónico, y cuya relación forma acordes. Se contrapone a la polifonía ya que en esta las partes tienen independencia rítmica y melódica y donde no hay predominancia de ninguna parte.
* [[Polifonía]]: se reconoce como un conjunto de sonidos simultáneos, en que cada uno expresa su idea musical, conservando su independencia, formando así con los demás un todo armónico.
* [[Adorno musical|Adornos musicales]]: son recursos que pueden ser utilizados en las composiciones con el objeto de imprimirles a éstas expresión, ornamento, variedad, gracia o vivacidad. Incluyen los [[Trino (música)|trinos]], los [[mordente]]s, las [[floritura (música)|florituras]]...

;[[Dibujo]]
* [[Carboncillo (dibujo)|Carboncillo]]: es uno de los materiales más antiguos para el dibujo, empleado desde la [[prehistoria]]. Se hace con ramitas de [[sauce]] asadas al [[horno]] en una cacerola cerrada, dejándolo cocer a baja temperatura toda la noche. Después se le saca punta y se inserta en una caña o bastoncillo. Es ideal para bocetos y estudios preparatorios, ya que es [[wikt:friable|friable]] y fácil de borrar.
* [[Lápiz]]: es un [[grafito]] insertado en un tubo de [[madera]] o [[metal]], de color negro, afilable y fácil de borrar, ideal para el dibujo. Se difundió desde [[Italia]] en el {{Siglo|XV||s}}.
* [[Pincel]]: apto para dibujo y pintura, está compuesto de un soporte de madera y pelos de diferentes animales, preferentemente [[cerdo]], [[marta cibelina]], [[ardilla]], etc. Se emplea con [[tinta]], líquido elaborado con negro de [[carbón]] procedente de cáscaras de nueces quemadas, con [[agua]], [[goma arábiga]], [[gelatina]]s y [[Odorante|odorantes]] como el [[alcanfor]] o el [[almizcle]]. Es ideal para remarcar volúmenes y destacar brillos y zonas luminosas. 
* [[Pluma]]: uno de los medios más antiguos e ideales para el dibujo, así como la escritura y cualquier tipo de expresión gráfica, es la pluma, bien de bastoncillos de caña, a los que se saca punta, o bien de plumas de animales, preferentemente la [[oca (ave)|oca]]. Se aplica con tinta, sobre [[papel]] o [[pergamino]].
* Puntas metálicas (''stilum''): la punta de metal ([[plomo]], [[estaño]], [[plata]]) se usa desde la época romana, aplicada sobre papel, pergamino o madera.
* [[Sanguina]]: es un tipo de lápiz de color rojizo, obtenido de [[arcilla]] ferruginosa, que produce un tipo de dibujo de color rojizo muy característico, de moda en la Italia del Renacimiento.
* [[Tiza]]: es [[sulfato de calcio]] bihidratado, empleado desde el Renacimiento para material de dibujo o como pigmento para la [[pintura al temple]]. Tallada en barritas, existe la tiza blanca ([[calcita]]), la gris (arcilla cruda de ladrillos) y la negra (carbón de fósil) y, ya en era moderna, las tizas de colores, de compuestos artificiales.<ref>Fuga (2004), p. 12-30.</ref>

[[Archivo:Pittura-Painting4.JPG|thumb|300px|Paleta de pintor, pinceles y tubos de pintura (óleos).]]
;[[Pintura]] 
La pintura, como elemento bidimensional, necesita un soporte (muro, madera, lienzo, cristal, metal, papel, etc.); sobre este soporte se pone el pigmento (colorante + aglutinante). Es el [[Aglutinante (pintura)|aglutinante]] el que clasifica los distintos procedimientos pictóricos:
* [[Pintura acrílica|Acrílico]]: técnica pictórica donde al colorante se le añade un aglutinante plástico.
* [[Acuarela]]: técnica realizada con pigmentos transparentes diluidos en agua, con aglutinantes como la goma arábiga o la [[miel]], usando como blanco el del propio papel. Técnica conocida desde el [[antiguo Egipto]], ha sido usada todas las épocas, aunque con más intensidad durante los siglos {{Siglo|XVIII}} y {{Siglo|XIX}}.
* [[Aguada]] o [[gouache]]: técnica similar a la acuarela, con colores más espesos y diluidos en agua o cola mezclada con miel. A diferencia de la acuarela, contiene el color blanco.
* [[Encáustica]]: técnica donde los colores se diluyen en cera fundida, cola y [[lejía]], pintando en caliente. Es una pintura densa y cremosa, resistente a la luz y al agua. Una vez aplicado el pigmento, debe procederse al pulido, con trapos de [[Linum usitatissimum|lino]]. 
* [[Fresco]]: la pintura al fresco se realiza sobre un muro revocado de [[cal]] húmeda y con colores diluidos en agua de cal. El fresco se debe ejecutar muy deprisa, ya que la cal absorbe rápidamente el color, por lo que se tiene que retocar posteriormente al temple en caso de ser necesario. Conocido desde la antigüedad, se practicó frecuentemente durante la Edad Media y el Renacimiento.
* [[Laca]]: el colorante se aglutina con laca –producto de unos [[Pulgón|pulgones]] [[Japón|japoneses]]–, disuelta con [[alcohol]] o [[acetona]].
* [[Miniatura]]: es la decoración de manuscritos con láminas de oro y plata, y pigmentos de colores aglutinados con cola, huevo o goma arábiga. La palabra viene de la utilización del rojo [[Tetróxido de plomo|minio]] en la rotulación de las iniciales del manuscrito.
* [[Pintura al óleo|Óleo]]: técnica que consiste en disolver los colores en un aglutinante de tipo oleoso (aceite de linaza, nuez, almendra o avellana; aceites animales), añadiendo aguarrás para que seque mejor.
* [[Pintura al pastel|Pastel]]: el pastel es un lápiz de pigmento de diversos colores minerales, con aglutinantes ([[caolín]], [[yeso]], [[goma arábiga]], [[látex]] de [[higo]], cola de [[pescado]], [[Azúcar|azúcar candi]], etc.), amasado con [[cera]] y [[Jabón|jabón de Marsella]] y cortado en forma de barritas. El color se debe extender con un “difumino” –cilindro de piel o papel enrollados que se usa para difuminar los trazos de color, los contornos, etc.–, lo que le da un aspecto suave y [[Terciopelo|aterciopelado]], ideal para retratos. Sin embargo, es poco persistente, por lo que necesita de algún fijador (agua, y cola o [[leche]]). Surgió en [[Francia]] en el {{Siglo|XVI||s}}.
* [[Pintura al temple|Temple]]: pintura realizada con colores diluidos en agua temperada o engrosada con aglutinantes con base de cola (yema de huevo, [[caseína]], cola de [[higuera]], cerezo o [[Prunus (subgénero)|ciruelo]]). Se utiliza sobre tabla o muro y, a diferencia del fresco, puede retocarse en seco.<ref>Fuga (2004), p. 92-132.</ref>
* Técnicas mixtas: 
** ''[[Collage]]'': técnica consistente en aplicar sobre una superficie diversos materiales (papel, tela, chapa, periódicos, fotografías, etc.), elaborados de forma diversa (rotos, cortados, rasgados), de tal forma que compongan una composición de signo artístico, bien de forma individual o mezclados con otras técnicas pictóricas.
** ''[[Décollage]]'' designa a la técnica opuesta al collage; en lugar de construir una imagen a partir de la suma de otras imágenes o partes de ellas, aquella es creada cortando, rasgando o eliminando de cualquier otra forma partes de la imagen original.
** ''[[Dripping]]'': técnica proveniente del ''[[action painting]]'', consiste en chorrear (''dripping'' = ‘chorreando’) la pintura sobre el lienzo, que mediante el movimiento del artista sobre la tela adquiere diferentes formas y espesores.
** [[Assemblage|Ensamblaje]] (''assemblage''): técnica consistente en la utilización de objetos reales provenientes de la vida cotidiana, que son pegados o ensamblados a un soporte y sometidos posteriormente a otras actuaciones pictóricas o de cualquier otra técnica mixta.
** ''[[Frottage (arte)|frottage]]'': técnica ideada por [[Max Ernst]] en 1925, consiste en frotar un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto, consiguiendo una impresión de la forma y textura de ese objeto. Se puede hacer también con lápices de colores, o pintar sobre el primer esbozo.
** ''[[Grattage]]'': deriva del ''frottage'', elaborando la imagen como un [[esgrafiado]], esparciendo el color en apliques densos, que después se rascan con [[espátula]] o con redes metálicas de diversas texturas.

;[[Escultura]] 
Según el material, se puede trabajar en tres sistemas: “aditivo”, modelando y añadiendo materia, generalmente en materias blandas ([[cera]], [[plastilina]], [[barro]]); “sustractivo”, eliminando materia hasta descubrir la figura, generalmente en materiales duros ([[piedra]], [[mármol]], [[madera]], [[bronce]], [[hierro]]); y “mixto”, añadiendo y quitando. También se puede hacer por fundición, a través de un molde. Hecha la escultura, se puede dejar al natural o [[Policromía|policromarla]], con colorantes vegetales o minerales o en encausto, al temple o al óleo, en dorado o [[estofado (arte)|estofado]] (imitación de oro).
* Escultura en [[marfil]]: proveniente de [[colmillo]]s de diversos animales ([[Elephantidae|elefante]], [[hipopótamo]], [[morsa]], [[jabalí]] [[África|africano]]), el marfil es un material empleado en escultura y [[orfebrería]]. Es fácil de tallar, aunque tiene el impedimento de su escasa longitud y su curvatura. Se trabaja con escoplos y taladros. En combinación con el oro, produce la llamada técnica [[crisoelefantina]].
* Escultura en [[metal]]: se realiza con [[cobre]], [[bronce]], [[oro]] o [[plata]], trabajado directamente con [[martillo]] y [[cincel]], generalmente en láminas de metal sobre placas de madera. El metal se vuelve rígido al ir golpeándolo, por lo que hay que ir calentándolo para seguir trabajando, proceso conocido como “recocido”. También se puede trabajar en “repujado”, practicando el [[bajorrelieve]] con martillo y punzón. Otra técnica es a la “cera perdida”, sobre un modelo de [[arcilla]] o [[yeso]], sobre el que se aplica una aleación de bronce o [[latón]].
* Escultura en piedra: es una de las más frecuentes, realizada por sustracción. Generalmente se emplean piedras como la [[caliza]], el [[mármol]], el [[basalto]], el [[granito]], el [[pórfido]], el [[alabastro]], etc. Se trabaja con taladro, escoplo, martillo y cincel.
* [[Estuco]]: formado por [[cal]], polvo de mármol, [[arena]] lavada y cola de [[caseína]], el estuco se emplea desde la antigüedad en escultura o como elemento decorativo en la arquitectura. Fácilmente moldeable, se puede dejar al natural o policromarlo. 
* [[Talla de madera|Talla]]: la talla en madera es una de las técnicas escultóricas más antiguas, fácil de ejecutar y de múltiples cualidades plásticas. Su carácter irregular le da un aire expresivo, inacabado, que puede ser ideal para determinados estilos artísticos pero que es rechazado por otros de corte más clásico y perfeccionista. Una vez realizada la talla, se puede policromar, aplicarle diversos tratamientos con ceras o lacas, láminas metálicas, tejidos o incrustaciones de [[piedras preciosas]] u otros elementos.
* [[Terracota]]: escultura realizada con arcilla cocida, fue el primer material utilizado para modelar figuras. Se trabaja sobre un caballete, con estiques o espátulas, o bien con un molde de yeso. Una vez modelada y dejada secar, se cuece a 750-950{{esd}}°C. Una vez terminada, se puede dejar al natural, decorarla con pintura o [[Esmalte|esmaltarla]] (forma esta última ideada en el {{Siglo|XV||s}} por [[Luca della Robbia]]).<ref>Fuga (2004), p. 138-167.</ref>
* [[Raku]]: El raku es una cocción a baja temperatura en la que las piezas al rojo vivo se extraen del horno con pinzas y se introducen en serrín. Si se cubren por completo, las piezas experimentaran una reducción posterior a la cocción. Se pueden obtener efectos de brillo metálico a partir del carbonato de cobre o del nitrato de plata.<ref>{{Cita libro|nombre=Linda Bloomifeld|título=Guía de Esmaltes Cerámicos, Recetas|año=2016|isbn=8425228808, 9788425228803|editor=Gustavo Gili Editorial S.A.}}</ref>
* Técnicas mixtas: como en pintura, en escultura se puede dar la utilización de diversos elementos para formar la figura, procedimiento diversificado en el {{Siglo|XX||s}} con la utilización de materiales considerados no artísticos, procedentes incluso de elementos [[Detrito|detríticos]] o de desecho, o añadiendo diversos objetos naturales o artificiales, como en los denominados ''[[ready-made]]''.

{{Imagen múltiple
 | posición_tabla = right
 | dirección = vertical
 | ancho = 250
 | foto1 = AGAD Albrecht Dürer – The Sudarium.jpg | texto1 = [[Grabado]]: ''El velo de Verónica'' (1513), de [[Alberto Durero]].  
 | foto2 = Byzantinischer Mosaizist des 5. Jahrhunderts 002.jpg | texto2 = [[Mosaico]]: mosaico [[Arte bizantino|bizantino]] del {{Siglo|V||s}} ([[Estambul]]).  
 | foto3 = Cologne_Cathedral_Window_Detail.jpg | texto3 = [[Vitral|Vidriera]]: ''Moisés en el monte Sinaí'' y ''Moisés ante el faraón'' ({{Siglo|XIII||s}}), [[catedral de Colonia]], [[Alemania]].
 | foto4 = Ceramic planter from the Ming Dynasty.jpg | texto4 = [[Cerámica]]: fuente de la [[dinastía ming]] (siglos {{Siglo|XIV}}-{{Siglo|XV}}).
 | foto5 = Mycenaean necklace golden spirals 12 century bC.jpg | texto5 = [[Orfebrería]]: collar de oro [[Arte micénico|micénico]], {{Siglo|XII|a|s}}
}}

;[[Grabado]] 
* [[Grabado#Grabado calcográfico|Calcografía]]: grabado sobre [[cobre]] realizado en hueco, en diversas técnicas:
** [[Aguafuerte (Técnica de grabado)|Aguafuerte]]: técnica de grabado consistente en tratar las partes de la plancha de metal no protegidas por un [[barniz]] con “agua fuerte” ([[ácido nítrico]] diluido en agua).
** [[Aguatinta]]: técnica proveniente de una plancha de metal cubierta con [[resina]], que una vez calentada se adhiere a la superficie de la plancha, dibujando posteriormente sobre esta superficie con un tipo de tinta especial, llamada aguatinta. Proveniente del aguafuerte, produce efectos parecidos a la acuarela. Surgió en el {{Siglo|XVIII||s}}.
** [[Grabado a buril]]: se realiza sobre plancha de cobre, con un [[buril]], instrumento formado por un mango redondo y una barra de [[acero]], de sección cuadrada tallada en forma de [[rombo]]. Con esta herramienta se perfila el dibujo, rellenando los surcos con tinta.
** [[Grabado a punta seca]]: en esta técnica la plancha se trabaja directamente con una punta de acero, [[diamante]] o [[rubí]], sin recurrir a barnices ni ácidos, obteniendo unas líneas ásperas llamadas “rebabas”, diferentes según la presión y el ángulo de incisión. A diferencia del buril, no corta el metal, sino que lo araña.
** [[Grabado a media tinta]] (''mezzotinto''): también llamado grabado en negro o al humo, se trabaja la plancha con un rascador de varias puntas (''rocker'' o ''berceau''), obteniendo un graneado uniforme por entrecruzamiento de líneas, distinguiendo así tonos claros y oscuros. 
* [[Linograbado]]: técnica de grabado en relieve similar a la xilografía, pero utilizando [[linóleo]] en vez de madera.
* [[Litografía]]: es un grabado sobre piedra caliza, tratando la superficie con un lápiz de materia grasa para delimitar el dibujo y realizando el grabado según dos procedimientos: bañando con ácido, para corroer la parte no engrasada y dejar el dibujo en relieve; o aplicando dos clases de tinta acuosa y grasa, fijándose la primera en el fondo y cubriendo la segunda las líneas dibujadas a lápiz. Fue inventado por [[Aloys Senefelder]] en 1778.
* [[Serigrafía]]: técnica por la cual se obtienen impresiones filtrando los colores por una trama de [[seda]] –o, actualmente, [[nailon]]–, recubriendo con cola las partes que no deben filtrarse para impermeabilizarlas. Fue inventado en [[China (región)|China]].
* [[Xilografía]]: grabado en madera (generalmente cerezo o boj), realizado sobre un boceto calcado sobre la plancha de madera y tallado con [[cuchillo]], [[gubia]], [[formón]] o buril, vaciando de madera los blancos y dejando en relieve los negros; a continuación, se entinta con un rodillo y se estampa, bien a mano o bien con el [[tórculo]]. Fue muy utilizado en la [[Edad Media]], sobre todo en [[Alemania]].<ref>Fatás-Borrás (1990), pp. 122-123.</ref>

;[[Mosaico]]
* ''Lithóstroton'': término [[Idioma griego|griego]] que designa al mosaico colocado a modo de [[pavimento]]. El revestimiento es aplicado sobre cal, arena u otros materiales como piedras, guijarros, losas de mármol, etc. Existen varios tipos: ''opus lapilli'', pequeños guijarros de colores naturales, que por sí mismos componen el dibujo; ''opus tessellatum'', formado por [[tesela]]s, piezas de forma cuadrada, con las que se elabora la composición, generalmente de tipo geométrico; ''opus vermiculatum'', igualmente elaborado con teselas, pero de diferentes contornos, pudiendo formar así diversos trazados; ''opus sectile'', formado por losas de mármol de forma irregular. 
* [[Mosaico]]: también llamado ''opus musivum'', es la misma técnica que el ''lithóstroton'', pero aplicada a la decoración mural, en vez de la pavimental. Se realiza con teselas de pasta [[Vidrio|vítrea]], aplicadas sobre la pared preparada con varias capas de [[mortero (construcción)|mortero]], elaborando figuras y dibujos.
* [[Taracea]]: técnica similar a las anteriores, puede ser pavimental o parietal, o incluso se puede aplicar a [[mueble]]s u otros objetos. Consiste en incrustar sobre una superficie compacta finas losas de piedra y mármol de color, cortadas y encajadas formando imágenes o composiciones diversas. También puede realizarse en madera (“intarsia”), siendo una técnica frecuente en [[ebanistería]]. En [[Carpi]], en el {{Siglo|XVII||s}}, surgió también una taracea en [[escayola]].<ref>Fuga (2004), pp. 176-201.</ref>

;[[Vidrio]] 
Existen diversos tipos de vidrio: “vidrio sódico” (el más básico, a partir de [[sílice]]), [[cristal]] (sílice y [[óxido de plomo]] o [[potasio]]), “vidrio calcedonio” (sílice y óxidos metálicos) y “vidrio lácteo” (sílice, bióxido de [[manganeso]] y óxido de [[estaño]]). La principal técnica para trabajarlo es el [[Vidrio soplado|soplado]], donde se le puede dar cualquier forma y espesor. En cuanto a la decoración, puede ser pintada, esgrafiada, tallada, con pinzas, a [[filigrana (artesanía)|filigrana]], etc.<ref>Fuga (2004), pp. 250-284.</ref>
* [[Vitral|Vidriera]]: se realiza sobre cristales engarzados en [[madera]], [[yeso]], [[oro]] o [[plomo]], los cuales se van encajando con láminas de plomo, estañándolos, con una capa de masilla (blanco pintor con aceite de linaza). Las vidrieras antiguas tienen [[grisalla]]s, [[óxido férrico]] líquido, aplicado para dibujar con precisión detalles pequeños; hacia 1340 se sustituyó por el óxido de [[plata]] y, a partir de aquí, ya no se hacen cristales de colores, sino que se colorea sobre cristal blanco. 
* [[Esmalte]]: es una pasta de vidrio (sílice, cal, [[Potasa (mineral)|potasa]], plomo y [[Tetróxido de plomo|minio]]), sobre soporte de metal, trabajado según diversas técnicas: ''cloisonné'', pequeños filamentos de oro o cobre, con los que se dibuja la figura sobre el soporte, para separar el esmalte en tabiques; ''champlevé'', rebajando el soporte en alvéolos, ahuecando el material en concavidades, rellenadas con el esmalte; ''ajougé'', superficie de oro donde se recortan las formas con sierras o limas, rellenando con esmalte la parte eliminada.

;[[Cerámica]] 
Se realiza con [[arcilla]], en cuatro clases: barro cocido poroso rojo-amarillento ([[alfarería]], [[terracota]], [[Biscuit|bizcocho]]); barro cocido poroso blanco ([[loza]]); barro cocido no poroso gris, pardo o marrón ([[gres]]); barro cocido compacto no poroso blanco medio transparente ([[porcelana]]). Se puede elaborar de forma manual o mecánica —con [[torno]]—, después se cuece en el [[horno]] –a temperaturas entre 400{{esd}}°C y 1300{{esd}}°C, según el tipo–, y se decora con esmalte o pintura.<ref>Fuga (2004), pp. 212-230.</ref>

;[[Orfebrería]] 
Es el arte de confeccionar objetos decorativos con metales nobles o piedras preciosas, como el [[oro]], [[plata]], [[diamante]], [[perla]], [[ámbar]], [[coral]], etc. 
* [[Camafeo]]: es el tallado de figuras en relieve sobre piedras duras estratificadas, como el ágata, la [[Calcedonia|sardónica]], el coral y la [[concha]], que por lo general poseen capas de diversos colores, lo que proporciona unos intensos contrastes cromáticos.
* Cincelado: consiste en trabajar el metal precioso con un [[cincel]], realizando decoraciones ahuecadas o trabajos de acabado, con cinceles de distintas formas y grosores.
* [[Damasquinado]] (o “ataujía”): sobre un soporte metálico se traza el dibujo con punta fina, luego se hace una incisión con [[buril]]es y [[escalpelo]]s, y por último se aplica una filigrana de metales de diverso color.
* [[Filigrana (artesanía)|Filigrana]]: se crea con hilos de metal precioso, con los que se elabora la pieza trenzando o enroscando los hilos, hasta obtener la forma deseada.
* Fusión: son los trabajos ejecutados a [[molde]], elaborados de dos formas: “fusión permanente”, realizada con un molde bivalvo, con la forma ya trabajada, de piedra o terracota; “a la cera perdida”, donde se modela el objeto en cera, al que se aplica un embudo con respiraderos, cubriéndose de creta, que una vez seca se calienta hasta que expulse la cera, llenándose luego del metal fundido.
* Granulado: es un procedimiento por el que se obtienen minúsculas esferas de oro con las que se elaboran dibujos o decoraciones geométricas.
* [[Nielado]]: consiste en grabar un dibujo sobre una lámina de metal —generalmente plata—, rellenando los surcos con el “nielado”, aleación de plata, cobre y plomo, con [[azufre]] y [[bórax]], que produce una mezcla negra y brillante.
* ''Opus interrasile'': técnica de origen romano que consiste en realizar pequeñas incisiones en las láminas de metal precioso, realizando una función de calado que da a la obra un aspecto de encaje.
* [[Repujado]]: es la decoración en relieve realizada sobre planchas de oro, plata o cobre, trabajando el revés de la plancha con martillo y cincel.<ref>Fuga (2004), pp. 300-358.</ref>

;[[Forja]] 
Se hace con [[hierro]] ([[limonita]], [[pirita]] o [[magnetita]]), reduciéndolo con calor, saliendo una pasta al rojo con la que se hacen lingotes. Hay tres clases: “[[Hierro colado|colado]]”, con mucho [[carbono]], [[sílice]], [[azufre]] y [[manganeso]], no sirve para forjar, solo para fundir en molde; “[[Hierro forjado|hierro dulce o forjado]]”, con menos carbono, es más maleable y dúctil, se puede forjar, pero es blando y desafilable; “[[acero]]”, con manganeso, [[Wolframio|tungsteno]], [[cobalto]] y [[wolframio]], es más duro, para instrumentos cortantes. El modelado se realiza sin añadir ni quitar material, sino que existen diversas técnicas alternativas: estirar, ensanchar, hendir, curvar, recalcar, etc.

;Generación de imágenes mediante inteligencia artificial
Varias herramientas informáticas como [[Midjourney]], [[Stable Diffusion]] o [[Dall-e]] permiten generar imágenes que podrían considerarse arte. Estos medios utilizan mediante [[inteligencia artificial]] multitud de imágenes disponibles en internet para la creación de la obra que demanda un usuario a través de la comunicación de descripciones y otros elementos.

== Restauración ==

{{AP|Restauración (arte)}}
{{Imagen múltiple
 | posición_tabla = right
 | foto1 = Michelangelo_Buonarroti_011.jpg | ancho1 = 100 | texto1 = ''[[El Juicio Final (Capilla Sixtina)|El Juicio Final]]'' de [[Miguel Ángel]] antes de la restauración. 
 | foto2 = Michelangelo - Fresco of the Last Judgement.jpg | ancho2 = 113 | texto2 = ''El Juicio Final'' durante la restauración.  
 | foto3 = Last Judgement (Michelangelo).jpg | ancho3 = 123 | texto3 = ''El Juicio Final'' tras la restauración.
}}
La [[restauración (arte)|restauración]] de obras de arte es una actividad que tiene por objeto la reparación o actuación preventiva de cualquier obra que, debido a su antigüedad o estado de conservación, sea susceptible de ser intervenida para preservar su integridad física, así como sus valores artísticos, respetando al máximo la esencia original de la obra.<ref>Brandi (2002), pp. 13-17.</ref>

{{cita|La restauración debe dirigirse al restablecimiento de la unidad potencial de la obra de arte, siempre que esto sea posible sin cometer una falsificación artística o una falsificación histórica, y sin borrar huella alguna del transcurso de la obra de arte a través del tiempo.|[[Cesare Brandi]], ''Teoría de la restauración'' (1988).<ref name=ref_duplicada_2 />}}

En [[arquitectura]] la restauración suele ser de tipo funcional, para preservar la estructura y unidad del edificio, o reparar grietas o pequeños defectos que puedan surgir en los materiales constructivos. Hasta el {{siglo|XVIII||s}}, las restauraciones arquitectónicas solo preservaban las obras de culto religioso, dado su carácter [[Liturgia|litúrgico]] y [[Símbolo|simbólico]], reconstruyendo otro tipo de edificios sin respetar siquiera el estilo original. Sin embargo, desde el auge de la [[arqueología]] a finales del {{Siglo|XVIII||s}}, especialmente con las excavaciones de [[Pompeya]] y [[Herculano]], se tendió a preservar en la medida de lo posible cualquier estructura del pasado, siempre y cuando tuviese un valor artístico y cultural. Aun así, en el {{Siglo|XIX||s}} los ideales [[Romanticismo|románticos]] llevaron a buscar la pureza estilística del edificio, y la moda del [[Arquitectura historicista|historicismo]] llevó a planteamientos como los de [[Viollet-le-Duc]], defensor de la intervención en monumentos en función de cierto ideal estilístico. En la actualidad, se tiende a preservar al máximo la integridad de los edificios históricos.

En el terreno de la [[Pintura artística|pintura]] se ha evolucionado desde una primera perspectiva de intentar recuperar la legibilidad de la imagen, añadiendo si fuese necesario partes perdidas de la obra, a respetar la integridad tanto física como estética de la obra de arte, haciendo las intervenciones necesarias para su conservación sin que se produzca una transformación radical de la obra. La restauración pictórica adquirió un creciente impulso a partir del {{Siglo|XVII||s}}, debido al mal estado de conservación de pinturas al [[fresco]], técnica bastante corriente en la [[Edad Media]] y el [[Renacimiento]]. Igualmente, el aumento del mercado de las antigüedades propició la restauración de obras antiguas cara a su posterior comercialización. Por último, en escultura ha habido una evolución paralela: desde la reconstrucción de obras antiguas, generalmente en cuanto a miembros mutilados (como en la reconstrucción del ''[[Laocoonte y sus hijos|Laocoonte]]'' en 1523-1533 por parte de [[Giovanni Angelo Montorsoli]]), hasta la actuación sobre la obra preservando su estructura original, manteniendo en caso necesario un cierto grado de reversibilidad de la actuación practicada.<ref>AA.VV. (1991), p. 812.</ref>

== Estética ==

{{AP|Estética}}
[[Archivo:Vitruvian.jpg|thumb|250px|El ''[[Hombre de Vitruvio|Hombre vitruviano]]'', de [[Leonardo da Vinci]], estudio de las proporciones en el cuerpo humano.]]
La [[estética]] es una rama de la [[filosofía]] que se encarga de estudiar la manera cómo el razonamiento del [[ser humano]] interpreta los estímulos sensoriales que recibe del mundo circundante. Se podría decir, así como la [[lógica]] estudia el conocimiento racional, que la estética es la ciencia que estudia el conocimiento sensible, el que adquirimos a través de los sentidos.<ref>Beardsley-Hospers (1990), p. 97.</ref> Entre los diversos objetos de estudio de la estética figuran la [[belleza]] o los juicios de gusto, así como las distintas maneras de interpretarlos por parte del ser humano. Por tanto, la estética está íntimamente ligada al arte, analizando los diversos estilos y periodos artísticos conforme a los diversos componentes estéticos que en ellos se encuentran. A menudo se suele denominar la estética como una “filosofía del arte”. La estética es una reflexión filosófica que se hace sobre objetos artísticos y naturales, y que produce un “juicio estético”. La percepción sensorial, una vez analizada por la inteligencia humana, produce ideas, que son abstracciones de la mente, y que pueden ser objetivas o subjetivas. Las ideas provocan juicios, al relacionar elementos sensoriales; a su vez, la relación de juicios es razonamiento. El objetivo de la estética es analizar los razonamientos producidos por dichas relaciones de juicios.<ref>Tatarkiewicz (2000), vol. I, p. 9.</ref>

El término estética proviene del [[Idioma griego|griego]] αἴσθησις (''aísthêsis'', ‘sensación’). Fue introducido por el filósofo [[Alemania|alemán]] [[Alexander Gottlieb Baumgarten]] en su obra ''Reflexiones filosóficas acerca de la poesía'' (1735), y más tarde en su ''Aesthetica'' (1750).<ref>Givone (2001), p. 14.</ref> Así pues, la [[Historia de la estética]], rigurosamente hablando, comenzaría con Baumgarten en el {{siglo|XVIII||s}}, sobre todo con la sistematización de esta disciplina realizada por [[Immanuel Kant]]. Sin embargo, el concepto es extrapolable a los estudios sobre el tema efectuados por los filósofos anteriores, especialmente desde la [[Grecia]] clásica. Cabe señalar, por ejemplo, que los antiguos griegos tenían un vocablo equiparable al actual concepto de estética, que era Φιλοκαλία (''filocalía'', ‘amor a la belleza’). Se podría decir que en Grecia nació la estética como concepto, mientras que con Baumgarten se convierte en una ciencia filosófica.

Según [[Arnold Hauser]], las «obras de arte son provocaciones con las cuales polemizamos», pero que no nos explicamos. Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales. Nosotros, «de todo arte con el cual tenemos una relación auténtica hacemos un arte moderno». Hoy día, el arte ha establecido unos conjuntos de relaciones que permiten englobar dentro de una sola interacción la obra de arte, el artista o creador y el público receptor o destinatario. [[Georg Wilhelm Friedrich Hegel|Hegel]], en su ''[[Georg Wilhelm Friedrich Hegel#Estética|Estética]]'', intentó definir la [[trascendencia]] de esta relación diciendo que «la belleza artística es más elevada que la belleza de la naturaleza, ya que cambia las formas ilusorias de este mundo imperfecto, donde la verdad se esconde tras las falsas apariencias para alcanzar una verdad más elevada creada por el espíritu».

El arte es también un juego con las apariencias sensibles, los colores, las formas, los volúmenes, los sonidos, etc. Es un juego gratuito donde se crea de la nada o de poco más que la nada una apariencia que no pretende otra cosa que engañarnos. Es un juego placentero que satisface nuestras necesidades eternas de [[simetría]], de [[ritmo]] o de sorpresa. La sorpresa que para [[Charles Baudelaire|Baudelaire]] es el origen de la [[poesía]]. Así, según Kant, el placer estético deriva menos de la intensidad y la diversidad de sensaciones, que de la manera, en apariencia espontánea, por la cual ellas manifiestan una profunda unidad, sensible en su reflejo, pero no conceptualizable.

Para [[Ernst Gombrich]], «en realidad el arte no existe: solo hay artistas». Más adelante, en la introducción de su obra ''La historia del arte'', dice que no tiene nada de malo que nos deleitemos en el [[cuadro (arte)|cuadro]] de un [[paisaje]] porque nos recuerda nuestra casa, o en un [[retrato (arte)|retrato]] porque nos recuerda un amigo, ya que, como humanos que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos a un conjunto de recuerdos que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos. Siguiendo a Gombrich, se puede ver cómo a los artistas también les sucede algo parecido: en el ''Retrato de un niño (Nicholas Rubens)'', el pintor [[Flandes|flamenco]] [[Peter Paul Rubens|Rubens]] lo representó hermoso, ya que seguramente se sentía orgulloso del aspecto del niño, y nos quiso transmitir su pasión de padre a la vez que de artista; en el ''Retrato de la madre'', el pintor [[Alemania|alemán]] [[Alberto Durero]] la dibujó con la misma devoción y amor que Rubens sentía por su hijo, pero aquí vemos un estudio fiel de la cara de una mujer vieja, no hay belleza natural, pero Durero, con su enorme sinceridad, creó una gran obra de arte.

{{VT|Historia de la estética}}

== Sociología del arte ==

{{AP|Sociología del arte}}
[[Archivo:La Liberté guidant le peuple - Eugène Delacroix - Musée du Louvre Peintures RF 129 - après restauration 2024.jpg|thumb|300px|''[[La Libertad guiando al pueblo]]'' (1830), de [[Eugène Delacroix]].]]
La [[sociología del arte]] es una disciplina de las [[ciencias sociales]] que estudia el arte desde un planteamiento [[Metodología|metodológico]] basado en la [[sociología]]. Su objetivo es estudiar el arte como producto de la [[sociedad]] humana, analizando los diversos componentes sociales que concurren en la génesis y difusión de la obra artística. La sociología del arte es una ciencia multidisciplinar, recurriendo para sus análisis a diversas disciplinas como la [[cultura]], la [[política]], la [[economía]], la [[antropología]], la [[lingüística]], la [[filosofía]], y demás ciencias sociales que influyan en el devenir de la sociedad. Entre los diversos objetos de estudio de la sociología del arte se encuentran varios factores que intervienen desde un punto de vista social en la creación artística, desde aspectos más genéricos como la situación social del artista o la estructura sociocultural del público, hasta más específicos como el [[mecenazgo]], el mercantilismo y comercialización del arte, las [[Galería de arte|galerías de arte]], la [[crítica de arte]], el coleccionismo, la [[museografía]], las instituciones y fundaciones artísticas, etc.<ref>Bozal (1999), vol. II, p. 332.</ref> También cabe remarcar en el {{Siglo|XX||s}} la aparición de nuevos factores como el avance en la difusión de los medios de comunicación, la [[cultura de masas]], la categorización de la [[moda]], la incorporación de nuevas [[tecnología]]s o la apertura de conceptos en la creación material de la obra de arte ([[arte conceptual]], [[arte de acción]]).

La sociología del arte debe sus primeros planteamientos al interés de diversos [[Estudio de la Historia del Arte|historiadores]] por el análisis del entorno social del arte desde mediados del {{Siglo|XIX||s}}, sobre todo tras la irrupción del [[positivismo]] como método de análisis científico de la cultura, y la creación de la sociología como ciencia autónoma por [[Auguste Comte]]. Sin embargo, la sociología del arte se desarrolló como disciplina particular durante el {{Siglo|XX||s}}, con su propia metodología y sus objetos de estudio determinados. Principalmente, el punto de partida de esta disciplina se suele situar inmediatamente después de la [[Segunda Guerra Mundial]], con la aparición de diversas obras decisivas en el desarrollo de esta corriente disciplinar: ''Arte y revolución industrial'', de [[Francis Klingender]] (1947); ''La pintura florentina y su ambiente social'', de [[Friedrich Antal]] (1948); e ''Historia social de la literatura y el arte'', de [[Arnold Hauser]] (1951). En sus inicios, la sociología del arte estuvo estrechamente vinculada al [[marxismo]] —como los propios Hauser y Antal, o [[Nikos Hadjinikolaou]], autor de ''Historia del arte y lucha de clases'' (1973)—, si bien luego se desmarcó de esta tendencia para adquirir autonomía propia como ciencia. Otros autores destacados de esta disciplina son [[Pierre Francastel]], [[Herbert Read]], [[Francis Haskell]], [[Michael Baxandall]], [[Peter Burke]], [[Giulio Carlo Argan]], etc.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 147.</ref>

== Psicología del arte ==

{{AP|Psicología del arte}}
[[Archivo:Van Gogh - Selbstbildnis mit verbundenem Ohr.jpeg|thumb|250px|''Autorretrato con la oreja cortada'' (1889), de [[Vincent van Gogh]]. El [[psicoanálisis]] permite comprender ciertos aspectos de la personalidad del artista.]]
La [[psicología del arte]] es la ciencia que estudia los fenómenos de la creación y la apreciación artística desde una perspectiva [[Psicología|psicológica]]. El arte es, como manifestación de la actividad humana, susceptible de ser analizado de forma psicológica, estudiando los diversos procesos mentales y culturales que en la génesis del arte se encuentran, tanto en su creación como en su recepción por parte del público. A su vez, como fenómeno de la conducta humana, puede servir como base de análisis de la conciencia humana, siendo la percepción estética un factor distintivo del ser humano como especie, que lo aleja de los otros animales. La psicología del arte es una ciencia interdisciplinar, que debe recurrir forzosamente a otras disciplinas científicas para poder efectuar sus análisis, desde –lógicamente– la Historia del arte, hasta la filosofía y la estética, pasando por la sociología, la antropología, la [[neurobiología]], etc. También está estrechamente conectada con el resto de ramas de la psicología, desde el [[psicoanálisis]] hasta la psicología cognitiva, evolutiva o social, o bien la [[psicobiología]] y los estudios de personalidad. Asimismo, a nivel [[Fisiología|fisiológico]], la psicología del arte estudia los procesos básicos de la actividad humana —como la [[percepción]], la [[emoción]] y la [[memoria humana|memoria]]—, así como las funciones superiores del [[pensamiento]] y el [[lenguaje]]. Entre sus objetos de estudio se encuentran tanto la percepción del color (recepción [[Retina|retiniana]] y procesamiento [[Corteza cerebral|cortical]]) y el análisis de la forma, como los estudios sobre creatividad, capacidades cognitivas ([[símbolos]], [[Icono (religión)|iconos]]), el arte como [[terapia]], etc. Para el desarrollo de esta disciplina han sido esenciales las contribuciones de [[Sigmund Freud]], [[Gustav Fechner]], la [[Psicología de la Gestalt|Escuela de la Gestalt]] (dentro de la que destacan los trabajos de [[Rudolf Arnheim]]), [[Lev Vygotski]], [[Howard Gardner]], etc.<ref>Marty (1999), pp. 13-14.</ref>

Una de las principales corrientes de la psicología del arte ha sido la Escuela de la Gestalt, que afirma que estamos condicionados por nuestra cultura –en sentido antropológico–, tanto que la cultura condiciona nuestra percepción. Toma un punto de partida con la obra de [[Karl Popper]], quien afirmó que en la apreciación estética hay un punto de inseguridad (gusto), que no tiene base científica y no se puede generalizar; llevamos una idea preconcebida (“hipótesis previa”), que hace que encontremos en el objeto lo que buscamos. Según la Gestalt, la mente configura, a través de ciertas leyes, los elementos que llegan a ella a través de los canales sensoriales (percepción) o de la memoria (pensamiento, inteligencia y resolución de problemas). En nuestra experiencia del [[Entorno social|medio ambiente]], esta configuración tiene un carácter primario sobre los elementos que la conforman, y la suma de estos últimos por sí solos no podría llevarnos a la comprensión del funcionamiento mental. Se fundamentan en la noción de estructura, entendida como un todo significativo de relaciones entre estímulos y respuestas, e intentan entender los fenómenos en su totalidad, sin separar los elementos del conjunto, que forman una estructura integrada fuera de la cual dichos elementos no tendrían significación. Sus principales exponentes fueron [[Rudolf Arnheim]], [[Max Wertheimer]], [[Wolfgang Köhler]], [[Kurt Koffka]] y [[Kurt Lewin]].<ref>{{cita web|url = http://psicologia.laguia2000.com/general/la-psicologia-de-la-gestalt|título = La Psicología de la Gestalt|fechaacceso =15 de marzo de 2009}}</ref>

== Crítica de arte ==

{{AP|Crítica de arte}}
[[Archivo:Denis Diderot by Louis-Michel van Loo.jpg|thumb|250px|[[Denis Diderot]], considerado el padre de la [[crítica de arte]].]]
La [[crítica de arte]] es un género, entre literario y académico, que hace una valoración sobre las obras de arte, artistas o exposiciones, en principio de forma personal y subjetiva, pero basándose en la Historia del arte y sus múltiples disciplinas, valorando el arte según su contexto o evolución. Es a la vez valorativa, informativa y comparativa, redactada de forma concisa y amena, sin pretender ser un estudio académico pero aportando datos empíricos y contrastables. [[Denis Diderot]] es considerado el primer crítico de arte moderno, por sus comentarios sobre las obras de arte expuestas en los salones [[París|parisinos]], realizados en el Salón Carré del [[Louvre]] desde 1725. Estos salones, abiertos al público, actuaron como centro difusor de tendencias artísticas, propiciando modas y gustos en relación con el arte, por lo que fueron objeto de debate y crítica. Diderot escribió sus impresiones sobre estos salones primero en una carta escrita en 1759, que fue publicada en la ''[[Frédéric-Melchior Grimm|Correspondance littéraire]]'' de [[Frédéric-Melchior Grimm|Grimm]], y desde entonces hasta 1781, siendo el punto de arranque del género.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 22-23.</ref>

En la génesis de la crítica de arte hay que valorar, por un lado, el acceso del público a las exposiciones artísticas, que unido a la proliferación de los medios de comunicación de masas desde el {{Siglo|XVIII||s}} produjo una vía de comunicación directa entre el crítico y el público al que se dirige. Por otro lado, el auge de la [[burguesía]] como clase social que invirtió en el arte como objeto de ostentación, y el crecimiento del mercado artístico que llevó consigo, propiciaron el ambiente social necesario para la consolidación de la crítica artística. La crítica de arte ha estado generalmente vinculada al [[periodismo]], ejerciendo una labor de portavoces del gusto artístico que, por una parte, les ha conferido un gran poder, al ser capaces de hundir o encumbrar la obra de un artista, pero por otra les ha hecho objeto de feroces ataques y controversias. Otra faceta a remarcar es el carácter de actualidad de la crítica de arte, ya que se centra en el contexto histórico y geográfico en el que el crítico desarrolla su labor, inmersa en un fenómeno cada vez más dinámico como es el de las corrientes de moda. Así, la falta de historicidad para emitir un juicio sobre bases consolidadas, lleva a la crítica de arte a estar frecuentemente sustentada en la intuición del crítico, con el factor de riesgo que ello conlleva. Sin embargo, como disciplina sujeta a su tiempo y a la evolución cultural de la sociedad, la crítica de arte siempre revela un componente de pensamiento social en el que se ve inmersa, existiendo así diversas corrientes de crítica de arte: [[Romanticismo|romántica]], [[Positivismo|positivista]], [[Fenomenología (filosofía)|fenomenológica]], [[Semiología|semiológica]], etc.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 155-170.</ref>

{{cita|Para ser justa, es decir, para tener su razón de ser, la crítica debe ser parcial, apasionada, política; esto es: debe adoptar un punto de vista exclusivo, pero un punto de vista exclusivo que abra al máximo los horizontes.|[[Charles Baudelaire]], ''Salón de 1846''.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 165.</ref>}}

Entre los críticos de arte ha habido desde famosos escritores hasta los propios historiadores del arte, que muchas veces han pasado del análisis metodológico a la crítica personal y subjetiva. Como nombres, se podría citar a [[Charles Baudelaire]], [[John Ruskin]], [[Oscar Wilde]], [[Émile Zola]], [[Joris-Karl Huysmans]], [[Guillaume Apollinaire]], [[Wilhelm Worringer]], [[Clement Greenberg]], [[Michel Tapié]], etc.; en el mundo hispanohablante, destacan [[Eugeni d'Ors]], [[Aureliano de Beruete y Moret|Aureliano de Beruete]], [[Jorge Romero Brest]], [[Juan Antonio Gaya Nuño]], [[Alexandre Cirici]], [[Juan Eduardo Cirlot]], [[Enrique Lafuente Ferrari]], [[Rafael Santos Torroella]], [[Francisco Calvo Serraller]], [[José Corredor Matheos]], [[Irma Arestizábal]], [[Ticio Escobar]], [[Raúl Zamudio]], etc.<ref>Villa (2003), pp. 62-66.</ref>

== Historiografía del arte ==

{{AP|Estudio de la Historia del Arte}}
[[Archivo:Johann Joachim Winckelmann (Anton von Maron 1768).jpg|thumb|250px|[[Johann Joachim Winckelmann]], considerado el padre de la [[Historia del arte]].]]
La [[Estudio de la Historia del Arte|historiografía del arte]] es la ciencia que analiza el estudio de la [[Historia del arte]], desde un punto de vista [[Metodología|metodológico]], es decir, de la forma cómo el [[historiador]] afronta el estudio del arte, las herramientas y disciplinas que le pueden ser de utilidad para este estudio. El mundo del arte siempre ha llevado en paralelo un componente de autorreflexión, desde antiguo los artistas, u otras personas a su alrededor, han plasmado por escrito diversas reflexiones sobre su actividad. [[Vitruvio]] escribió el tratado sobre [[arquitectura]] más antiguo que se conserva, ''[[De Architectura]]''. Su descripción de las formas arquitectónicas de la antigüedad grecorromana influyó poderosamente en el [[Renacimiento]], siendo a la vez una importante fuente documental por las informaciones que aporta sobre la [[pintura]] y la [[escultura]] griegas y romanas.<ref>Tatarkiewicz (2000), vol. I, pp. 280-288.</ref> [[Giorgio Vasari]], en ''[[Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori|Vida de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos]]'' (1542–1550), fue uno de los predecesores de la historiografía del arte, haciendo una crónica de los principales artistas de su tiempo, poniendo especial énfasis en la progresión y el desarrollo del arte. Sin embargo, estos escritos, generalmente crónicas, inventarios, biografías u otros escritos más o menos literarios, carecían de perspectiva histórica y el rigor científico necesarios para ser considerados historiografía del arte.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 137.</ref>

[[Johann Joachim Winckelmann]] es considerado el padre de la Historia del arte, creando una metodología científica para la clasificación de las artes y basando la Historia del arte en una teoría estética de influencia [[Neoplatonismo|neoplatónica]]: la belleza es el resultado de una materialización de la idea. Gran admirador de la cultura griega, postuló que en la [[Grecia]] antigua se dio la belleza perfecta, generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día. En ''Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas'' (1755) afirmó que los griegos llegaron a un estado de perfección total en la imitación de la naturaleza, por lo que nosotros solo podemos imitar a los griegos. Asimismo, relacionó el arte con las etapas de la vida humana (infancia, madurez, vejez), estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico, clásico y helenístico.<ref>Bozal (2000), vol. I, pp. 150-154.</ref>

Durante el {{Siglo|XIX||s}} la nueva disciplina buscó una formulación más práctica y rigurosa, sobre todo desde la aparición del [[positivismo]]. Sin embargo, esta tarea se abordó desde diversas metodologías que supusieron una gran multiplicidad de tendencias historiográficas: el [[romanticismo]] impuso una visión [[Historicismo|historicista]] y evocadora del pasado, rescatando y poniendo nuevamente de moda estilos artísticos que habían sido minusvalorados por el [[neoclasicismo]] winckelmanniano; así lo vemos en la obra de [[John Ruskin|Ruskin]], [[Viollet-le-Duc]], [[Goethe]], [[Friedrich von Schlegel|Schlegel]], [[Wilhelm Heinrich Wackenroder|Wackenroder]], etc. En cambio, la obra de autores como [[Karl Friedrich von Rumohr]], [[Jacob Burckhardt]] o [[Hippolyte Taine]], supuso un primer intento serio de formular una Historia del arte basada en criterios científicos, basándose en el análisis crítico de las fuentes historiográficas. Por otro lado, [[Giovanni Morelli]] introdujo el concepto del ''connoisseur'', el experto en arte, que lo analiza en base tanto a sus conocimientos como a su intuición.<ref>Bozal (2000), vol. I, p. 141-143.</ref>

La primera escuela historiográfica de gran relevancia fue el [[formalismo (arte)|formalismo]], que defendía el estudio del arte a partir del estilo, aplicando una metodología [[Evolución|evolucionista]] que otorgaba al arte una autonomía alejada de cualquier consideración filosófica, rechazando la estética romántica y el idealismo [[hegel]]iano, y acercándose al [[neokantismo]]. Su principal teórico fue [[Heinrich Wölfflin]], considerado el padre de la moderna Historia del arte. Aplicó al arte criterios científicos, como el estudio psicológico o el [[método comparativo]]: definía los estilos por las diferencias estructurales inherentes a los mismos, como argumentó en su obra ''Conceptos fundamentales de la Historia del Arte'' (1915). Wölfflin no otorgaba importancia a las biografías de los artistas, defendiendo en cambio la idea de nacionalidad, de escuelas artísticas y estilos nacionales. Las teorías de Wölfflin fueron continuadas por la llamada [[Estudio de la Historia del Arte#Thausing, Riegl, Wickhoff y la Escuela de Viena|Escuela de Viena]], con autores como [[Alois Riegl]], [[Max Dvořák]], [[Hans Sedlmayr]] y [[Otto Pächt]].<ref>Bozal (1999), vol. II, p. 255-258.</ref>

Ya en el {{Siglo|XX||s}} la historiografía del arte ha continuado dividida en múltiples tendencias, desde autores aún enmarcados en el formalismo ([[Roger Fry]], [[Henri Focillon]]), pasando por las escuelas sociológica ([[Friedrich Antal]], [[Arnold Hauser]], [[Pierre Francastel]], [[Giulio Carlo Argan]]) o psicológica ([[Rudolf Arnheim]], [[Max Wertheimer]], [[Wolfgang Köhler]]), hasta perspectivas individuales y sintetizadoras como las de [[Adolf Goldschmidt]] o [[Adolfo Venturi]]. Una de las escuelas más reconocidas ha sido la de la [[iconología]], que centra sus estudios en la simbología del arte, en el significado de la obra artística. A través del estudio de imágenes, [[emblema]]s, [[alegoría]]s y demás elementos de significación visual, pretenden esclarecer el mensaje que el artista pretendió transmitir en su obra, estudiando la imagen desde postulados mitológicos, religiosos o históricos, o de cualquier índole [[semántica]] presente en cualquier estilo artístico. Los principales teóricos de este movimiento fueron [[Aby Warburg]], [[Erwin Panofsky]], [[Ernst Gombrich]], [[Rudolf Wittkower]] y [[Fritz Saxl]].<ref>Bozal (1999), vol. II, p. 293-295.</ref>

== Historia del arte ==

{{AP|Historia del arte}}

=== Arte en la prehistoria (ca. 25000-3000&nbsp;a.&nbsp;C.) ===

[[Archivo:Venus of Willendorf frontview retouched 2.jpg|thumb|upright|[[Venus de Willendorf]]]]
* [[Arte prehistórico]]: es el desarrollado por el [[ser humano]] primitivo desde el [[paleolítico superior]] hasta el [[neolítico]], periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano. En el paleolítico, el ser humano se dedicaba a la caza y recolección, y vivía en [[cueva]]s, elaborando la llamada [[pintura rupestre]]. En el neolítico, se vuelve sedentario y se dedica a la [[agricultura]], con sociedades cada vez más complejas donde va cobrando importancia la [[religión]], como se puede ver en los monumentos [[Megalitismo|megalíticos]], y comienza la producción de piezas de [[artesanía]].<ref>Azcárate (1983), pp. 24-28.</ref>

=== Arte antiguo (ca. 3000-300&nbsp;a.&nbsp;C.) ===

{{AP|Arte antiguo}}
En [[Antiguo Egipto|Egipto]] y [[Mesopotamia]] surgieron las primeras [[Civilización|civilizaciones]], y sus artistas/artesanos elaboraron complejas obras de arte que suponen ya una especialización profesional.

* [[Arte egipcio]]: su arte era intensamente religioso y simbólico, destacando en [[arquitectura]] las [[mastaba]]s, las [[Pirámide (arquitectura)|pirámides]] y los [[hipogeo]]s, como en [[Guiza]] y el [[Valle de los Reyes]]. La [[escultura]] y la [[pintura]] muestran la figura humana de forma realista, aunque adolecen de hieratismo y esquematismo a causa de la rigidez de sus cánones simbólico-religiosos.
* [[Arte mesopotámico]]: se desarrolla en la zona comprendida entre los ríos [[Tigris]] y [[Éufrates]], donde se sucedieron diversas culturas como los [[Sumeria|sumerios]], [[acad]]ios, [[Asiria|asirios]], [[Persia|persas]], etc. En la arquitectura destacan los [[zigurat]]s, grandes [[templo]]s de forma escalonada piramidal, mientras que la escultura se desarrolla en talla exenta o relieve, en escenas religiosas o de caza y militares, con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitológicos.<ref>Azcárate (1983), pp. 30-45.</ref>

{{VT|Arte ibérico}}

=== Arte clásico (1000-300&nbsp;d.&nbsp;C.) ===

[[Archivo:Nike of Samothrake Louvre Ma2369 n4.jpg|thumb|200px|''[[Victoria de Samotracia]]'', anónimo, años 190 a.{{esd}}C.]]
* [[Arte de la Antigua Grecia|Arte griego]]: en [[Grecia]] se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte [[Occidente|occidental]]. Tras unos inicios donde destacaron las culturas [[Arte minoico|minoica]] y [[Arte micénico|micénica]], el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y [[Arte helenístico|helenístico]]. En arquitectura destacaron los templos, donde se sucedieron tres órdenes constructivos: [[Orden dórico|dórico]], [[Orden jónico|jónico]] y [[Orden corintio|corintio]]. Destaca especialmente el conjunto de la [[Acrópolis]]. En escultura predominó la representación del cuerpo humano, con una evolución desde formas rígidas y esquemáticas, pasando por el naturalismo del periodo clásico –con la obra de [[Mirón]], [[Fidias]] y [[Policleto]]–, hasta el recargamiento y sinuosidad del periodo helenístico.
* [[Arte de la Antigua Roma|Arte romano]]: con un claro precedente en el [[arte etrusco]], el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. Gracias a la expansión del [[Imperio romano]], el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de [[Europa]], norte de [[África]] y [[Próximo Oriente]], sentando las bases del arte occidental. Grandes ingenieros y constructores, destacaron en arquitectura civil, con la construcción de [[carretera]]s, [[puente]]s, [[acueducto]]s y obras [[Urbanismo|urbanísticas]], así como [[templo]]s, [[palacio]]s, [[teatro]]s, [[anfiteatro]]s, [[circo]]s, [[termas]], [[Arco de triunfo|arcos de triunfo]], etc. La escultura, inspirada en la griega, se centra igualmente en la figura humana, aunque con más realismo, no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega. La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en [[Pompeya]], y destacó especialmente el [[mosaico]].<ref>Azcárate (1983), pp. 64-88.</ref>

=== Arte en la Alta Edad Media ({{Siglo|IV||s}}-{{Siglo|X||s}}) ===

{{AP|Arte medieval}}
* [[Arte paleocristiano]]: con la aparición del [[cristianismo]] se generó a lo largo del Imperio el llamado arte paleocristiano, que adquirió estatus oficial tras la conversión al cristianismo del [[emperador]] [[Constantino I el Grande|Constantino]]. El arte paleocristiano reinterpretó tanto las formas clásicas como las judías para servir como vehículo de expresión de la nueva religión oficial, y se produjo una atomización de estilos por zonas geográficas. En arquitectura destacó como tipología la [[basílica]], mientras que en escultura destacan los [[sarcófago]]s y continúan como en época romana la pintura y el mosaico.
* [[Arte prerrománico]]: se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la caída del Imperio romano hasta alrededor del año 1000, donde la fusión de la cultura clásica con la de los nuevos pobladores de origen [[Pueblos germánicos|germánico]] generará las diversas nacionalidades que conforman actualmente el continente europeo. Se engloban en esta fase diversos estilos de marcado carácter regional, desde el [[arte visigodo]] y de los otros pueblos germánicos, o incluso el [[arte celta]] —especialmente en las [[islas británicas]]— o [[Arte vikingo|vikingo]], pasando por el [[arte asturiano]], hasta el [[arte carolingio]] y [[Arte otoniano|otoniano]] en el centro de Europa.<ref>Azcárate (1983), pp. 95-130.</ref>

{{VT|Arte bizantino|Arte islámico|Arte mozárabe}}

=== Arte en la Baja Edad Media (900-1400) ===
[[Archivo:Catedral de Pisa 2024.jpg|thumb|250px|[[Catedral de Pisa]].]]
* [[Arte románico]]: representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso del [[latín]] a las [[Lengua vernácula|lenguas vernáculas]]. De carácter eminentemente religioso, casi todo el arte románico está dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. La arquitectura destaca por el uso de [[Bóveda de cañón|bóvedas de cañón]] y [[Arco de medio punto|arcos de medio punto]], iniciándose la construcción de grandes [[catedral]]es, que seguirá durante el gótico. La escultura se desarrolló principalmente en el marco arquitectónico, de carácter religioso, con figuras esquematizadas, sin realismo, de signo simbólico. La pintura es preferentemente mural, de signo religioso y figuras esquemáticas al igual que la escultura.
* [[Arte gótico]]: desarrollado entre los siglos {{Siglo|XII}} y {{Siglo|XVI}}, fue una época de desarrollo económico y cultural. La arquitectura sufrió una profunda transformación, con formas más ligeras, más dinámicas, con un mejor análisis estructural que permitió hacer edificios más estilizados, con más aberturas y, por tanto, mejor iluminación. Aparecieron nuevas tipologías como el [[arco apuntado]] y la [[bóveda de crucería]], y la utilización de [[contrafuerte]]s y [[arbotante]]s para sostener la estructura del edificio, permitiendo interiores más amplios y decorados con [[vitral]]es y [[Rosetón|rosetones]]. La escultura continuó enmarcada en la obra arquitectónica, aunque comenzó a desarrollarse la escultura exenta, con formas más realistas, inspiradas en la naturaleza. La pintura dejó de ser mural para pasar a [[retablo]]s situados en los [[altar]]es de las [[Iglesia (edificio)|iglesias]], y empezó a desarrollarse la pintura en [[lienzo]], al [[Pintura al temple|temple]] o al [[Pintura al óleo|óleo]]. Se sucedieron cuatro estilos pictóricos: el [[Pintura gótica#Estilo gótico-lineal o franco-gótico|gótico lineal o franco-gótico]], el [[Pintura gótica#Estilo italo-gótico|gótico itálico o trecentista]] ([[Cimabue]], [[Giotto]], [[Duccio]]), el [[Pintura gótica internacional|gótico internacional]] ([[Stefan Lochner]], [[Bernat Martorell]]) y el [[Pintura gótica#Estilo flamenco|gótico flamenco]] ([[Jan Van Eyck]], [[el Bosco]]).<ref>Azcárate (1983), p. 187-337.</ref>

{{VT|Arte mudéjar}}

=== Arte en la Edad Moderna (1400-1800) ===
[[Archivo:Sandro Botticelli - La nascita di Venere - Google Art Project - edited.jpg|thumb|300px|''[[El nacimiento de Venus (Botticelli)|El nacimiento de Venus]]'' (1485), de [[Sandro Botticelli]].]]
[[Archivo:David Miguel Ángel Academia Florencia.jpg|miniatura|''[[David (Miguel Ángel)|David]]'' de [[Miguel Ángel]] (1501-1504), [[Galería de la Academia de Florencia]]]]
{{AP|Arte de la Edad Moderna}}
* [[Renacimiento]]: época de gran esplendor cultural en Europa, la religión dejó paso a una concepción más científica del hombre y el universo, surgiendo el [[Humanismo renacentista|humanismo]]. Los nuevos descubrimientos geográficos hicieron que la civilización europea se expandiese por todos los continentes, y la invención de la [[imprenta]] supuso una mayor universalización de la cultura. El arte se inspira en el arte clásico grecorromano, por lo que se habla de “renacimiento” artístico tras el oscurantismo medieval. Inspirado en la naturaleza, surgen nuevos modelos de representación, como el uso de la [[perspectiva]]. La arquitectura recuperó los modelos clásicos, reelaborados con un concepto más [[Naturalismo (arte)|naturalista]] y con bases científicas: destacan [[Filippo Brunelleschi]], [[Leon Battista Alberti]] y [[Bramante]]. La escultura buscó igualmente la idealizada perfección del clasicismo, como en la obra de [[Lorenzo Ghiberti]] y [[Donatello]]. La pintura sufrió una notable evolución desde las formas medievales, con formas naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto a las religiosas, destacando [[Botticelli]], [[Perugino]], [[Piero della Francesca]], [[Andrea Mantegna]], [[Leonardo Da Vinci]], [[Rafael Sanzio|Rafael]], [[Alberto Durero]], [[Pieter Brueghel el Viejo|Pieter Brueghel]], etc.
* [[Manierismo]]: evolución de las formas renacentistas, el manierismo abandonó la naturaleza como fuente de inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo, cobrando importancia la interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte. La arquitectura adquiere un signo más efectista y de tenso equilibrio, destacando [[Andrea Palladio]] y [[Miguel Ángel]]. En escultura, descuella la obra de Miguel Ángel, con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión de la persona representada. La pintura tiene un sello más caprichoso, extravagante, con gusto por la forma sinuosa y estilizada, destacando en primer lugar –como en las otras artes– Miguel Ángel, seguido de [[Bronzino]], [[Antonio Allegri da Correggio|Correggio]], [[Parmigianino]], [[Giorgione]], [[Tiziano]], [[Paolo Veronese|Veronese]], [[Tintoretto]], [[El Greco]], etc.<ref>Pérez Sánchez (1983), p. 347-409.</ref>
* [[Barroco]]: época de grandes disputas en el terreno político y religioso, surge una división entre los países [[católicos]] [[Contrarreforma|contrarreformistas]], donde se afianza el estado [[Absolutismo|absolutista]], y los países [[Protestantismo|protestantes]], de signo más [[Democracia|parlamentario]]. El arte se vuelve más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas, con gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones [[óptica]]s y los golpes de efecto. La arquitectura, bajo unas líneas clásicas, asume unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración, destacando [[Gian Lorenzo Bernini]], [[Francesco Borromini]], [[Fischer von Erlach]], [[José Benito Churriguera]], etc. La escultura adquiere el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo, ornamental, destacando nuevamente Bernini, así como [[Pedro de Mena]], [[Francisco Salzillo]], etc. La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el [[Caravagismo|naturalismo]], basado en la estricta realidad natural, con gusto por el [[claroscuro]] –el llamado “[[tenebrismo]]”–, donde cabe citar a [[Caravaggio]] y [[Georges de La Tour]]; y el [[Pintura clasicista|clasicismo]], que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado, englobando a [[Annibale Carracci]], [[Nicolas Poussin]], [[Claude Lorrain]], etc. Aparte de estas dos corrientes, hubo infinitud de escuelas, estilos y autores de muy diverso signo, destacando dos escuelas regionales: la [[Flandes|flamenca]] ([[Rubens]], [[Van Dyck]]), y la [[Países Bajos|neerlandesa]] ([[Rembrandt]], [[Johannes Vermeer]]). En [[España]] destacó la figura excepcional de [[Velázquez]], así como [[José de Ribera]], [[Francisco de Zurbarán]] y [[Bartolomé Esteban Murillo]].
* [[Rococó]]: desarrollado en el {{siglo|XVIII||s}}, supone la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. La arquitectura rococó se desarrolló sobre todo en [[Francia]] y [[Alemania]], representado por [[Ange-Jacques Gabriel]] y [[Johann Balthasar Neumann]]. La escultura tiene un aire grácil, refinado, como en la obra de [[Jean-Antoine Houdon]] o los hermanos Asam ([[Cosmas Damian Asam|Cosmas Damian]] y [[Egid Quirin Asam|Egid Quirin]]). La pintura se mueve entre la exaltación religiosa o el paisajismo [[Vedutismo|vedutista]] en [[Italia]], y las escenas cortesanas de [[Watteau]] y [[Fragonard]] en Francia, pasando por el retratismo [[Reino Unido|inglés]] de [[Joshua Reynolds|Reynolds]] y [[Thomas Gainsborough|Gainsborough]]. Figura aparte es el inclasificable pintor español [[Francisco de Goya]], que evolucionó desde un sello más o menos rococó hasta un cierto [[prerromanticismo]], pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista.
* [[Neoclasicismo]]: el auge de la [[burguesía]] tras la [[Revolución francesa]] favoreció el resurgimiento de las formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó, identificados con la [[aristocracia]]. La arquitectura neoclásica es más racional, de signo funcional y un cierto aire [[Utopía|utópico]], como vemos en los postulados de [[Claude-Nicolas Ledoux]] y [[Étienne-Louis Boullée]]. La escultura, de lógico referente grecorromano, tuvo como principales figuras a [[Antonio Canova]] y [[Bertel Thorvaldsen]]. La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin, destacando [[Jacques-Louis David]], [[Ingres|J.A.D. Ingres]], [[José de Madrazo]], etc.<ref>Pérez Sánchez (1983), p. 479-651.</ref>

=== Arte no europeo ===
[[Archivo:Hiroshige Atake sous une averse soudaine.jpg|thumb|250px|''[[El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina]]'' (1857), de [[Utagawa Hiroshige]], [[Museo Brooklyn|Brooklyn Museum of Art]], [[Nueva York]].]]
* [[Arte precolombino]]: las primeras grandes civilizaciones surgieron en [[México]]: los [[olmeca]]s realizaban esculturas de piedra de gran naturalismo (''Luchador'', hallado en Santa María Uxpanapán), así como colosales cabezas [[Monolito|monolíticas]] de hasta 3,5 metros de altura; los [[Cultura zapoteca|zapotecas]] construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos, en el [[Monte Albán]]. Posteriormente, los [[Cultura maya|mayas]] desarrollaron un arte de signo religioso, donde destacaban los templos, de forma piramidal ([[Tikal]], [[Uxmal]], [[Templo de Kukulcán]] en [[Chichén Itzá]]). Los [[cultura tolteca|toltecas]] construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en [[Tollan-Xicocotitlan|Tula]], y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina: el ''[[Chac Mool]]''. Los [[azteca]]s consagraron el arte a la expresión del poder, destacando su capital, [[Tenochtitlán]]. En [[Perú]] la primera cultura de relevancia fue la de [[Chavín de Huántar]] (900 a.{{esd}}C.), complejo religioso donde destaca el templo, edificado sobre tres pisos de galerías. Otras culturas remarcables de la región fueron la de [[Paracas]], la [[moche]] y la [[nazca]] –con sus enigmáticas [[líneas de Nazca]]–. Más adelante, los [[incas]] crearon una cultura muy desarrollada, con una notable arquitectura e ingeniería civil, destacando la ciudad de [[Machu Picchu]].<ref>Honour-Fleming (2002), p. 521-530.</ref>
* [[Arte africano]]: su principal peculiaridad ha sido siempre su carácter mágico-religioso, con obras de [[madera]], [[piedra]] o [[marfil]], en [[máscara]]s y figuras exentas de carácter más o menos [[Antropomorfismo|antropomórfico]]. La primera producción de cierta relevancia fue la [[cultura Nok]], en el primer milenio a.{{esd}}C., situada en el norte de la actual [[Nigeria]]. En [[Sudán]] se desarrollaron las culturas [[kerma]] y [[meroe]], caracterizadas por sus monumentales construcciones en [[barro]], sus armas y su [[cerámica]]. En [[Etiopía]] destacó la ciudad de [[Aksum (ciudad)|Aksum]], siendo de remarcar sus [[Estela (monumento)|estelas]] en forma de [[pilar]]es monolíticos, de carácter funerario, de hasta 20 metros de altura. En [[Zimbabue]] floreció la [[Gran Zimbabue|cultura Monomotapa]] (siglos {{Siglo|XI}}-{{Siglo|XV}}), cuya capital, [[Gran Zimbabue]], fue una de las ciudades más grandes de toda [[África]]. En [[Ifé]] (Nigeria), de cultura [[yoruba]], surgió en los siglos {{Siglo|XII}}-{{Siglo|XIII}} una notable escuela de figuras en [[terracota]], de gran naturalismo. De esta época datan también las [[iglesias talladas en la roca de Lalibela]], en Etiopía. En [[Malí]] destacaron las construcciones en [[adobe]], como la [[Gran Mezquita de Djenné]], datada inicialmente del {{Siglo|XIII||s}} pero reconstruida varias veces.<ref>Honour-Fleming (2002), p. 530-536.</ref>
* [[Arte de la India|Arte indio]]: tiene un carácter principalmente religioso, sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la [[India]]: [[hinduismo]], [[budismo]], [[islamismo]], etc. La primera gran civilización se produjo en la ciudad de [[Mohenjo-Daro|Mohenjo-Dāro]], que muestra un planificado [[urbanismo]], con edificios públicos construidos en barro cocido y ladrillo. Entre los siglos {{Siglo|III}} y {{Siglo|II}} a.{{esd}}C. se desarrolló el [[Imperio maurya|arte maurya]], de signo budista, destacando como monumento característico la [[estupa|stūpa]], [[túmulo]] funerario de carácter conmemorativo, generalmente recubierto de [[Relieve (arte)|relieves]] con escenas de la vida de [[Buda]], como la Stūpa de [[Sanchi|Sānchi]]. Otras muestras de [[arte budista]] fueron: el arte de [[Gandhara|Gandhāra]], con influencia [[Arte helenístico|helenística]] y [[Imperio sasánida|sasánida]]; el de [[Mathurā]], que mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos; y el de [[Amarāvatī]], igualmente de influencia grecorromana, destacando la gran stūpa de Amarāvati, de 50 metros de altura. Entre los siglos {{Siglo|IV}} y {{Siglo|VIII}} se desarrolló el [[Imperio Gupta|arte gupta]], donde destacan los grandes santuarios rupestres o [[vihara]] ([[Ajantā]], [[Ellorā]], [[Elephanta]]). El arte [[Hinduismo|hindú]] tuvo su apogeo entre los siglos {{Siglo|VIII}} y {{Siglo|XII}}, con un tipo de santuario característico denominado ''[[Sikhara|śikhara]]'', como el de [[Udaipur]]. Entre los siglos {{Siglo|X}} y {{Siglo|XI}} se produjo el arte de [[Khajuraho|Khajurāhō]], máxima expresión del arte indoario por la elegancia formal y estética de sus templos, así como de la escultura que los adorna. Por último, tras la invasión [[Islam|musulmana]] se produjo el [[Imperio Mogol|arte mogol]], de formas [[Arte islámico|islámicas]], destacando el [[Taj Mahal]] ({{Siglo|XVII||s}}).<ref>Onians (2008), p. 134-135.</ref>
* [[Arte de China|Arte chino]]: como la mayoría del arte oriental tiene un fuerte sello religioso –principalmente [[taoísmo]], [[confucianismo]] y [[budismo]]–. Se suele estudiar por etapas, que coinciden con las dinastías reinantes: la [[dinastía Shang]] (1600-1046 a.{{esd}}C.) destacó por sus objetos y esculturas en [[bronce]], especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas, como las halladas en la zona de [[Chengdu]]. La [[dinastía Zhou]] (1045-256 a.{{esd}}C.) creó un estilo decorativo y ornamentado, de figuras estilizadas y dinámicas, continuando el trabajo en cobre. La [[dinastía Qin]] (221-206 a.{{esd}}C.) destacó por la construcción de la [[Gran Muralla China|Gran Muralla]], así como el hallazgo [[Arqueología|arqueológico]] del [[Ejército de terracota]] de [[Xian]]. La [[dinastía Han]] (206 a.{{esd}}C.-220 d.{{esd}}C.) vio la introducción del budismo, destacando por la pintura y los relieves en santuarios y cámaras de ofrendas. Durante el Periodo de las Seis dinastías (220-618) se difundió más ampliamente el budismo, construyéndose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda ([[Grutas de Yungang|Yungang]], [[Grutas de Longmen|Longmen]]). La [[dinastía Tang]] (618-907) fue uno de los periodos más florecientes del arte chino, destacando por su escultura y sus célebres figuras de cerámica, mientras que en arquitectura la tipología principal fue la [[pagoda]] (Hua-yen, Hsiangchi), y en pintura apareció el [[Pintura de paisaje|paisaje]]. En la [[dinastía Song]] (960-1279) se alcanzó un nivel de elevada cultura que sería recordado con gran admiración en posteriores etapas, destacando igualmente la cerámica y la pintura de paisaje. Durante la [[dinastía Yuan]] (1280-1368) se desarrollaron especialmente las artes decorativas, principalmente [[alfombra]]s, cerámica y obras de [[metal]]istería, y en pintura proliferaron los temas religiosos. En la [[dinastía Ming]] (1368-1644) se construyó el Palacio Imperial (la [[Ciudad Prohibida]]), y la pintura era tradicional, de signo naturalista y cierta opulencia; también destacó la [[porcelana]]. Por último, la [[dinastía Qing]] (1644-1911) supuso la continuidad de las formas tradicionales: la pintura era bastante [[Eclecticismo (arte)|ecléctica]], dedicada a temas florales ([[Yun Shouping]]), religiosos ([[Wu Li]]), paisajes ([[Gai Qi]]), etc.; continuó la tradición en las artes aplicadas, especialmente [[ebanistería]], porcelana, tejidos de [[seda]], [[laca]]s, [[esmalte]], [[jade]], etc.<ref>Honour-Fleming (2002), p. 557-560.</ref>
* [[Arte de Japón|Arte japonés]]: también cabe estudiarlo por períodos: el [[Período Jōmon]] (5000 a.{{esd}}C.-200 a.{{esd}}C.) estuvo marcado por la producción de [[cerámica]], la más antigua producida por el [[ser humano]], decorada con incisiones o impresiones de cuerda. Durante el [[Período Yayoi]] (200 a.{{esd}}C.-200 d.{{esd}}C.) se difundió un tipo de [[sepultura]]s de gran tamaño con cámara y [[túmulo]] ornamentado con [[cilindro]]s de [[terracota]]. En el [[Período Kofun]] (200-600) destacan las grandes sepulturas llamadas ''[[kofun]]'', así como unas figuras de terracota llamadas ''[[haniwa]]''; en arquitectura destaca el [[santuario de Ise]]. En el [[Período Asuka]] (552-646) se introdujo el budismo, destacando el templo de [[Hōryū-ji]] (607) y las estatuas de [[Buda Gautama|Buda]]. En el [[Período Nara]] (646-794) tuvo su apogeo el arte budista, plasmado igualmente en arquitectura (Pagoda del Este de [[Yakushi-ji]], templo de [[Tōdai-ji]]) y escultura (''Buda de Tachibana'', ''Bodhisattva Gakko''). El [[Período Heian]] (794-1185) fue el más clásico del arte japonés: monasterio de [[Byōdō-in]], escuela pictórica de ''[[yamato-e]]''. En el [[Período Kamakura]] (1185-1333) se introdujo la secta [[zen]], que influyó poderosamente en el arte figurativo: en escultura destacó [[Unkei]], en arquitectura el conjunto de cinco grandes templos de [[Sanjūsangen-dō]] (1266), y en pintura el retrato y el paisaje. En el [[Período Muromachi]] (1333-1573) floreció notablemente la pintura, enmarcada dentro de la estética zen, apareciendo el estilo ''[[sumi-e]]'', representado fundamentalmente por [[Sesshū]]; también se desarrolló el arte de la [[Jardín japonés|jardinería]], y cobraron importancia los objetos de [[laca]] y [[metal]]. Durante el [[Período Azuchi-Momoyama|Período Momoyama]] (1573-1615) el arte se alejó de la estética budista, remarcando los valores tradicionales japoneses: se construyeron grandes castillos, como el de [[Castillo de Himeji|Himeji]] y el de [[Castillo Fushimi-Momoyama|Fushimi-Momoyama]]; en pintura continuó la tradición épica japonesa, la cerámica alcanzó un momento de gran apogeo, y en laca destacó [[Honami Kōetsu]]. En el [[Período Edo]] (1615-1868) Japón se cerró a todo contacto exterior, aunque fue una época de gran prosperidad: se desarrolló notablemente la pintura, que adquirió gran vitalidad, destacando [[Tawaraya Sōtatsu]] y [[Ogata Kōrin]], así como la escuela de ''[[ukiyo-e]]'', que destacó por la representación de tipos y escenas populares ( [[Kitagawa Utamaro]], [[Katsushika Hokusai]], [[Utagawa Hiroshige]]).<ref>Onians (2008), p. 204-205.</ref>
* [[Arte de Oceanía|Arte oceánico]]: está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el [[océano Pacífico]], destacando las islas de [[Australia]] y [[Nueva Zelanda]], y tres principales áreas de islas y [[archipiélago]]s: [[Polinesia]], [[Melanesia]] y [[Micronesia]]. La primera cultura desarrollada en la zona fue la [[lapita]] (1500-500 a.{{esd}}C.), que se caracteriza por su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas, así como objetos de [[obsidiana]] y [[concha]]s. En Australia destacan las pinturas rupestres, que son bastante esquemáticas, llegando a la simplificación geométrica. Más adelante continuó la expansión hacia la periferia oceánica, produciéndose una gran diversificación cultural. La mayoría de manifestaciones artísticas eran de carácter ritual, relacionadas con danzas y ceremonias de tipo religioso: en Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectónicos con esculturas de piedra y [[megalito]]s; en [[Guam]] y las [[islas Marianas]] destacan las casas sobre columnas de piedra (''latte''); en [[Hawái]] se construyeron grandes templos (''heiau''), con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses; en Nueva Zelanda, los [[maoríes]] desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de líderes políticos y religiosos; en la [[isla de Pascua]] se construyeron las famosas cabezas monolíticas (''[[moái]]'') entre el año 900 y el 1600; en Melanesia destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus», dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados; las máscaras fueron características de [[Nueva Guinea]] (''mai''), [[Nueva Irlanda]] (''malanggan'') y [[Nueva Caledonia]] (''apuema''); los [[asmat]] de [[Irian Jaya]] (Nueva Guinea) construían unos postes conmemorativos (''[[bisj]]'') de entre 5 y 10 metros de altura, tallados con figuras antropomórficas; en las [[islas Salomón]] se dieron estatuas de madera (''indalo'') de figuras humanas o animales, con incrustaciones de conchas.<ref>Onians (2008), p. 208-209.</ref>

=== Arte en la Edad Contemporánea (1800-actualidad) ===
[[Archivo:Caspar David Friedrich - Wanderer above the sea of fog.jpg|thumb|250px|''[[Viajero frente al mar de niebla]]'' (1818), de [[Caspar David Friedrich]].]]
{{AP|Arte contemporáneo}}
;{{Siglo|XIX||S}} 
Entre finales del {{Siglo|XVIII||s}} y principios del {{Siglo|XIX}} se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos –impulso iniciado con la Revolución francesa–; y, en lo económico, por la [[Revolución industrial]] y el afianzamiento del [[capitalismo]], que tendrá respuesta en el [[marxismo]] y la [[lucha de clases]]. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el {{Siglo|XX||s}} con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan.

* [[Historia de la arquitectura#Siglo XIX|Arquitectura del {{Siglo|XIX||s}}]]: la arquitectura decimonónica sufrió una gran evolución debido a los avances técnicos que comportó la Revolución industrial, con la incorporación de nuevos materiales como el [[hierro]] y el [[hormigón]], que permitieron la construcción de estructuras más sólidas y diáfanas. Estilísticamente, la primera mitad de siglo vio un cierto [[Eclecticismo (arte)|eclecticismo]] de las formas, así como un ''revival'' de estilos anteriores reinterpretados según conceptos modernos: es el llamado [[Arquitectura historicista|historicismo]], que produjo movimientos como el [[neorrománico]], el [[neogótico]], el [[neobarroco]], etc. A finales de siglo surgió el [[Modernismo (arte)|modernismo]], que supuso una gran revolución en terreno del [[diseño]], con nombres como [[Victor Horta]], [[Otto Wagner]], [[Antoni Gaudí]], [[Lluís Domènech i Montaner]], [[Josep Puig i Cadafalch]], etc.<ref>Ramírez Domínguez (1983), p. 663-702.</ref>
* [[Romanticismo]]: movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos, los románticos pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad, de la imaginación, la fantasía, el sentimiento, la evocación ensoñadora. En pintura, después de una fase prerromántica donde podríamos citar a [[William Blake]] y [[Johann Heinrich Füssli]], destacaron [[Eugène Delacroix]], [[Théodore Géricault]], [[John Constable]], [[Joseph Mallord William Turner]], etc. Una derivación del romanticismo fue el movimiento alemán de los [[Nazarenos (arte)|Nazarenos]].
* [[Realismo pictórico|Realismo]]: desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la realidad, la descripción del mundo circundante, especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial, con un cierto componente de denuncia social, ligado a movimientos políticos como el [[socialismo utópico]]. En pintura destacan [[Camille Corot]], [[Gustave Courbet]], [[Jean-François Millet]], [[Honoré Daumier]] y [[Mariano Fortuny]]. En [[Gran Bretaña]] surgió la escuela de los [[Prerrafaelismo|prerrafaelitas]], que se inspiraban –como su nombre indica– en los pintores italianos anteriores a Rafael, así como en la recién surgida [[fotografía]]. En escultura, destacó [[Constantin Meunier]].
* [[Impresionismo]]: fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico, iniciando el camino hacia los movimientos de [[Vanguardismo|vanguardia]]. Se inspiraban en la naturaleza, de la que pretendían captar una ‘impresión’ visual, la plasmación de un instante en el lienzo –por influjo de la fotografía–, con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos. Cabe mencionar como principales representantes a [[Édouard Manet]] –considerado un precursor–, [[Claude Monet]], [[Camille Pissarro]], [[Pierre-Auguste Renoir]] y [[Edgar Degas]]. Igual de renovador fue en el terreno de la escultura el papel de [[Auguste Rodin]], que sentó las bases de la escultura del {{Siglo|XX||s}}.
* [[Neoimpresionismo]]: evolucionando desde el impresionismo, los neoimpresionistas se preocupan más de los fenómenos ópticos, desarrollando la técnica del [[puntillismo]], como se puede apreciar en la obra de [[Georges Seurat]] y [[Paul Signac]].
* [[Postimpresionismo]]: son artistas que, partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectuados por los impresionistas, los reinterpretan de manera personal, abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el {{Siglo|XX||s}}: [[Henri de Toulouse-Lautrec]], [[Paul Gauguin]], [[Paul Cézanne]], [[Vincent Van Gogh]], [[Joaquín Sorolla]], etc.<ref>Ramírez Domínguez (1983), p. 709-772.</ref>
* [[Simbolismo]]: corriente de corte fantástico y onírico, surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños, así como en aspectos [[Satanismo|satánicos]] y terroríficos, el sexo y la perversión. Destacaron [[Gustave Moreau]], [[Odilon Redon]], [[Pierre Puvis de Chavannes]] y [[Gustav Klimt]].

[[Archivo:'Unique Forms of Continuity in Space', 1913 bronze by Umberto Boccioni.jpg|thumb|200px|''Formas únicas de continuidad en el espacio'' (1913), de [[Umberto Boccioni]].]]
;{{Siglo|XX||S}}
El [[arte del siglo XX]] padece una profunda transformación: en una sociedad más materialista, más consumista, el arte se dirige a los sentidos, no al intelecto. Igualmente, cobra especial relevancia el concepto de [[moda]], una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. Surgen así los movimientos de [[Vanguardismo|vanguardia]], que pretenden integrar el arte en la sociedad, buscando una mayor interrelación artista-espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. Las últimas tendencias artísticas pierden incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto, el actual de concepto. Hay una revalorización del arte activo, de la acción, de la manifestación espontánea, efímera, del arte no comercial ([[arte conceptual]], ''[[happening]]'', ''[[Arte ambiental|environment]]'').

* [[Arquitectura moderna|Arquitectura del {{Siglo|XX||s}}]]: la arquitectura ha sufrido una profunda transformación desde las formas tradicionales hasta los movimientos de vanguardia, que han supuesto un nuevo concepto constructivo basado en una concepción más racional del espacio, estructurado de forma más depurada y funcional, con especial atención a las nuevas tecnologías y a su ubicación medioambiental. La principal tendencia artística ha sido el [[Arquitectura racionalista|racionalismo]], representado fundamentalmente por la [[Escuela de la Bauhaus]]. Entre los nombres de los más destacados arquitectos del {{Siglo|XX||s}} sobresalen [[Walter Gropius]], [[Frank Lloyd Wright]], [[Ludwig Mies van der Rohe]], [[Le Corbusier]], [[José Luis Sert]], [[Oscar Niemeyer]], [[Alvar Aalto]], [[Pier Luigi Nervi]], [[Luis Barragán Morfín|Luis Barragán]], [[Rafael Moneo]], [[Richard Rogers]], [[Robert Venturi]], [[Denise Scott Brown]], [[Frank Gehry]], [[Norman Foster]], [[James Stirling (arquitecto)|James Stirling]], [[Santiago Calatrava]], [[Zaha Hadid]], etc.<ref>Ramírez Domínguez (1983), p. 873-902.</ref>
* [[Vanguardismo]] (1905-1945):
** [[Fovismo]]: primer movimiento vanguardista del {{Siglo|XX||s}}, el fovismo supuso una experimentación en el terreno del color, que es concebido de modo subjetivo y personal, aplicándole valores emotivos y expresivos. Destacan [[Henri Matisse]], [[Albert Marquet]], [[Raoul Dufy]], [[André Derain]] y [[Maurice de Vlaminck]].
** [[Expresionismo]]: surgido como reacción al impresionismo, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la ‘‘expresión’’– frente a la plasmación de la realidad –la ‘‘impresión’’–, reflejando en sus obras una temática personal e intimista con gusto por lo fantástico, deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo de la obra. Con precedentes en las figuras de [[Edvard Munch]] y [[James Ensor]], se formó principalmente en torno a dos grupos: ''[[Die Brücke (tendencia artística)|Die Brücke]]'' ([[Ernst Ludwig Kirchner]], [[Erich Heckel]], [[Karl Schmidt-Rottluff]], [[Emil Nolde]]), y ''[[Der Blaue Reiter]]'' ([[Vasili Kandinski]], [[Franz Marc]], [[August Macke]], [[Paul Klee]]), destacando igualmente [[Egon Schiele]], [[Oskar Kokoschka]], [[Amedeo Modigliani]], [[Marc Chagall]], etc. 
** [[Cubismo]]: este movimiento se basó en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista, organizando el espacio en función de una trama geométrica, con visión simultánea de los objetos, una gama de colores fríos y apagados, y una nueva concepción de la obra de arte, con la introducción del ''[[collage]]''. La figura principal de este movimiento fue [[Pablo Picasso]], uno de los grandes genios del {{Siglo|XX||s}}, junto a [[Georges Braque]], [[Juan Gris]] y [[Fernand Léger]], así como [[Alexander Archipenko]], [[Pablo Gargallo]] y [[Julio González]] en escultura. Una derivación del cubismo fue el [[Orfismo (arte)|orfismo]] de [[Robert Delaunay]].
** [[Futurismo]]: movimiento [[italia]]no que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del {{Siglo|XX||s}}, destacando aspectos de la realidad como el movimiento, la velocidad y la simultaneidad de la acción. Destacan en pintura [[Giacomo Balla]] y [[Gino Severini]], y [[Umberto Boccioni]] en escultura.
** [[Dadaísmo]]: movimiento de reacción a los desastres de la [[Primera Guerra Mundial|guerra]], el dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte, que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón, reivindicando la duda, el azar, lo absurdo de la existencia. Esto se traduce en un lenguaje subversivo, donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte, experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición, como el ''collage'', el [[fotomontaje]] y los ''[[ready-made]]''. Destacan [[Hans Arp]], [[Francis Picabia]], [[Kurt Schwitters]] y [[Marcel Duchamp]].
** [[Surrealismo]]: con un claro precedente en la [[pintura metafísica]] ([[Giorgio de Chirico]], [[Carlo Carrà]]), el surrealismo puso especial énfasis en la imaginación, la fantasía, el mundo de los sueños, con una fuerte influencia del [[psicoanálisis]], como se percibe en su concepto de “[[escritura automática]]”, por la que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional, mostrar la pureza del inconsciente. La pintura surrealista se movió entre la figuración ([[Salvador Dalí]], [[Paul Delvaux]], [[René Magritte]], [[Max Ernst]]) y la abstracción ([[Joan Miró]], [[André Masson]], [[Yves Tanguy]]). En escultura destacan [[Henry Moore]], [[Constantin Brâncuşi]], [[Alberto Giacometti]] y [[Alexander Calder]]. 
** [[Arte abstracto]]: cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teorías científicas, y con el surgimiento de nuevas tecnologías como la [[fotografía]] y el [[cine]], que ya se encargan de plasmar la realidad, se produce la génesis del arte abstracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos. El arte pierde todo aspecto real y de imitación de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del artista, en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial. Iniciado por [[Vasili Kandinski]], fue desarrollado por el movimiento [[Neoplasticismo|neoplasticista]] ([[De Stijl]]), con figuras como [[Piet Mondrian]] y [[Theo Van Doesburg]].
** [[Constructivismo (arte)|Constructivismo]]: surgido en la [[Rusia]] [[Revolución rusa de 1917|revolucionaria]], es un estilo comprometido políticamente que pretende a través del arte realizar una transformación de la sociedad, mediante una reflexión sobre las formas puras artísticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo, que generan una serie de obras de estilo abstracto, con tendencia a la geometrización. Destacan [[Vladímir Tatlin]], [[El Lissitzky|Lissitzky]], [[Anton Pevsner]] y [[Naum Gabo]]. Una variante fue el [[suprematismo]] de [[Kasimir Malevich]].<ref>Ramírez Domínguez (1983), p. 773-837.</ref>

[[Archivo:Klein Beaubourg 2007.jpg|thumb|250px|''Liberación de 1001 globos azules'', “escultura aerostática” de [[Yves Klein]]. Las últimas tendencias han sido propensas a un arte más desmaterializado, donde importa más el concepto, el mensaje, la acción.]]
* Últimas tendencias (1945-Fin de siglo):
** [[Informalismo]]: conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista, renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura, composición, aplicación preconcebida del color). Incluye diversas corrientes como el [[tachismo]], el ''[[Arte marginal|art brut]]'' y la [[pintura matérica]]. Destacan [[Georges Mathieu]], [[Hans Hartung]], [[Jean Fautrier]], [[Jean Dubuffet]], [[Antoni Tàpies]], [[Lucio Fontana]], [[Antonio Saura]], [[Manolo Millares]], etc. En escultura cabe citar a [[Jorge Oteiza]], [[Pablo Serrano]] y [[Eduardo Chillida]]. En [[Estados Unidos]] se desarrolló el [[expresionismo abstracto]], caracterizado por la utilización de la técnica del ''[[dripping]]'', el chorreado de pintura sobre la tela, sobre la que intervenía el artista con diversos utensilios o con su propio cuerpo. Entre sus miembros figuran [[Jackson Pollock]], [[Mark Rothko]], [[Franz Kline]] y [[Willem de Kooning]].
** [[Pop art|Pop-art]]: surgió en Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto, englobando una serie de autores que vuelven a la figuración, con un marcado componente de inspiración popular, tomando imágenes del mundo de la [[publicidad]] y de los medios de comunicación de masas. Con un precedente en el llamado [[Neodadaísmo|New Dada]] ([[Robert Rauschenberg]], [[Jasper Johns]]), destacaron en el pop-art [[Andy Warhol]], [[Roy Lichtenstein]], [[Tom Wesselmann]], [[James Rosenquist]], [[Eduardo Paolozzi]], [[Richard Hamilton (artista)|Richard Hamilton]] y, en escultura, [[Claes Oldenburg]].
** [[Nuevo realismo]]: movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante, del [[consumismo]] y la sociedad industrial, del que extraen –al contrario que en el pop-art– su aspecto más desagradable, con especial predilección por los materiales [[Detrito|detríticos]]. Sus representantes fueron [[Arman]], [[César Baldaccini]], [[Yves Klein]], [[Jean Tinguely]], [[Piero Manzoni]], etc.
** [[Arte cinético]]: también llamado [[op-art]] (‘arte óptico’), es un estilo que pone énfasis en el aspecto visual del arte, especialmente en los efectos ópticos, que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas, imágenes persistentes, efecto de [[Patrón de moiré|moiré]]), bien mediante el movimiento o los juegos de luces. Destacan [[Victor Vasarely]], [[Jesús Rafael Soto]], [[Yaacov Agam]], [[Julio Le Parc]], [[Eusebio Sempere]], etc.
** [[Arte de acción]]: son diversas tendencias basadas en el acto de la creación artística, donde lo importante no es la obra en sí, sino el proceso creador, en el que además del artista interviene a menudo el público, con un gran componente de improvisación. Engloba diversas manifestaciones artísticas como el ''[[happening]]'', el ''[[fluxus]]'' la ''[[performance]]'', el ''[[Arte ambiental|environment]]'', la [[Instalación artística|instalación]], etc. Entre sus figuras destacan [[Joseph Beuys]], [[George Maciunas]], [[Allan Kaprow]], [[Wolf Vostell]], [[Yōko Ono]], [[Nam June Paik]], etc.
** [[Videoarte]] aparece en los años 1960 con artistas como [[Nam June Paik]], [[Joseph Beuys]], [[Wolf Vostell]], [[Charlotte Moorman]] entre otros.
** [[Pintura minimalista|Minimalismo]]: con un antecedente en la [[Nueva abstracción]] (o [[Abstracción postpictórica]]) el minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterialización que desembocaría en el [[arte conceptual]]. Son obras de carácter abstracto, de acusada simplicidad, reducidas a un mínimo motivo, depurado al planteamiento inicial del autor, la base sobre la que habría desarrollado la idea que, sin embargo, queda plasmada en su fase inicial. Destacaron los pintores [[Robert Mangold]] y [[Robert Ryman]], y los escultores [[Carl Andre]], [[Dan Flavin]], [[Donald Judd]] y [[Sol LeWitt]].
** [[Hiperrealismo]]: como reacción al minimalismo surgió esta nueva corriente figurativa, caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad, que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un aspecto casi fotográfico. Destacan [[Chuck Close]], [[Richard Estes]], [[Antonio López García]] y, en escultura, [[George Segal (artista)|George Segal]], famoso por sus figuras humanas en [[yeso]].
** [[Arte conceptual]]: tras el despojamiento material del minimalismo, el arte conceptual renuncia al sustrato material para centrarse en el proceso mental de la creación artística, afirmando que el arte está en la idea, no en el objeto. Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingüístico, el más purista de la conceptualidad, centrado en la relación arte-lenguaje ([[Joseph Kosuth]]); el [[arte povera]], centrado en las instalaciones, generalmente de materiales detríticos ([[Mario Merz]], [[Jannis Kounellis]]); el [[body art|body-art]], con el cuerpo humano como soporte; el [[land art|land-art]], que utiliza la naturaleza como soporte, con un marcado componente efímero; el [[Bioarte|bio-art]], que usa técnicas [[Biología|biológicas]]; etc.
** [[Arte postmoderno]]: por oposición al denominado [[arte moderno]], es el arte propio de la [[postmodernidad]]. Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista postmoderno, en cambio, es autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social. Destacan artistas individuales como [[Jeff Koons]], [[David Salle]], [[Jean-Michel Basquiat]], [[Keith Haring]], [[Julian Schnabel]], [[Miquel Barceló]], etc.; o también diversos movimientos como la [[transvanguardia]] italiana, el [[neoexpresionismo]] alemán, el [[neomanierismo]], la [[figuración libre]], etc.<ref>González (1991), p. 7-61.</ref>

[[Archivo:Banana duct taped to fridge as a reminder to eat less meat.jpg|miniatura|''[[Comediante (obra de arte)|Comediante]]'' (2019), de [[Maurizio Cattelan]], colección particular]]
;{{Siglo|XXI||S}}
El [[Arte del siglo XXI|arte del {{siglo|XXI||s}}]] se caracterizó en sus primeras décadas por una cierta solución de continuidad con el del siglo anterior, contrariamente a lo que había sucedido a comienzos del {{siglo|XX||s}} con la aparición de las [[Vanguardismo|vanguardias históricas]], que supuso una ruptura con el [[Historia del arte del siglo XIX|arte decimonónico]]. Por otro lado, se observó una creciente individualización del trabajo del artista, desligado de escuelas y estilos. Otro fenómeno fue el de la [[globalización]], por el que cada vez se fueron perdiendo más las señas de identidad nacionales, sociales, culturales o religiosas, en favor de técnicas y estilos más modernos y universales. Cabe señalar también el papel de las nuevas tecnologías, determinante como materiales o soportes, o incluso en la misma concepción de la idea artística, llegando a determinar la aparición de nuevas técnicas y especialidades artísticas. Por último, en el nuevo milenio se percibió una búsqueda de nuevas formas de expresión interrelacionadas con conceptos sociales y culturales, con especial énfasis en cuestiones de identidad, género, ecologismo y reivindicaciones étnicas.{{Harvnp|Guasch|Ramírez-Blanco|2025|pp=14-17}}

* La arquitectura de las primeras décadas del nuevo milenio fue en buena medida heredera de la que se practicó a finales de la centuria anterior, con un nuevo empeño por la innovación y el diseño, junto al uso de nuevas tecnologías y la apuesta por la sostenibilidad medioambiental.<ref name="tema 15">{{cita web|url=https://www.sabuco.com/historia/tema15sigloxxi.pdf|título=Tema 15: El arte del siglo XXI|editor=IES Histórico Bachiller Sabuco, Albacete. Departamento de Geografía e Historia; Historia del Arte|fechaacceso=22 de enero de 2026}}</ref> Así, siguieron vigentes estilos como el [[Minimalismo#Diseño, arquitectura y espacios|minimalismo]] ([[Richard Meier]], [[Herzog & De Meuron]], [[Dominique Perrault]], [[David Chipperfield]], [[Tadao Andō]], [[Shigeru Ban]], [[Toyō Itō]]),{{Harvnp|Bussagli|2009|p=189}} la [[arquitectura posmoderna]] ([[Paolo Portoghesi]], [[Michael Graves]], [[Robert A. M. Stern]]),{{Harvnp|texto=''Arte contemporáneo''|2006|pp=74-75|ref=AC}} el ''[[high-tech]]'' ([[Norman Foster]], [[Richard Rogers]], [[Ieoh Ming Pei]], [[Jean Nouvel]], [[Odile Decq]], [[César Pelli]], [[Santiago Calatrava]]){{Harvnp|texto=''Arte contemporáneo''|2006|p=77|ref=AC}} y el [[deconstructivismo]] ([[Peter Eisenman]], [[Frank Gehry]], [[Zaha Hadid]], [[Coop Himmelb(l)au]], [[Daniel Libeskind]], [[Bernard Tschumi]], [[Rem Koolhaas]]).{{Harvnp|texto=''Arte contemporáneo''|2006|p=81|ref=AC}} Cobró una gran relevancia la [[Arquitectura sustentable|arquitectura ecológica]], con artífices como [[Marina Tabassum]], [[Yasmeen Lari]], [[Võ Trọng Nghĩa]], [[Jeanne Gang]], [[Bjarke Ingels]], [[Tatiana Bilbao]], [[Farshid Moussavi]], [[Diébédo Francis Kéré]], [[Kunlé Adeyemi]] y [[David Adjaye]].<ref name="tema 15" />{{Harvnp|Astbury|Buxton|Glancey|Humphreys|2023|p=269}}{{Harvnp|Astbury|Buxton|Glancey|Humphreys|2023|pp=312-313}} Entre los nuevos estilos destacan: la [[arquitectura biónica]] ([[Javier Gómez Pioz]])<ref>{{cita web|url=https://www.construcia.com/noticias/arquitectura-bionica/|título=Arquitectura biónica, de la naturaleza a la edificación|fechaacceso=21 de marzo de 2026}}</ref> y la [[arquitectura blob]] ([[Greg Lynn]]).{{Harvnp|Astbury|Buxton|Glancey|Humphreys|2023|p=310}}

* Las artes visuales de principios del {{siglo|XXI||s}} se caracterizaron por la hibridación, la globalización, el activismo, la interacción con el público —especialmente gracias a las redes sociales—, el uso de nuevas tecnologías y la defensa del componente conceptual del arte. Las disciplinas artísticas se fueron diluyendo y, junto al uso de medios tradicionales como la pintura y la escultura, cobraron un gran auge la fotografía y el vídeo, además de nuevas tipologías aparecidas en las últimas décadas del siglo anterior como el ''[[happening]]'', la ''[[performance]]'' y la [[Instalación (arte)|instalación]], a menudo en obras híbridas que aglutinan diversos medios a la vez.<ref name="tema 15" />
** [[Arte figurativo]] y [[Arte abstracto|abstracto]]: diversos artistas, lejos de adscribirse a un determinado movimiento o tendencia artística, desarrollaron su obra dentro de estilos consagrados en la historia del arte, como serían el figurativo ([[Michaël Borremans]], [[Cecily Brown]], [[John Currin]], [[Peter Doig]], [[Elizabeth Peyton]], [[Raymond Pettibon]], [[Jaume Plensa]], [[Neo Rauch]], [[Thomas Schütte]], [[Luc Tuymans]], [[Lisa Yuskavage]]) y el abstracto ([[Tomma Abts]], [[Sheila Hicks]], [[Anish Kapoor]], [[Per Kirkeby]], [[Julie Mehretu]], [[Sarah Morris]], [[Sean Scully]]).{{Harvnp|Bonham-Carter|Hodge|2011|pp=246-249}}
** [[Arte de acción]]: continuaron las tendencias basadas en el proceso creador del arte, con artistas como [[Marina Abramović]], [[Franz Ackermann]], [[Christian Boltanski]], [[Christoph Büchel]], [[Cai Guo-Qiang]], [[Sophie Calle]], [[Maurizio Cattelan]], [[Olafur Eliasson]], [[Urs Fischer (artista)|Urs Fischer]], [[Isa Genzken]], [[Antony Gormley]], [[Mona Hatoum]],  [[Roni Horn]], [[Cristina Iglesias]], [[Anne Imhof]], [[Damián Ortega]], [[Wilfredo Prieto]] y [[Santiago Sierra]].{{Harvnp|Bonham-Carter|Hodge|2011|pp=246-249}}
** [[Arte conceptual]]: otra corriente del siglo anterior que continuó su andadura en el nuevo milenio fue el arte conceptual, un conjunto de manifestaciones artísticas que incidían en la idea del arte más que en su realización material, con exponentes como [[Jenny Holzer]], [[Mary Kelly]], [[Cildo Meireles]], [[Gabriel Orozco]] y [[Franz West]]. Dentro del  ''arte povera'' encontramos a [[Michelangelo Pistoletto]], [[Tony Cragg]] y [[Giuseppe Penone]]. En el ''body art'' cabría mencionar a [[Orlan (artista)|Orlan]], [[Urs Lüthi]] y [[Spencer Tunick]]. Por último, en el ''land art'' destacó la obra de [[Andy Goldsworthy]], [[Michael Heizer]], [[Maya Lin]], [[Richard Long]] y [[Ugo Rondinone]].{{Harvnp|Bonham-Carter|Hodge|2011|pp=246-249}} 
[[Archivo:The World of Banksy 2022, Brussels (cropped).jpg|miniatura|''Niña con globo'' (2002), de [[Banksy]]]]
** En esta centuria cobró un gran auge el arte de reivindicación política y social, a través de una serie de reivindicaciones sociopolíticas centradas principalmente en la discriminación de diversos colectivos, ya sea por razones étnicas, de género —principalmente en torno al [[feminismo]]— o de [[identidad de género]] —en torno al movimiento [[LGBT]]—, así como diversos movimientos de naturaleza política reivindicativa como el [[pacifismo]] y el [[ecologismo]].{{Harvnp|Guasch|Ramírez-Blanco|2025|pp=96-97}} Dentro del arte activista destacaron [[Thomas Hirschhorn]], [[Francis Alÿs]], [[Pierre Huyghe]], [[Matthew Barney]], [[Carolina Caycedo]], [[Joan Jonas]], [[Ursula Biemann]], [[Ai Weiwei]], [[Doris Salcedo]] y [[Piotr Pavlenski]]. En cuanto al arte de reivindicación étnica, se centró en la revalorización de las culturas no occidentales y el auge que ha tenido en los últimos decenios el arte indígena,{{Harvnp|Guasch|Ramírez-Blanco|2025|pp=299-320}} con artistas como [[Kara Walker]], [[Simone Leigh]], [[Lauren Halsey]], [[Kerry James Marshall]], [[Jimmie Durham]], [[El Anatsui]], [[Njideka Akunyili Crosby]], [[Wangechi Mutu]], [[Jane Alexander (escultora)|Jane Alexander]], [[Otobong Nkanga]], [[Toyin Ojih Odutola]], [[Shirin Neshat]], [[Sheela Gowda]], [[Xu Bing]], [[Liu Xiaodong]], [[Yayoi Kusama]] y [[Yasumasa Morimura]].{{Harvnp|Graham-Dixon|2018|p=591}} Otra vertiente del arte reivindicativo fue la relacionada con el [[feminismo]] y la [[identidad de género]], especialmente en lo relacionado con el movimiento [[LGBT]], en el que destacaron: [[Vanessa Beecroft]], [[Marlene Dumas]], [[Andrea Fraser]], [[Charline von Heyl]], [[Annette Messager]], [[Christina Quarles]], [[Sara Ramo]], [[Paula Rego]], [[Alejandra Ugarte]], [[Robert Gober]], [[Elmgreen & Dragset]], [[Grayson Perry]], [[Fabián Cháirez]] y [[Salman Toor]].{{Harvnp|Graham-Dixon|2018|p=570}} 
** [[Arte posmoderno]]: de igual forma que los movimientos anteriores, con el cambio de siglo continuó el arte posmoderno, que tuvo dos vertientes: una «cálida», que se oponía al concepto de modernidad defendido por las vanguardias, retornando al arte tradicional y a la finalidad puramente estética del arte, tendencia representada por el [[apropiacionismo]], el [[neoexpresionismo]] y la [[transvanguardia]]; y otra «fría», en que se defendía la simulación de la realidad, que se presentaba descontextualizada, con renuncia a la subjetividad y una actitud inexpresionista, que sería defendida por el [[simulacionismo]], el [[postapropiacionismo]] y los movimientos «neo» (neoobjetual, neoabstracto, [[neo-geo]], [[neobarroco]], neoconceptual, [[Neo pop|neopop]], [[neoformalismo]]).{{Harvnp|Guasch|2000|pp=20-22}} Algunos de los artistas destacados de estos movimientos fueron: [[Richard Prince]], [[Sherrie Levine]], [[Robert Longo]], [[Jeff Koons]], [[Peter Halley]], [[Imi Knoebel]], [[Günther Förg]], [[Meyer Vaisman]], [[Tony Cragg]], [[Julian Opie]], [[Rosemarie Trockel]] y [[Takashi Murakami]]. También se incluirían aquí el arte posmoderno activista (o [[artivismo]]), que se centró en la reivindicación social utilizando conceptos posmodernos, especialmente en cuanto a raza, clase, género e identidad sexual ([[Dara Birnbaum]], [[Adrian Piper]], [[Allan Sekula]], [[Alfredo Jaar]], [[Krzysztof Wodiczko]]);{{Harvnp|Guasch|2000|pp=471-488}} el arte corporal posmoderno, una nueva tendencia a utilizar el cuerpo como soporte artístico ([[Robert Gober]], [[Matthew Barney]], [[Mike Kelley]], [[Charles Ray (escultor)|Charles Ray]], [[Kiki Smith]], [[Nan Goldin]]);{{Harvnp|Guasch|2000|pp=499-500}} y el arte posfeminista, en que los roles masculino y femenino fueron sometidos a una deconstrucción, reflexionando sobre las condiciones de clasificación de las personas y cuestionando la distinción estricta de género, defendiendo la libre elección de la identidad sexual ([[Mary Kelly]], [[Zoe Leonard]], [[Silvia Kolbowski]], [[Mona Hatoum]]).{{Harvnp|Guasch|2000|pp=535-537}}
** [[Arte urbano]]: una de las tendencias con más pujanza del nuevo milenio fue el arte urbano, que utiliza el espacio público para la elaboración de obras realizadas sobre todo con pintura en aerosol, a menudo por artistas anónimos y con un carácter efímero,{{Harvnp|Phillips|2017|p=136}} con representantes como [[Banksy]], [[Pejac]], [[KAWS]], [[Shamsia Hassani]], [[John Fekner]], [[Blek le Rat]], [[Okuda]], [[Jacek Tylicki]], [[Eduardo Kobra]] y [[Boa Mistura]].<ref>{{cita web|url=https://www.elcorteingles.es/entradas/blog/grafiteros-famosos/|título=Los grafiteros más famosos del arte urbano|fechaacceso=13 de abril de 2026}}</ref>
** ''[[Young British Artists]]'': corriente activa desde los años 1990, estos artistas destacaron por sus obras irreverentes y provocativas: [[Damien Hirst]], [[Jake y Dinos Chapman]], [[Tracey Emin]], [[Sarah Lucas]], [[Steve McQueen (director)|Steve McQueen]], [[Chris Ofili]], [[Marc Quinn]], [[Jenny Saville]].{{Harvnp|Bonham-Carter|Hodge|2011|pp=246-249}} 
** [[Arte de los nuevos medios]]: por último, cabe señalar la relevancia en las últimas décadas del arte derivado de las nuevas tecnologías, que supuso una gran revolución para el arte, no solo en cuanto a nuevos soportes y materiales, sino a nuevas formas de expresión que ampliaron los límites del arte.{{Harvnp|Guasch|2000|p=439}} Entre ellas se encuentran: el [[videoarte]], con artistas como [[Eija-Liisa Ahtila]], [[Matthew Barney]], [[Douglas Gordon]], [[Mariko Mori]] y [[Pipilotti Rist]];{{Harvnp|Bonham-Carter|Hodge|2011|pp=246-249}} el [[arte sonoro]] ([[Brian Eno]], [[Lee Ranaldo]], [[Susan Philipsz]]);{{Harvnp|Dempsey|2002|p=284-286}} y el [[arte digital]], en el que encontramos variantes como el [[arte interactivo]] o ''[[net.art]]'',{{Harvnp|Dempsey|2002|pp=286-288}} el ''[[post-internet art]]'',{{Harvnp|Hodge|2025|p=44}} la [[realidad virtual]],{{Harvnp|Phillips|2017|pp=146-147}} el [[NFT]]{{Harvnp|Revuelta|2025|pp=195-199}} y la [[inteligencia artificial]].{{Harvnp|Revuelta|2025|pp=204-211}}

== Véase también ==
{{Lista de columnas|3|
{{Portal|Arte}}
* [[Belleza]]
* [[Bellas Artes]]
* [[Estética]]
* [[Artes liberales]]
* [[Teoría del arte]]
* [[Clasificación de las artes]]
* [[Arte autodestructivo]]
* [[Arte marcial]]
* [[Arte y anatomía]]
* [[Artes decorativas]]
* [[Artesanía]]
* [[Día Mundial del Arte]]
* [[Historia de la arquitectura]]
* [[Historia de la escultura]]
* [[Historia de la pintura]]
* [[Historia del grabado]]
* [[Historia de la literatura]] 
* [[Historia de la música]]
* [[Historia del teatro]]
* [[Historia de la ópera]]
* [[Historia de la danza]]
* [[Historia de la fotografía]]
* [[Historia del cine]]
* [[Historia de la historieta]]
* [[Historia de las artes decorativas]]
* [[Historia de la estética]]
* [[Arte efímero]]
* [[Especial:PáginasPorPrefijo/Arte|Todos los artículos en la Wikipedia que comienzan por la palabra ''Arte'']]
}}

== Referencias ==
{{listaref|3}}

== Bibliografía ==
* {{cita libro
| autor = AA.VV.
| título = Enciclopedia del Arte Garzanti
| año = 1991
| editorial = Ediciones B, Barcelona
| id = ISBN 84-406-2261-9
}}
* {{Cita libro |título=Arte contemporáneo |año=2006 |editorial=Folio |ubicación=Barcelona |isbn=84-413-2179-5|ref=AC}}
* {{Cita libro |apellido={{versalita|Astbury}} |nombre=Jon |apellido2={{versalita|Buxton}} |nombre2=Pamela |apellido3={{versalita|Glancey}} |nombre3=Jonathan |apellido4={{versalita|Humphreys}} |nombre4=Andrew |título=El libro de la arquitectura |año=2023 |editorial=DK |ubicación=Londres |isbn=978-84-460-5414-6}}
* {{cita libro
| autor = Azcárate Ristori, José María de; Pérez Sánchez, Alfonso Emilio; Ramírez Domínguez, Juan Antonio 
| título = Historia del Arte
| año = 1983
| editorial = Anaya, Madrid
| id = ISBN 84-207-1408-9
}}
* {{cita libro
| autor = [[Monroe Beardsley|Beardsley, Monroe C.]] y [[John Hospers|Hospers, John]]
| título = Estética. Historia y fundamentos
| año = 1990
| editorial = Cátedra, Madrid
| id = ISBN 84-376-0085-5
}}
* {{Cita libro |apellido={{versalita|Bonham-Carter}} |nombre=Charlotte |apellido2={{versalita|Hodge}} |nombre2=David |título=Atlas ilustrado del arte contemporáneo |año=2011 |editorial=Susaeta |ubicación=Madrid |isbn=978-84-677-1629-0}}
* {{cita libro
| autor = [[Valeriano Bozal|Bozal, Valeriano]] (y otros)
| título = Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. I)
| año = 2000
| editorial = Visor, Madrid
| id = ISBN 84-7774-580-3
}}
* {{cita libro
| autor = Bozal, Valeriano (y otros)
| título = Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. II)
| año = 1999
| editorial = Visor, Madrid
| id = ISBN 84-7774-581-1
}}
* {{cita libro
| autor = Bozal, Valeriano
| título = Modernos y postmodernos
| año = 1993
| editorial = Historia 16, Madrid
}}
* {{cita libro
| autor = [[Cesare Brandi|Brandi, Cesare]]
| título = Teoría de la restauración
| año = 2002
| editorial = Alianza, Madrid
| id = ISBN 84-206-4138-3
}}
* {{cita libro |apellidos={{versalita|Bussagli}} |nombre=Marco |título=Atlas ilustrado de la arquitectura |año=2009 |editorial=Susaeta |ubicación=Madrid |isbn=84-305-4483-6}}
* {{Cita libro |apellidos={{versalita|Dempsey}} |nombre=Amy |título=Estilos, escuelas y movimientos |año=2002 |editorial=Blume |ubicación=Barcelona |isbn=84-89396-86-8}}

* {{cita libro
| autor = [[Umberto Eco|Eco, Umberto]]
| título = Historia de la belleza
| año = 2004
| editorial = Lumen, Barcelona
| id = ISBN 84-264-1468-0
}}
* {{cita libro
| autor = [[Guillermo Fatás|Fatás, Guillermo]] y [[Gonzalo Borrás|Borrás, Gonzalo]]
| título = Diccionario de términos de arte y elementos de arqueología, heráldica y numismática
| año = 1990
| editorial = Alianza, Madrid
| id = ISBN 84-206-0292-2
}}
* {{cita libro
| autor = Fuga, Antonella
| título = Técnicas y materiales del arte
| año = 2004
| editorial = Electa, Barcelona
| id = ISBN 84-8156-377-3
}}
* {{cita libro
| autor = [[Sergio Givone|Givone, Sergio]]
| título = Historia de la estética
| año = 2001
| editorial = Tecnos, Madrid
| id = ISBN 84-309-1897-3
}}
* {{cita libro
| autor = [[Ernst Gombrich|Gombrich, Ernst]]
| título = Historia del Arte
| url = https://archive.org/details/lahistoriadelart0000ehgo
| año = 1997
| editorial = Debate, Madrid
| id = ISBN 978-84-8306-044-5
}}
* {{cita libro
| autor = González, Antonio Manuel
| título = Las claves del arte. Últimas tendencias
| año = 1991
| editorial = Planeta, Barcelona
| id = ISBN 84-320-9702-0
}}
* {{Cita libro |apellido={{versalita|Graham-Dixon}} |nombre=Andrew et al. |título=Arte |año=2018 |editorial=DK |ubicación=Londres |isbn=978-0-2413-8998-0}}
* {{Cita libro |apellido={{versalita|Guasch}} |enlaceautor=Anna Maria Guasch |nombre=Anna Maria |título=El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural |año=2000 |editorial=Alianza |ubicación=Madrid |isbn=84-206-4445-5}}
* {{Cita libro |apellido={{versalita|Guasch}} |enlaceautor=Anna Maria Guasch |nombre=Anna Maria |apellido2={{versalita|Ramírez-Blanco}} |nombre2=Julia |título=Ismos del siglo XXI |año=2025 |editorial=Alianza |ubicación=Madrid |isbn=979-13-7009-110-1}}
* {{cita libro
| autor = [[Arnold Hauser|Hauser, Arnold]]
| título = Historia social de la literatura y el arte
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| id = ISBN 978-84-9793-220-2
}}
* {{Cita libro |apellido={{versalita|Hodge}} |nombre=Susie |título=Breve historia del arte contemporáneo |año=2025 |editorial=Blume |ubicación=Barcelona |isbn=978-84-10268-92-0}}
* {{Cita libro
| autor = Honour, Hugh y Fleming, John
| título = Historia mundial del arte
| año = 2002
| publicación = Ed. Akal, Madrid
| id = ISBN 84-460-2092-0
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* {{Cita libro
| apellido = Jenkins
| nombre = Henry
| título = Hop on Pop: The Politics and Pleasures of Popular Culture.
| año = 2002
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| idioma= inglés
| id = ISBN 0-8223-2737-6.
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* {{cita libro
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| título = La luz en el arte
| año = 2022
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| id = ISBN 978-84-17656-68-3
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* {{cita libro
| autor = Marty, Gisèle
| título = Psicología del arte
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| id = ISBN 84-368-1340-5
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* {{cita libro
| autor = Onians, John
| título = Atlas del arte
| año = 2008
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| id = ISBN 978-84-9801-293-4
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* {{Cita libro |apellido={{versalita|Phillips}} |nombre=Sam |título=Entender el arte moderno |año=2017 |editorial=Librero |ubicación=Madrid |isbn=978-94-6359-483-7 }}
* {{Cita libro |apellido={{versalita|Revuelta}} |nombre=Laura |título=Arte parece, plátano es: 21 claves para entender el arte del siglo XXI |año=2025 |editorial=Taurus |ubicación=Barcelona |isbn=978-84-306-2736-3}}
* {{cita libro
| autor = Souriau, Étienne
| título = Diccionario Akal de Estética
| url = https://archive.org/details/diccionarioakald0000sour
| año = 1998
| editorial = Akal, Madrid
| id = ISBN 84-460-0832-7
}}
* {{obra citada
| apellido = Tatarkiewicz
| nombre = Władysław
| enlaceautor =Władysław Tatarkiewicz
| título = Historia de la estética I. La estética antigua
| año = 2000
| editorial = Akal
| ubicación = Madrid
| ISBN =84-7600-240-8
}}
: {{obra citada
| apellido = Tatarkiewicz
| nombre = Władysław
| enlaceautor =Władysław Tatarkiewicz
| máscaraautor =1
| título = Historia de la estética II. La estética medieval
| año = 1989
| editorial = Akal
| ubicación = Madrid
| id = ISBN 84-7600-407-9
}}
: {{obra citada
| apellido = Tatarkiewicz
| nombre = Władysław
| enlaceautor =Władysław Tatarkiewicz
| máscaraautor =1
| título = Historia de la estética III. La estética moderna 1400-1700
| año = 1991
| editorial = Akal
| ubicación = Madrid
| ISBN = 84-7600-669-1
}}
: {{obra citada
| apellido = Tatarkiewicz
| nombre = Władysław
| enlaceautor =Władysław Tatarkiewicz
| máscaraautor =1
| título = Historia de seis ideas
| año = 2002
| editorial = Tecnos
| ubicación = Madrid
| ISBN = 84-309-3911-3
}}
* {{cita libro
| autor = Villa, Rocío de la
| título = Guía del arte hoy
| año = 2003
| editorial = Tecnos, Madrid
| id = ISBN 84-309-3930-X
}}

== Enlaces externos ==
{{commonscat|Art}}
{{portal|Arte}}

{{control de autoridades|wiktionary=arte}}

[[Categoría:Arte| ]]